Hmmmmm. en el ámbito operístico la mejor noticia sería que la ópera volviera por la senda del esplendor. Y para ello se necesitaría algo que en los días que corren no parece abundar: Talento y amor por la ópera.
El talento es necesario para desarrollar cualquier actividad. Es la diferencia entre el mediocre y el excepcional: Todo el mundo puede aprender a escribir pero Cervantes ha habido pocos......Aunque no se trata de eso. Por que entre la excelencia máxima y la incompetencia hay grados intermedios de gran calidad. Que en el fondo es lo que se pide.
¿Que le falta a la Opera?
Cantantes. Es la carencia mas llamativa. ¿Faltan voces? No. Es un problema de concepto: Vivimos en los tiempos de lo "apolineamente correcto" entre los cantantes: Si tienes buena facha y llegas hasta el sib3 ya eres tenor. Aunque el pasaje te suene al número de "humanos" que se suben a un avión, la cobertura a la cúpula de San Pedro, el apoyo respiratorio a "cosa de los tenores antiguos" (como la faja que se ponían), la proyección a las cabinas de cine, y la afinación al número de calorías de la dieta. Lo que nos lleva a una pregunta más inquietante.
¿Faltan maestros de canto?
Posiblemente si. Posiblemente están todos los que son, pero no son, todos los que están. Por que el número de "Kent" (Por el partinaire de la "barbie") que salen a los escenarios es directamente proporcional a la carencia de conocimientos técnicos. Da igual la preparación. Solo importa que seas guapete y jovencito y si luego "enasalivas" a todo lo que pillas a tu alrededor, respirando donde te sale de los h**** Da igual. Si luego entubas el sonido, lo abres en el paso, y oscureces artificialmente la voz, Da igual. Si luego cantas repertorio que no es tuyo y cuando la voz dice basta "Es que estás enfermo" Da igual...Lo que importa es el Marketing "Metrozezual" ¿Cantar? ¿Qué es eso? ¿Para que quiere uno cantar en la ópera? Si es que tienen cada cosa.....Nada, nada: tres vocalizaciones y a escena, que 22 sólo dura un año y 23 ya es tarde.
¿Que mas le falta?
En este caso ¿Que le sobra? Y la respuesta es clara: sobran Mortieres, Bleitos, y demás fauna que han secuestrado la Opera. Infames directores de escena que tratan inútilmente de colarnos sus bodrios y sus defecaciones mentales. Todavía nos quedan algunos años de soportar puestas en escena vomitivas. Aunque estoy seguro que se terminará: En la Opera, la historia la cuenta la música, no la puesta en escena. Y por eso nunca llegaran a ser los amos de la ópera. Solo hace falta que se consoliden los cantantes que están abriéndose paso, como varios a los que en este Blog se sigue de manera regular, y que sigan saliendo nuevas voces. Y en la Opera reinará el cantante, el músico: Los verdaderos protagonistas. Sin registas si hay Opera. Sin cantantes, sin músicos no.
¿Utopia?
¿Como la Obra de Tomas Moro? No. No llega a tanto. Es posible llegar a ello. Además de todo lo expuesto también harían falta profesionales cualificados que lleguen a los puestos clave. No politicuchos de medio pelo que diría "El butanito".
FELIZ AÑO NUEVO
martes, 28 de diciembre de 2010
domingo, 31 de octubre de 2010
Celso Albelo triunfa en Venecia
Venezia, Gran Teatro La Fenicie, 29.10.2010
Hacía dos décadas que nadie bisaba en el teatro "La Fenice" de Venecia, que se dice pronto: Un teatro de renombre, donde han cantado los mas grandes, mas un público exigente, son ingredientes que hacen que este bis tenga la importancia que tiene y que parece que algunos no quieren ver: En ciertos foros, donde sesudos ignorantes con insuflas de gurús ponen al desnudos sus carencias musicales, el bis ha levantado ronchas. Por que no nos engañemos: Celso no tiene detrás de sí un aparato de Marketing espectacular como tienen otros cantantes, ni una legión de seguidores irredentos predispuestos a pedir "bises" de la primera aria que escuchan. No. Este bis es, ni mas ni menos, que el triunfo del trabajo, y las cualidades: De ofrecer emoción y ganas al público que paga y que está deseando disfrutar.
Después de ver el vídeo me pregunto cómo pudo cantar el bis: Cantar cuando la emoción hace un nudo en la garganta es difícil. Pero difícil de verdad: No eres dueño de ti, estás en otro mundo flotando por el escenario, y en esos casos la voz se te suele ahogar en la garganta.
Y sin embargo el bis es espectacular
Medias voces, una "messa di voce" en la que nos muestra un "apinamiento" de la voz espectacular para volver al forte en plenitud. Es un bis con un uso generoso e inteligente de la dinámicas, coloreando las frases, dotándolas de intención y de expresión. Sentimiento mas emoción, interpretación en suma.
Disfrútenlo. Merece la pena.
Hacía dos décadas que nadie bisaba en el teatro "La Fenice" de Venecia, que se dice pronto: Un teatro de renombre, donde han cantado los mas grandes, mas un público exigente, son ingredientes que hacen que este bis tenga la importancia que tiene y que parece que algunos no quieren ver: En ciertos foros, donde sesudos ignorantes con insuflas de gurús ponen al desnudos sus carencias musicales, el bis ha levantado ronchas. Por que no nos engañemos: Celso no tiene detrás de sí un aparato de Marketing espectacular como tienen otros cantantes, ni una legión de seguidores irredentos predispuestos a pedir "bises" de la primera aria que escuchan. No. Este bis es, ni mas ni menos, que el triunfo del trabajo, y las cualidades: De ofrecer emoción y ganas al público que paga y que está deseando disfrutar.
Después de ver el vídeo me pregunto cómo pudo cantar el bis: Cantar cuando la emoción hace un nudo en la garganta es difícil. Pero difícil de verdad: No eres dueño de ti, estás en otro mundo flotando por el escenario, y en esos casos la voz se te suele ahogar en la garganta.
Y sin embargo el bis es espectacular
Medias voces, una "messa di voce" en la que nos muestra un "apinamiento" de la voz espectacular para volver al forte en plenitud. Es un bis con un uso generoso e inteligente de la dinámicas, coloreando las frases, dotándolas de intención y de expresión. Sentimiento mas emoción, interpretación en suma.
Disfrútenlo. Merece la pena.
lunes, 25 de octubre de 2010
Jonas Kaufmann: Una voz tirada a la basura III parte.
Esta tercera parte va dedicada a algunos comentarios que he recibido acerca de los dos hilos anteriores; Dichos Comentarios no han sido publicados por que los autores recurren al insulto o la descalificación como medio de expresar su disconformidad. Les voy a dejar la cronica del "Diario de Sevilla" del concierto ofrecido por Jonas Kaufmann el Viernes, 22 de octubre.
Lugar: Teatro de la Maestranza. Aforo: Algo más de tres cuartos..
Programa 'Die schöne Müllerin', op. 25 D. 765, de Franz Schubert. Tenor: Jonas Kaufmann. Piano: Helmut Deutsch.
La cronica firmada por Andrés Moreno Mengíbar dice así:
Una muestra inapelable de la situación actual del canto lírico es el fenómeno de Jonas Kaufmann. Presente en las portadas de todas las revistas musicales, publicitado hasta el exceso por su casa discográfica, presente cotidianamente en los teletipos operísticos cada vez que afronta un nuevo personaje, alabado tanto por su físico como por su voz, es sin lugar a dudas, el tenor del momento, el cantante de moda. Y, sin embargo, hace medio siglo hubiese pasado desapercibido, hubiese sido calificado de cantante sólo pasable y aceptable para escenarios de segunda o para papeles secundarios y las críticas hubiesen sido menos halagüeñas que las que hoy se leen por doquier.
¿Qué pasa entonces? Muchos son los especialistas en el canto que se preguntan el porqué de la decadencia del canto (especialmente masculino) en las últimas décadas y muchos coinciden en una cuestión: la presión de los teatros y de las agencias artísticas, acicateadas por la demanda creciente de una mucho mayor cantidad de teatros, lanza a la vorágine a cantantes a medio formar, sin la técnica aún consolidada, sin haber madurado todavía su repertorio y sin tiempo material para, con menos de treinta años, acabar de moldear algo tan delicado como la voz.
Ejemplo cabal es el de Jonas Kaufmann. Ante el vacío de voces tenoriles con empaque y anchura, el timbre oscuro, viril y leñoso de Kaufmann, unido a un fraseo incisivo y a una musicalidad indudable, lo han lanzado al estrellato mundial de una manera que no siempre se corresponde con lo que se puede percibir en el directo. Sin lugar a dudas, el centro de la voz es de una belleza arrebatadora, pasional y exultante, con facilidad de proyección cuando canta en forte. Pero en otros terrenos ya no pisa tan firme. Ya desde el estribillo del primer lied se pudo comprobar que al acercarse a la zona de paso (Mi-Fa) la voz se estrangula, se engola, queda sin cubrir y desde allí hacia arriba se adelgaza, se blanquea, pierde vibración y suena plana. Los ataques en pianissimo sobre la zona aguda (inicio del nº 6) suenan siempre blandos y afalsetados, sin que se pueda decir que existe la media voz. Incluso se pudieron escuchar (nº 4 y nº 19) algunos sospechosos roces.
En este sentido, la tesitura aguda de este ciclo juega en contra de las condiciones de la voz de Kaufmann, que naufraga a la hora de intentar un canto íntimo y delicado. Todo lo contrario que en las canciones más expansivas (nº13 al 15), dichas con gran carga dramática y perfectamente fraseadas con gran riqueza de acentos (magistrales los staccati del nº 15).
Deutsch, por su parte, dio toda una lección de sobriedad y riqueza de colorido en el teclado.
La crónica se puede leer en Los peligros del Marketing
Como puede observarse no dice nada nuevo que yo no hubiera escrito ya. Y no es que necesite el refrendo de un crítico profesional. Simplemente hago constar que existen más personas en el mundo que han apreciado lo mismo que yo. Tanto si a los fanáticos les gusta como si no. El problema de la realidad es que suele ser terca como las mulas...
Y siguiendo la linea de este Blog, vamos con los ejemplos sonoros. Sin trampa ni cartón por cuanto los graba un aficionado. Y para desgracia del Señor Kaufmann y sus seguidores el resultado no es bueno: A Kaufmann le tapa el piano en mas de una ocasión.
Jonas Kaufmann TCE 14 10. 2010
Jonas Kaufmann TCE 14 10 10
Como puede apreciarse la supuesta media voz no existe: Los cambios de color, Los afalsetamientos aparecen por doquier, la voz entubada, alojada en la nariz, todo lo que ya se ha comentado. El forte no mejora mucho las cosas con sospechosas notas caladas.
Alguno me poddría argumentar que el público presente aplaudió con ganas. No es buen argumento por cuanto a ese tipo de conciertos suelen asistir sus seguidores mas acérrimos. Y es en las crónicas de los espectadores neutrales donde encontramos la realidad.
Todo esto, como ya he comentado, no es mas que un producto de Marketing. Igual que ocurre con otros cantantes de los que hablaré en sucesivas entradas y que merecen un lugar de honor en la galería de los horrores.
Lugar: Teatro de la Maestranza. Aforo: Algo más de tres cuartos..
Programa 'Die schöne Müllerin', op. 25 D. 765, de Franz Schubert. Tenor: Jonas Kaufmann. Piano: Helmut Deutsch.
La cronica firmada por Andrés Moreno Mengíbar dice así:
Una muestra inapelable de la situación actual del canto lírico es el fenómeno de Jonas Kaufmann. Presente en las portadas de todas las revistas musicales, publicitado hasta el exceso por su casa discográfica, presente cotidianamente en los teletipos operísticos cada vez que afronta un nuevo personaje, alabado tanto por su físico como por su voz, es sin lugar a dudas, el tenor del momento, el cantante de moda. Y, sin embargo, hace medio siglo hubiese pasado desapercibido, hubiese sido calificado de cantante sólo pasable y aceptable para escenarios de segunda o para papeles secundarios y las críticas hubiesen sido menos halagüeñas que las que hoy se leen por doquier.
¿Qué pasa entonces? Muchos son los especialistas en el canto que se preguntan el porqué de la decadencia del canto (especialmente masculino) en las últimas décadas y muchos coinciden en una cuestión: la presión de los teatros y de las agencias artísticas, acicateadas por la demanda creciente de una mucho mayor cantidad de teatros, lanza a la vorágine a cantantes a medio formar, sin la técnica aún consolidada, sin haber madurado todavía su repertorio y sin tiempo material para, con menos de treinta años, acabar de moldear algo tan delicado como la voz.
Ejemplo cabal es el de Jonas Kaufmann. Ante el vacío de voces tenoriles con empaque y anchura, el timbre oscuro, viril y leñoso de Kaufmann, unido a un fraseo incisivo y a una musicalidad indudable, lo han lanzado al estrellato mundial de una manera que no siempre se corresponde con lo que se puede percibir en el directo. Sin lugar a dudas, el centro de la voz es de una belleza arrebatadora, pasional y exultante, con facilidad de proyección cuando canta en forte. Pero en otros terrenos ya no pisa tan firme. Ya desde el estribillo del primer lied se pudo comprobar que al acercarse a la zona de paso (Mi-Fa) la voz se estrangula, se engola, queda sin cubrir y desde allí hacia arriba se adelgaza, se blanquea, pierde vibración y suena plana. Los ataques en pianissimo sobre la zona aguda (inicio del nº 6) suenan siempre blandos y afalsetados, sin que se pueda decir que existe la media voz. Incluso se pudieron escuchar (nº 4 y nº 19) algunos sospechosos roces.
En este sentido, la tesitura aguda de este ciclo juega en contra de las condiciones de la voz de Kaufmann, que naufraga a la hora de intentar un canto íntimo y delicado. Todo lo contrario que en las canciones más expansivas (nº13 al 15), dichas con gran carga dramática y perfectamente fraseadas con gran riqueza de acentos (magistrales los staccati del nº 15).
Deutsch, por su parte, dio toda una lección de sobriedad y riqueza de colorido en el teclado.
La crónica se puede leer en Los peligros del Marketing
Como puede observarse no dice nada nuevo que yo no hubiera escrito ya. Y no es que necesite el refrendo de un crítico profesional. Simplemente hago constar que existen más personas en el mundo que han apreciado lo mismo que yo. Tanto si a los fanáticos les gusta como si no. El problema de la realidad es que suele ser terca como las mulas...
Y siguiendo la linea de este Blog, vamos con los ejemplos sonoros. Sin trampa ni cartón por cuanto los graba un aficionado. Y para desgracia del Señor Kaufmann y sus seguidores el resultado no es bueno: A Kaufmann le tapa el piano en mas de una ocasión.
Jonas Kaufmann TCE 14 10. 2010
Jonas Kaufmann TCE 14 10 10
Como puede apreciarse la supuesta media voz no existe: Los cambios de color, Los afalsetamientos aparecen por doquier, la voz entubada, alojada en la nariz, todo lo que ya se ha comentado. El forte no mejora mucho las cosas con sospechosas notas caladas.
Alguno me poddría argumentar que el público presente aplaudió con ganas. No es buen argumento por cuanto a ese tipo de conciertos suelen asistir sus seguidores mas acérrimos. Y es en las crónicas de los espectadores neutrales donde encontramos la realidad.
Todo esto, como ya he comentado, no es mas que un producto de Marketing. Igual que ocurre con otros cantantes de los que hablaré en sucesivas entradas y que merecen un lugar de honor en la galería de los horrores.
martes, 12 de octubre de 2010
miércoles, 22 de septiembre de 2010
Jonas Kaufmann: Una voz tirada a la basura. II Parte.
Continuamos con la serie dedicada al "¿Cantante? del mes".
Una de las cosas que mas poderosamente me llama la atención de la voz de este hombre, es la progresiva fijación de la voz en la nariz. Fijación que se manifiesta con mayor intensidad cuando realiza los diminuendos de volumen que, alguien con gran sentido del humor, intenta definir como "Filados a lo Fleta". Supongo que lo dirá con intención hilarante, por que en serio no puede hablar, so pena de ser tachado de "O rei do Ignorantes". Kaufmann disimula la nasalidad de la voz cuanto mas forte canta. Cualquier intento de pseudo-media voz o disminución del volumen provoca la entrada de la voz en la nariz. ¿Y por qué? Seguro que alguien se pregunta. Vamos a intentar responder a esto. Lo primero: audicionen este asesinato verdiano.
Hvorostovsky, Kaufmann, Shvec - Scene from Don Carlo
Si alguien se preguntara en ciertas partes quien es el tenor y quien el barítono, habría que decirle que es una pregunta legítima. ¿Que busca Kaufmann? Fácil pregunta y difícil respuesta. ¿Que siente un cantante cuando mete la voz en la nariz.? Comodidad. Quien tiene tendencia a la nasalidad la busca por que al cantante le suena su voz timbrada, con graves. En realidad suena oscura, sin brillo, y lo que es peor, se aprecia un severo cambio de color en el paso y en el agudo, producto de un sonido abierto, cercano al falsete, y un contraste brutal, entre el centro y el paso y el agudo. La emisión y el timbre de la voz también se ven afectadas. Gravemente afectadas. La falta de homogeneidad de la voz también puede llegar a ser apreciadas por el propio cantante y el resultado suelen ser notas caladas o desafinadas al no poder determinar exactamente la posición de las notas en la garganta. Todo esto se aprecia en el vídeo que acabamos de escuchar.
Ahora escuchen ustedes un dúo en condiciones.
Franco Corelli & Robert Merrill - Don Carlo Duet
Aquí se puede apreciar las diferencias entre una voz natural, grande, extensa como la de Corelli en severo contraste con una voz "fabricada", inflada, falsamente coloreada hacia unos sonidos que no le corresponden, como la de Kauffman. Corelli canta fácil con una voz que no era nada sencilla de manejar por su anchura y peso. Siempre que escucho a este hombre, no dejo de pensar en lo que habrá sudado en los tiempos en los que aprendía a cantar, para acostumbrar a su garganta a girar en el paso. Mi voz es un globo comparada con la de Corelli, y no se deja manejar así por las buenas....
¿Qué busca Kaufmann? Sospecho que ocupar un sitio que no le corresponde. Es decir intenta aparentar ser un lírico, lirico-spinto, y así poder abordar papeles propios de esta tesitura. Error gravísimo que le puede costar la voz como le ha pasado ya a algún tenor actual. Por que Kaufmann, si usara su voz original bien impostada, sería un tenor para un repertorio del tipo de repertorio de Alfredo Kraus.
Supuestas virtudes
Otra de las cosas que más me llaman la atención de este tenor es las supuestas virtudes que según sus fanáticos seguidores tiene. Por que no nos engañemos. Kaufmann está donde está por sus "talifanes" y por el Marketing, que explota unas virtudes que no son las canoras precisamente. Una de las cosas mas divertidas que se pueden leer de este tenor es que "intenta cosas" como por ejemplo, los pianos y medias voces. Hilarante afirmación, por que si la tomamos al pié de la letra yo mañana mismo reclamo un puesto en el once titular del Real Madrid. ¿Méritos? Intento cosas a lo Zidanne, por ejemplo. Ni tengo la técnica ni las cualidades de este maravilloso futbolista, pero oiga, intento cosas.
Vamos a comprobar que Kaufmann ni tiene técnica para lo que intenta ni, por supuesto, lo consigue.
Otra de las cosas divertidas que se pueden leer en alguna casa de vecinos es su Supuesta técnica alemana de canto. Y ya verán como tampoco es cierto.
Pero antes: Clase teórica
Vaya por delante que la media voz, los "pianos" y los "filados" son dotes naturales del cantante. No todos los tenores pueden hacer pianos o filados . Se puede conocer la técnica, pero hace falta algo más.
La idea que se persigue al hacer una media voz, un piano, un filado, es enriquecer una interpretación.
Esto requiere un profundo conocimiento musical y artístico del personaje para poder intentar, en aquellas partes en los que la partitura no indica nada, recursos interpretativos como los expuestos. Un buen ejemplo de ello es la polémica, en su tiempo, interpretación de Miguel Fleta del "E Lucevan le Stelle" de la ópera Tosca. Hoy en día está considerada legendaria.
Miguel Fleta: "E lucevan le stelle"
¿Qué nos llama la atención? Ante todo que la voz es idéntica en color, brillo, e impostación tanto en la voz plena, como en la media voz o el piano. Esto requiere mantener la emisión, el apoyo respiratorio, la proyección de la voz, en el mismo sitio mientras haces vibrar a las cuerdas vocales progresivamente con menor intensidad; esto es lo que provoca la disminución de volumen y no, como hace Kauffman, disminuir el aire que llega a las cuerdas, por que entonces disminuyes el volumen a costa de la proyección.
Kaufmann además altera el color de su voz que se entuba mas cuanto menos aire llega a las cuerdas vocales.
Por que el problema de Kaufmann es que necesita cantar en forte o fortissimo para lograr liberar la voz de la nariz. Y eso no es todo, por que aunque logre sacar la voz de la nariz y cantar con un color medianamente homogéneo, en cuanto que llega al pasaje la voz se va hacia la gola. De natura gira, pero no la cubre y además se le va hacia atrás
¿Donde emite Kaufmann? Es difícil contestar a esto. Si observamos con atención el audio de Fleta podemos darnos cuenta que la emisión es relativamente baja. Y para entendernos; podemos identificar la emisión con el punto donde nuestro oído nos dice que nace la voz. Para el cantante es el punto donde se apoya en la columna de aire. Para el espectador donde nace la voz. La mayor diferencia que podemos encontrar con la escuela alemana es que en ésta, el punto de nacimiento de la voz, está situado mas o menos en el centro de la garganta. Por supuesto pasan la voz y la cubren, pero les cuesta muchísimo menos hacerlo ya que es casi inmediato frente a la escuela italiana donde el punto de emisión mas bajo obliga a un giro de la voz de mayor recorrido. Vamos a ilustrar esto. Oigamos a Kaufmann en "MEIN LIEBER SCHWAN" Grabación hecha en el último festival de Bayreuth.
Jonas Kaufmann: "Mein Lieber Schwan"
Y ahora escuchemos al olvidado tenor alemán Peters Anders cantando la misma pieza
PETER ANDERS SINGS " MEIN LIEBER SCHWAN "
Las diferencias son brutales. La supuesta media voz de kaufmann no es mas que una disminución del volumen de aire que llega a las cuerdas vocales emitiendo un sonido feo y falsamente oscurecido, producto de su apoyo total en la nariz. La emisión no está definida por cuanto depende de si canta en forte o en voz normal. Y el agudo es abierto y ligeramente afalsetado.
Anders canta emitiendo desde el mismo sitio en todo momento, sea media voz, que no lo es del todo, por que al emitir tan alto le cuesta muchísimo mas mantener el apoyo respiratorio diafragmático, sea voz plena. La voz no cambia de color nunca, esté donde esté, y además la cubre de manera más liviana que en la escuela italiana, mas que nada por que el giro de la voz en el paso, es mucho menos pronunciado y por ende la cobertura tampoco es tan exagerada. En el agudo también hay diferencias: Anders lleva la voz hacia delante. Kaufmann la lleva a la gola.
Y ahora la práctica
Vamos ahora con el famoso tema del "Piano". Como ya hemos dicho, los fanáticos de Kaufmann no dejan de elogiar esa supuesta cualidad de "apianar" la voz. Y vamos a demostrar que es mentira. Y lo vamos a hacer comparando a Kaufmann y sus intentos con otra voz que no tiene una gran facilidad para la media voz y lo resuelve de la manera más inteligente: Canto suave.
Vamos a usar de Kaufmann "In fernem land" grabado en el Festival de Bayreuth 2010. Kaufmann pretende cantar piano. En realidad solo consigue cantar bajito. Por que el canto apianado exige una voz igual que en voz plena, no con diferentes colores, según esté mas o menos metida en la nariz.
El canto piano también exige un apoyo respiratorio muy grande. Kaufmann cuanto menos volumen pretende dar, mas se apoya en la nariz.
In fernem land
Escuchen ahora, en brutal contraposición, una voz de verdad
Ben Heppner: In fernem land
Heppner no intenta pianos imposibles para su voz. Emite suave. Solo eso. Suave. Y con eso le basta para matizar el aria. Las partes que la partitura exige mas "piano" son resueltas con un canto suave. No intenta temeridades. Obsérvese también el punto de emisión casi en el centro de la garganta. Punto de emisión que no pierde esté en la nota que esté. Voz homogenea, con el mismo color. Agudos fáciles, voz recogida, igual que en toda la zona de paso. Canto ligado, fácil.
Mas ejemplos:
Wolfgang Windgassen - In fernem Land - Lohengrin (Wagner)
Uno de mis tenores Wagnerianos favoritos: Lo dicho para Heppner vale para Windgassen. Solo que además Windgassen sí que apiana sin afalsetar la voz. Son voces grandes, muy bien proyectadas, educadas pensando en un repertorio muy especializado que no se distingue por "florituras" innecesarias. Matizan su canto con sus cualidades, no con posiciones, emisiones, oscurecimientos "contra-natura"
Ahora vamos a observar la misma aria pero desde la Escuela italiana:
Mario del Monaco: "In fernem Land"
¿Donde emite Mario? Mucho mas abajo que sus colegas alemanes. La interpretación gana en carácter heroico; tanto el centro, como el paso, como el agudo es mas rico en armónicos puesto que usa el resonador de pecho de forma predominante, cosa que sus colegas alemanes no hacen. De esta forma el pasaje y el agudo es menos estridente en Mario que en Heppner o en Wingadssen. Y la diferencia fundamental con Kaufmann es que todos sus colegas recogen la voz. Canten con la escuela que canten.
Mario Tampoco posee la sutileza de la media voz o el piano. Sin embargo consigue mantener la proyección del sonido sin caer en sonidos espúreos. El color de la voz no cambia. No intenta cosas que están fuera de su alcance.
Y ahora Pianos y filados DE VERDAD
Vamos con la clase Magistral: Se la dejo a Franco Corelli.
En este primer vídeo Corelli, con esa voz tan enorme, va a conseguir dejar un hilo de voz, proyectado al infinito.
Franco Corelli's most legendary Diminuendos COUNTDOWN!!!
Mola ¿Verdad? Se palpa la tensión de la emisión desde la voz plena hasta el hilo de voz. Se palpa cómo vibra el aire. Esto son filados y "pianísimos" Esto y no lo de Kaufmann. Si tuviera que usar una parábola diria que cuando Corelli apiana nos deja la voz al lado mientras el se va.....
Pero no se piensen que solo los tenores lo pueden hacer, no. Escuchen, escuchen.
THE MOST CONTROLLED AND DYNAMIC VOICES EVER!
Si. ¡¡Un bajo!!. Y un bajo profundo: Boris Shtokolov. Impresionante.
El futuro
Las condiciones de Kaufmann para el canto son brutales pero lo está tirando por la borda, fruto de una pésima impostación y educación de la voz. Además tampoco queda definida la direccion de su carrera: Si vas a cantar repertorio italiano te conviene una impostación basada en la escuela italiana que, cómo Mario del Mónaco demuestra, no es incompatible con Wagner. Una superespecialización en la escuela alemana si que traería consigo una merma importante para cantar el repertorio tradicional italiano: La emisión de la voz, tan alta, no es saludable para Verdi o Puccini.
Kaufmann debería reconsiderar su carrera y orientarla hacia la Ópera, olvidándose de estratégias de Marketing dudosas: Tener Fans al estilo de "Los Beatles" mola pero es poco práctico. Los seguidores de Kaufmann deben ser seguidores de la ópera, del buen gusto en el arte canoro, y no seguidores de "la madre naturaleza", sean Hombres o mujeres, que de todo hay. No se es eternamente joven. Y le puede ocurrir lo que contaba un ex seguidor irredento de Anna Netrebko : Su figura ha cambiado, ha engordado ya no le pone....Ya no canta tan bien. Por supuesto que cada uno es libre de tener los ídolos que quiera. Pero llamen a las cosas por su nombre. No intenten convencernos de lo que no existe.
Y sobre todo por que esta tendencia de buscar cantantes apolíneos es absolutamente demencial, pero me consta que hay teatros que ponen pegas a cantantes que no son tan agraciados. Monstruosa discriminación, y absolutamente chocante, cuando ese mismo teatro admite puestas en escena de dudoso gusto y completamente alejadas de la idea original de la autor.
Queremos cantantes de verdad. No modelos.
Una de las cosas que mas poderosamente me llama la atención de la voz de este hombre, es la progresiva fijación de la voz en la nariz. Fijación que se manifiesta con mayor intensidad cuando realiza los diminuendos de volumen que, alguien con gran sentido del humor, intenta definir como "Filados a lo Fleta". Supongo que lo dirá con intención hilarante, por que en serio no puede hablar, so pena de ser tachado de "O rei do Ignorantes". Kaufmann disimula la nasalidad de la voz cuanto mas forte canta. Cualquier intento de pseudo-media voz o disminución del volumen provoca la entrada de la voz en la nariz. ¿Y por qué? Seguro que alguien se pregunta. Vamos a intentar responder a esto. Lo primero: audicionen este asesinato verdiano.
Hvorostovsky, Kaufmann, Shvec - Scene from Don Carlo
Si alguien se preguntara en ciertas partes quien es el tenor y quien el barítono, habría que decirle que es una pregunta legítima. ¿Que busca Kaufmann? Fácil pregunta y difícil respuesta. ¿Que siente un cantante cuando mete la voz en la nariz.? Comodidad. Quien tiene tendencia a la nasalidad la busca por que al cantante le suena su voz timbrada, con graves. En realidad suena oscura, sin brillo, y lo que es peor, se aprecia un severo cambio de color en el paso y en el agudo, producto de un sonido abierto, cercano al falsete, y un contraste brutal, entre el centro y el paso y el agudo. La emisión y el timbre de la voz también se ven afectadas. Gravemente afectadas. La falta de homogeneidad de la voz también puede llegar a ser apreciadas por el propio cantante y el resultado suelen ser notas caladas o desafinadas al no poder determinar exactamente la posición de las notas en la garganta. Todo esto se aprecia en el vídeo que acabamos de escuchar.
Ahora escuchen ustedes un dúo en condiciones.
Franco Corelli & Robert Merrill - Don Carlo Duet
Aquí se puede apreciar las diferencias entre una voz natural, grande, extensa como la de Corelli en severo contraste con una voz "fabricada", inflada, falsamente coloreada hacia unos sonidos que no le corresponden, como la de Kauffman. Corelli canta fácil con una voz que no era nada sencilla de manejar por su anchura y peso. Siempre que escucho a este hombre, no dejo de pensar en lo que habrá sudado en los tiempos en los que aprendía a cantar, para acostumbrar a su garganta a girar en el paso. Mi voz es un globo comparada con la de Corelli, y no se deja manejar así por las buenas....
¿Qué busca Kaufmann? Sospecho que ocupar un sitio que no le corresponde. Es decir intenta aparentar ser un lírico, lirico-spinto, y así poder abordar papeles propios de esta tesitura. Error gravísimo que le puede costar la voz como le ha pasado ya a algún tenor actual. Por que Kaufmann, si usara su voz original bien impostada, sería un tenor para un repertorio del tipo de repertorio de Alfredo Kraus.
Supuestas virtudes
Otra de las cosas que más me llaman la atención de este tenor es las supuestas virtudes que según sus fanáticos seguidores tiene. Por que no nos engañemos. Kaufmann está donde está por sus "talifanes" y por el Marketing, que explota unas virtudes que no son las canoras precisamente. Una de las cosas mas divertidas que se pueden leer de este tenor es que "intenta cosas" como por ejemplo, los pianos y medias voces. Hilarante afirmación, por que si la tomamos al pié de la letra yo mañana mismo reclamo un puesto en el once titular del Real Madrid. ¿Méritos? Intento cosas a lo Zidanne, por ejemplo. Ni tengo la técnica ni las cualidades de este maravilloso futbolista, pero oiga, intento cosas.
Vamos a comprobar que Kaufmann ni tiene técnica para lo que intenta ni, por supuesto, lo consigue.
Otra de las cosas divertidas que se pueden leer en alguna casa de vecinos es su Supuesta técnica alemana de canto. Y ya verán como tampoco es cierto.
Pero antes: Clase teórica
Vaya por delante que la media voz, los "pianos" y los "filados" son dotes naturales del cantante. No todos los tenores pueden hacer pianos o filados . Se puede conocer la técnica, pero hace falta algo más.
La idea que se persigue al hacer una media voz, un piano, un filado, es enriquecer una interpretación.
Esto requiere un profundo conocimiento musical y artístico del personaje para poder intentar, en aquellas partes en los que la partitura no indica nada, recursos interpretativos como los expuestos. Un buen ejemplo de ello es la polémica, en su tiempo, interpretación de Miguel Fleta del "E Lucevan le Stelle" de la ópera Tosca. Hoy en día está considerada legendaria.
Miguel Fleta: "E lucevan le stelle"
¿Qué nos llama la atención? Ante todo que la voz es idéntica en color, brillo, e impostación tanto en la voz plena, como en la media voz o el piano. Esto requiere mantener la emisión, el apoyo respiratorio, la proyección de la voz, en el mismo sitio mientras haces vibrar a las cuerdas vocales progresivamente con menor intensidad; esto es lo que provoca la disminución de volumen y no, como hace Kauffman, disminuir el aire que llega a las cuerdas, por que entonces disminuyes el volumen a costa de la proyección.
Kaufmann además altera el color de su voz que se entuba mas cuanto menos aire llega a las cuerdas vocales.
Por que el problema de Kaufmann es que necesita cantar en forte o fortissimo para lograr liberar la voz de la nariz. Y eso no es todo, por que aunque logre sacar la voz de la nariz y cantar con un color medianamente homogéneo, en cuanto que llega al pasaje la voz se va hacia la gola. De natura gira, pero no la cubre y además se le va hacia atrás
¿Donde emite Kaufmann? Es difícil contestar a esto. Si observamos con atención el audio de Fleta podemos darnos cuenta que la emisión es relativamente baja. Y para entendernos; podemos identificar la emisión con el punto donde nuestro oído nos dice que nace la voz. Para el cantante es el punto donde se apoya en la columna de aire. Para el espectador donde nace la voz. La mayor diferencia que podemos encontrar con la escuela alemana es que en ésta, el punto de nacimiento de la voz, está situado mas o menos en el centro de la garganta. Por supuesto pasan la voz y la cubren, pero les cuesta muchísimo menos hacerlo ya que es casi inmediato frente a la escuela italiana donde el punto de emisión mas bajo obliga a un giro de la voz de mayor recorrido. Vamos a ilustrar esto. Oigamos a Kaufmann en "MEIN LIEBER SCHWAN" Grabación hecha en el último festival de Bayreuth.
Jonas Kaufmann: "Mein Lieber Schwan"
Y ahora escuchemos al olvidado tenor alemán Peters Anders cantando la misma pieza
PETER ANDERS SINGS " MEIN LIEBER SCHWAN "
Las diferencias son brutales. La supuesta media voz de kaufmann no es mas que una disminución del volumen de aire que llega a las cuerdas vocales emitiendo un sonido feo y falsamente oscurecido, producto de su apoyo total en la nariz. La emisión no está definida por cuanto depende de si canta en forte o en voz normal. Y el agudo es abierto y ligeramente afalsetado.
Anders canta emitiendo desde el mismo sitio en todo momento, sea media voz, que no lo es del todo, por que al emitir tan alto le cuesta muchísimo mas mantener el apoyo respiratorio diafragmático, sea voz plena. La voz no cambia de color nunca, esté donde esté, y además la cubre de manera más liviana que en la escuela italiana, mas que nada por que el giro de la voz en el paso, es mucho menos pronunciado y por ende la cobertura tampoco es tan exagerada. En el agudo también hay diferencias: Anders lleva la voz hacia delante. Kaufmann la lleva a la gola.
Y ahora la práctica
Vamos ahora con el famoso tema del "Piano". Como ya hemos dicho, los fanáticos de Kaufmann no dejan de elogiar esa supuesta cualidad de "apianar" la voz. Y vamos a demostrar que es mentira. Y lo vamos a hacer comparando a Kaufmann y sus intentos con otra voz que no tiene una gran facilidad para la media voz y lo resuelve de la manera más inteligente: Canto suave.
Vamos a usar de Kaufmann "In fernem land" grabado en el Festival de Bayreuth 2010. Kaufmann pretende cantar piano. En realidad solo consigue cantar bajito. Por que el canto apianado exige una voz igual que en voz plena, no con diferentes colores, según esté mas o menos metida en la nariz.
El canto piano también exige un apoyo respiratorio muy grande. Kaufmann cuanto menos volumen pretende dar, mas se apoya en la nariz.
In fernem land
Escuchen ahora, en brutal contraposición, una voz de verdad
Ben Heppner: In fernem land
Heppner no intenta pianos imposibles para su voz. Emite suave. Solo eso. Suave. Y con eso le basta para matizar el aria. Las partes que la partitura exige mas "piano" son resueltas con un canto suave. No intenta temeridades. Obsérvese también el punto de emisión casi en el centro de la garganta. Punto de emisión que no pierde esté en la nota que esté. Voz homogenea, con el mismo color. Agudos fáciles, voz recogida, igual que en toda la zona de paso. Canto ligado, fácil.
Mas ejemplos:
Wolfgang Windgassen - In fernem Land - Lohengrin (Wagner)
Uno de mis tenores Wagnerianos favoritos: Lo dicho para Heppner vale para Windgassen. Solo que además Windgassen sí que apiana sin afalsetar la voz. Son voces grandes, muy bien proyectadas, educadas pensando en un repertorio muy especializado que no se distingue por "florituras" innecesarias. Matizan su canto con sus cualidades, no con posiciones, emisiones, oscurecimientos "contra-natura"
Ahora vamos a observar la misma aria pero desde la Escuela italiana:
Mario del Monaco: "In fernem Land"
¿Donde emite Mario? Mucho mas abajo que sus colegas alemanes. La interpretación gana en carácter heroico; tanto el centro, como el paso, como el agudo es mas rico en armónicos puesto que usa el resonador de pecho de forma predominante, cosa que sus colegas alemanes no hacen. De esta forma el pasaje y el agudo es menos estridente en Mario que en Heppner o en Wingadssen. Y la diferencia fundamental con Kaufmann es que todos sus colegas recogen la voz. Canten con la escuela que canten.
Mario Tampoco posee la sutileza de la media voz o el piano. Sin embargo consigue mantener la proyección del sonido sin caer en sonidos espúreos. El color de la voz no cambia. No intenta cosas que están fuera de su alcance.
Y ahora Pianos y filados DE VERDAD
Vamos con la clase Magistral: Se la dejo a Franco Corelli.
En este primer vídeo Corelli, con esa voz tan enorme, va a conseguir dejar un hilo de voz, proyectado al infinito.
Franco Corelli's most legendary Diminuendos COUNTDOWN!!!
Mola ¿Verdad? Se palpa la tensión de la emisión desde la voz plena hasta el hilo de voz. Se palpa cómo vibra el aire. Esto son filados y "pianísimos" Esto y no lo de Kaufmann. Si tuviera que usar una parábola diria que cuando Corelli apiana nos deja la voz al lado mientras el se va.....
Pero no se piensen que solo los tenores lo pueden hacer, no. Escuchen, escuchen.
THE MOST CONTROLLED AND DYNAMIC VOICES EVER!
Si. ¡¡Un bajo!!. Y un bajo profundo: Boris Shtokolov. Impresionante.
El futuro
Las condiciones de Kaufmann para el canto son brutales pero lo está tirando por la borda, fruto de una pésima impostación y educación de la voz. Además tampoco queda definida la direccion de su carrera: Si vas a cantar repertorio italiano te conviene una impostación basada en la escuela italiana que, cómo Mario del Mónaco demuestra, no es incompatible con Wagner. Una superespecialización en la escuela alemana si que traería consigo una merma importante para cantar el repertorio tradicional italiano: La emisión de la voz, tan alta, no es saludable para Verdi o Puccini.
Kaufmann debería reconsiderar su carrera y orientarla hacia la Ópera, olvidándose de estratégias de Marketing dudosas: Tener Fans al estilo de "Los Beatles" mola pero es poco práctico. Los seguidores de Kaufmann deben ser seguidores de la ópera, del buen gusto en el arte canoro, y no seguidores de "la madre naturaleza", sean Hombres o mujeres, que de todo hay. No se es eternamente joven. Y le puede ocurrir lo que contaba un ex seguidor irredento de Anna Netrebko : Su figura ha cambiado, ha engordado ya no le pone....Ya no canta tan bien. Por supuesto que cada uno es libre de tener los ídolos que quiera. Pero llamen a las cosas por su nombre. No intenten convencernos de lo que no existe.
Y sobre todo por que esta tendencia de buscar cantantes apolíneos es absolutamente demencial, pero me consta que hay teatros que ponen pegas a cantantes que no son tan agraciados. Monstruosa discriminación, y absolutamente chocante, cuando ese mismo teatro admite puestas en escena de dudoso gusto y completamente alejadas de la idea original de la autor.
Queremos cantantes de verdad. No modelos.
domingo, 12 de septiembre de 2010
El Sobreagudo. Un homenaje al Maestro Kraus.
Hace 11 años que nos dejastes, querido maestro, y te seguimos recordando.
Qué duda cabe que las notas estrella dentro de la cuerda de tenor, después del sib3, Si3 natural, son aquellas que superan a estas. Un tenor no necesita tener el Do4 para hacer una carrera de éxito, pero es evidente que su repertorio se ve ampliado en la medida que puede explotar la extensión de su voz. Son notas espectaculares y les puedo asegurar que poder darlas es un regalo del cielo. Realmente te llegas a sentir especial por poseer un instrumento capaz "de llegar al cielo" Y ahora explico por qué.
La extensión del tenor
La extensión inexcusable del tenor es Do2-Si3. en el momento en que por edad se pierde el Sib3 la carrera ha terminado. Si eres una leyenda viva a lo mejor puedes trampear bajando las óperas de tono, pero la realidad y la evidencia es que si no puedes dar un sib3 tu carrera está acabada, y una retirada honrosa es lo mejor.
La vida por encima del Si3.
Pues es hermosa, para que negarlo. Pero hay que cuidar la garganta, puesto que hablamos de notas extremas que fácilmente pueden perjudicar a tu voz si la emisión no se ajusta a una técnica. Es verdad que de no hacerlo el perjuicio no es tan grande como no ajustarse a la técnica en el caso del pasaje. Es decir, no por no llevar implícito la ruina de la voz, debemos descuidar una de las facultades mas envidiables de la voz.
La técnica del Sobreagudo
Teniendo en cuenta que estamos exigiendo a nuestras cuerdas vocales cada vez mayor tensión cuanto mas tonos subimos, parece lógico pensar que la mejor técnica es aquella que lleva a cuidar nuestras cuerdas. Por que no es solo las cuerdas las que intervienen, también nuestro apoyo respiratorio entra en juego, ¡¡y de qué manera!!. Cuando le pedimos a nuestro instrumento musical un sobreagudo, le pedimos a nuestro diafragma fuerza suficiente para hacer vibrar a las cuerdas vocales. Y si no le damos a la fuerza pedida, adecuada salida, sufriremos.
"El gañote"
Sin deseo de emplear un término despectivo, defino "gañote" como aquel sobreagudo dado sin girar la voz al resonador de cabeza, emitiendo un sonido descontrolado, cercano al grito, muy dañino para el propio cantante. Este sobreagudo "de gañote" requiere del cantante un esfuerzo mucho mayor que si se gira la voz al resonador de cabeza. Todos los tenores han dado Sobreagudos de gañote. Todos. Un giro perfecto de la voz, al resonador de cabeza, exige un dominio perfecto de la técnica en todas las notas anteriores.
Para ilustrar los ejemplos nadie mejor que DON ALFREDO KRAUS. en este mi particular recordatorio del maestro, en el décimo primer aniversario de su desaparición
Y el aria elegida es "Ah mes amis" de la hija del regimiento.
Esta grabación corresponde al debut del papel de Tonio en Chicago en 1973. Don Alfredo canta con algo de esfuerzo, todavía sin ese legato perfecto, pero con un apoyo respiratorio absoluto, sin subir la emisión de la voz, pasando y cubriendo allá donde conviene, atacando los 9 do´s con valentía y seguridad. Sin embargo es patente el esfuerzo por cuanto el ataque a los Do´s y a alguna que otra nota sostenida es casi a "golpes".
Observemos ahora en un vídeo que he descubierto, los efectos tan negativos del "gañote"
Y Pavarotti no es precisamente un ejemplo de mala técnica. Pero el ataque al sobreagudo de "gañote" le juega una mala pasada. Si pongo este vídeo aquí es por que quiero que observen lo que pasa cuando se emite sin la técnica adecuada. Evidentemente debía tener la garganta tocada, aunque no lo parece. Pero el sobreesfuerzo se paga.
Pobre Luciano. Y aún tuvo los arrestos necesarios para emitir el do4 final, que es para quitarse el sombrero. Realmente escuchándolo me duele la garganta.
El paso al resonador de cabeza.
La técnica perfecta del sobreagudo requiere un giro de la voz, a fin de que pueda usar el resonador de cabeza. Este giro, muuuy semejante al giro que el tenor realiza en el pasaje, persigue el mismo objetivo: Girar los músculos de la garganta al objeto de ofrecer a las cuerdas vocales mayor espacio para poder estirarse y al mismo tiempo, abrir la garganta de manera que toda la fuerza que le pedimos al diafragma se canalice adecuada mente, que encuentre sitio para hacer vibrar las cuerdas, y pueda usar el resonador de cabeza.
Y como siempre, el ejemplo sonoro adecuado. Aunque la grabación no es de buena calidad si se puede observar cómo la voz de Don Alfredo, gira hacia el resonador de cabeza en los sobreagudos.
Esta grabación corresponde a septiembre y octubre de 1983. Es decir diez años después. Aquí la voz del maestro ya ha adquirido mas cuerpo. Además de eso, el legato ha mejorado. Ya no canta a golpes. La voz fluye intensa, no hay practicamente sensación de esfuerzo. Y el ataque al sobreagudo ya es directo: La nota está perfectamente colocada, con una suerte más rica de armónicos.
¿Que siente el cantante?
Cuando el ataque al sobreagudo se hace "de gañote" la sensación de tensión en las cuerdas vocales es evidente. En el pecho se siente como una especie de opresión producto del esfuerzo que le pedimos al diafragma. En resumen, sensación de esfuerzo extremo, tensión insana, puesto que la técnica perfecta lleva a una intensa sensación de vigor, de salud, en definitiva.
Cuando giramos la voz al resonador de cabeza dejamos de sentir las cuerdas vocales, desaparece el dolor, la tensión extrema; Desaparece la presión en el pecho y el cantante nota, y esto se lo digo por experiencia propia, que el sonido sale por la cabeza: Entre la frente y la parte superior de la cabeza. Lo he experimentado en "cuerdas" propias, y cuando dejas de emitir sientes una fuerza arrolladora dentro de ti. No hay cansancio por esfuerzo. Hay salud. Y de verdad les digo que no es broma.
En el último "corte" Vamos a poder apreciar con mayor nitidez el giro de la voz de Don Alfredo en los sobreagudos. Es un master de como emitir de forma correcta estas notas tan extremas, tan difíciles, pero también tan saludables.
Es una maravilla. Incluso, si se fijan, en las notas agudas "normales" el propio tenor es capaz de usar el resonador de cabeza. No es extraño, por que cuando traspasas el umbral, cuando te acostumbras, sabes mezclar los armónicos de los tres resonadores: Pecho, máscara y cabeza, a tu entera conveniencia. Ninguna nota dejara de llevar armónicos de los tres resonadores.
Como dice el vídeo,con 59 años ¡¡Toma Ya!!
Don Alfredo: Te echamos de menos.
Qué duda cabe que las notas estrella dentro de la cuerda de tenor, después del sib3, Si3 natural, son aquellas que superan a estas. Un tenor no necesita tener el Do4 para hacer una carrera de éxito, pero es evidente que su repertorio se ve ampliado en la medida que puede explotar la extensión de su voz. Son notas espectaculares y les puedo asegurar que poder darlas es un regalo del cielo. Realmente te llegas a sentir especial por poseer un instrumento capaz "de llegar al cielo" Y ahora explico por qué.
La extensión del tenor
La extensión inexcusable del tenor es Do2-Si3. en el momento en que por edad se pierde el Sib3 la carrera ha terminado. Si eres una leyenda viva a lo mejor puedes trampear bajando las óperas de tono, pero la realidad y la evidencia es que si no puedes dar un sib3 tu carrera está acabada, y una retirada honrosa es lo mejor.
La vida por encima del Si3.
Pues es hermosa, para que negarlo. Pero hay que cuidar la garganta, puesto que hablamos de notas extremas que fácilmente pueden perjudicar a tu voz si la emisión no se ajusta a una técnica. Es verdad que de no hacerlo el perjuicio no es tan grande como no ajustarse a la técnica en el caso del pasaje. Es decir, no por no llevar implícito la ruina de la voz, debemos descuidar una de las facultades mas envidiables de la voz.
La técnica del Sobreagudo
Teniendo en cuenta que estamos exigiendo a nuestras cuerdas vocales cada vez mayor tensión cuanto mas tonos subimos, parece lógico pensar que la mejor técnica es aquella que lleva a cuidar nuestras cuerdas. Por que no es solo las cuerdas las que intervienen, también nuestro apoyo respiratorio entra en juego, ¡¡y de qué manera!!. Cuando le pedimos a nuestro instrumento musical un sobreagudo, le pedimos a nuestro diafragma fuerza suficiente para hacer vibrar a las cuerdas vocales. Y si no le damos a la fuerza pedida, adecuada salida, sufriremos.
"El gañote"
Sin deseo de emplear un término despectivo, defino "gañote" como aquel sobreagudo dado sin girar la voz al resonador de cabeza, emitiendo un sonido descontrolado, cercano al grito, muy dañino para el propio cantante. Este sobreagudo "de gañote" requiere del cantante un esfuerzo mucho mayor que si se gira la voz al resonador de cabeza. Todos los tenores han dado Sobreagudos de gañote. Todos. Un giro perfecto de la voz, al resonador de cabeza, exige un dominio perfecto de la técnica en todas las notas anteriores.
Para ilustrar los ejemplos nadie mejor que DON ALFREDO KRAUS. en este mi particular recordatorio del maestro, en el décimo primer aniversario de su desaparición
Y el aria elegida es "Ah mes amis" de la hija del regimiento.
Esta grabación corresponde al debut del papel de Tonio en Chicago en 1973. Don Alfredo canta con algo de esfuerzo, todavía sin ese legato perfecto, pero con un apoyo respiratorio absoluto, sin subir la emisión de la voz, pasando y cubriendo allá donde conviene, atacando los 9 do´s con valentía y seguridad. Sin embargo es patente el esfuerzo por cuanto el ataque a los Do´s y a alguna que otra nota sostenida es casi a "golpes".
Observemos ahora en un vídeo que he descubierto, los efectos tan negativos del "gañote"
Y Pavarotti no es precisamente un ejemplo de mala técnica. Pero el ataque al sobreagudo de "gañote" le juega una mala pasada. Si pongo este vídeo aquí es por que quiero que observen lo que pasa cuando se emite sin la técnica adecuada. Evidentemente debía tener la garganta tocada, aunque no lo parece. Pero el sobreesfuerzo se paga.
Pobre Luciano. Y aún tuvo los arrestos necesarios para emitir el do4 final, que es para quitarse el sombrero. Realmente escuchándolo me duele la garganta.
El paso al resonador de cabeza.
La técnica perfecta del sobreagudo requiere un giro de la voz, a fin de que pueda usar el resonador de cabeza. Este giro, muuuy semejante al giro que el tenor realiza en el pasaje, persigue el mismo objetivo: Girar los músculos de la garganta al objeto de ofrecer a las cuerdas vocales mayor espacio para poder estirarse y al mismo tiempo, abrir la garganta de manera que toda la fuerza que le pedimos al diafragma se canalice adecuada mente, que encuentre sitio para hacer vibrar las cuerdas, y pueda usar el resonador de cabeza.
Y como siempre, el ejemplo sonoro adecuado. Aunque la grabación no es de buena calidad si se puede observar cómo la voz de Don Alfredo, gira hacia el resonador de cabeza en los sobreagudos.
Esta grabación corresponde a septiembre y octubre de 1983. Es decir diez años después. Aquí la voz del maestro ya ha adquirido mas cuerpo. Además de eso, el legato ha mejorado. Ya no canta a golpes. La voz fluye intensa, no hay practicamente sensación de esfuerzo. Y el ataque al sobreagudo ya es directo: La nota está perfectamente colocada, con una suerte más rica de armónicos.
¿Que siente el cantante?
Cuando el ataque al sobreagudo se hace "de gañote" la sensación de tensión en las cuerdas vocales es evidente. En el pecho se siente como una especie de opresión producto del esfuerzo que le pedimos al diafragma. En resumen, sensación de esfuerzo extremo, tensión insana, puesto que la técnica perfecta lleva a una intensa sensación de vigor, de salud, en definitiva.
Cuando giramos la voz al resonador de cabeza dejamos de sentir las cuerdas vocales, desaparece el dolor, la tensión extrema; Desaparece la presión en el pecho y el cantante nota, y esto se lo digo por experiencia propia, que el sonido sale por la cabeza: Entre la frente y la parte superior de la cabeza. Lo he experimentado en "cuerdas" propias, y cuando dejas de emitir sientes una fuerza arrolladora dentro de ti. No hay cansancio por esfuerzo. Hay salud. Y de verdad les digo que no es broma.
En el último "corte" Vamos a poder apreciar con mayor nitidez el giro de la voz de Don Alfredo en los sobreagudos. Es un master de como emitir de forma correcta estas notas tan extremas, tan difíciles, pero también tan saludables.
Es una maravilla. Incluso, si se fijan, en las notas agudas "normales" el propio tenor es capaz de usar el resonador de cabeza. No es extraño, por que cuando traspasas el umbral, cuando te acostumbras, sabes mezclar los armónicos de los tres resonadores: Pecho, máscara y cabeza, a tu entera conveniencia. Ninguna nota dejara de llevar armónicos de los tres resonadores.
Como dice el vídeo,con 59 años ¡¡Toma Ya!!
Don Alfredo: Te echamos de menos.
martes, 7 de septiembre de 2010
Un Rigoletto para llorar.
Poco mas que decir, excepto que la subscribo por completo.
Gonzalo Alonso en "La Razón"
Me he resistido a comentar nada de este tema por que es un tema muy polémico, el de Placido Domingo, y al final todo se reduce a algo parecido a lo de Curro Romero, cuando daba sus espantás: Yo no soy taurino, pero cuentan que sus incondicionales en los días malos decían "Si, pero ¿Has visto lo bien que le sienta el traje de luces"? Pues algo parecido es lo que le estoy leyendo a sus seguidores.
Sería una pena que a Placido se le recordara mas por su infame "Vendetta, tremenda vendetta" que por toda su carrera operística, pero méritos está haciendo para ello.
Y otro que me da muchísima pena escucharle es a Ruggero Raimondi. Yo le ví su "Scarpia" en el Real y me puso los pelos de punta. El "Sparafucile" de esta produccion es de llorar.
La única que se salva de todo esto es Julia Novikova en su papel de Gilda, dentro de los principales. La única que ofreció calidad.
En fin, que mejor no digo nada mas por que me sale humo por las orejas.
Así que para quitarnos el mal sabor de boca:
Gonzalo Alonso en "La Razón"
Me he resistido a comentar nada de este tema por que es un tema muy polémico, el de Placido Domingo, y al final todo se reduce a algo parecido a lo de Curro Romero, cuando daba sus espantás: Yo no soy taurino, pero cuentan que sus incondicionales en los días malos decían "Si, pero ¿Has visto lo bien que le sienta el traje de luces"? Pues algo parecido es lo que le estoy leyendo a sus seguidores.
Sería una pena que a Placido se le recordara mas por su infame "Vendetta, tremenda vendetta" que por toda su carrera operística, pero méritos está haciendo para ello.
Y otro que me da muchísima pena escucharle es a Ruggero Raimondi. Yo le ví su "Scarpia" en el Real y me puso los pelos de punta. El "Sparafucile" de esta produccion es de llorar.
La única que se salva de todo esto es Julia Novikova en su papel de Gilda, dentro de los principales. La única que ofreció calidad.
En fin, que mejor no digo nada mas por que me sale humo por las orejas.
Así que para quitarnos el mal sabor de boca:
miércoles, 1 de septiembre de 2010
TELEFONICA QUIERE QUITARNOS LA TARIFA PLANA
Telefónica quiere quitarnos la Tarifa plana
Leer la noticia en: http://iseo.comeze.com/index.php/telefon
A movilizarse
jueves, 19 de agosto de 2010
Lawrence Brownlee. No lo perdamos de vista.
Tiempo atrás ya tuve ocasión de fijarme en este tenor y me pareció buena idea mantenerle "vigilado" por que me parecía una voz mas que interesante. Y la verdad es que sucesivas audiciones me confirman que merece la pena escucharle.
En aquella primera entrada empezábamos con Donizetti, para seguir con Rossini y Bellini. En aquella ocasión pensaba que Rossini es un autor que quizá deba abandonar, y me sigo reafirmando en ello, aunque de momento no parece haberle perjudicado.
La primera pieza que presento hoy es Vieni fra queste braccia - I Puritani con Eglise Gutierrez. ¿Qué podemos decir?. En mi opinión que la voz se ha redondeado, lo que le confiere a la ya de por si bella voz un sonido aterciopelado. Brownlee tiene la voz mas oscura de lo habitual para un lírico ligero, y se agradece que una voz mas oscura ataque estos papeles. Oigamosle
Confieso que me encanta su musicalidad y su elegancia: Un sonido homogeneo en toda la extensión, excepto en el primer sobreagudo que se abre ya que la "a" tenida previa ya está abierta. Brownlee busca un sitio mas recogido, pero no lo encuentra y como consecuencia el reb4 se abre. No de forma exagerada, pero se abre. Quizá todo esto sea reminiscencia Rossiniana, y por eso digo que esta voz, debería abandonar Rossini.
Cuando vuelve a entrar, con la misma "a", ya no le coge desprevenido, y aquí si, El segundo Reb4 ya no es de "gañote". La voz recogida, girada al resonador de cabeza, vibrante pero no abierta. A partir de la segunda intervención en el dúo la voz ya no se saldrá del sitio.
La "a" es una vocal peligrosa para el estudiante. Es una vocal que debe usarse en las vocalizaciones con sumo cuidado, no digamos si antes de educar la voz debemos arrancarla de malos vicios: Si la voz es muy cerrada y necesitamos que por motivos de salud vocal las cuerdas adquieran elasticidad, un buen ejercicio suele ser notas tenidas usando una "o" muy suave que termine en "a" bien en la misma nota, bien en una nota media octava mas alta.
Si por el contrario la voz es muy abierta otro buen ejercicio es el contrario: partiendo de la "a" con una nota tenida, terminar la emisión en "o" bien en la misma nota, bien en media octava mas alta.
El objetivo de estos ejercicios es preparar la voz para que todas las vocales, al final, estén en el mismo sitio a la hora de emitir. Generalmente se tenderá a usar el sitio de la "i" para la emisión de todas las vocales, canónicamente hablando. Por que luego dependerá de cada voz, de sus características, el que podamos igualar la emisión de todas las vocales en el mismo sitio. Una vez dicho esto, se puede entender el mérito de Brownlee que es capaz de detectar que la "a" no está en su sitio y recolocarla en el lugar adecuado.
Eglise Gutiérrez - Lawrence Brownlee - Tornami a dir che m'ami - Don Pasquale
Otra preciosa página que nos da pié para comentar algo mas de la voz de Brownlee: Su prodigiosa respiración. Un canto fluido no es posible sin un apoyo respiratorio adecuado. Pocos tenores hoy en día cantan "sobre el aire" emitiendo un sonido que literalmente hablando flota en el ambiente. Semejante apoyo facilita enormemente el trabajo al artista, mucho mas a nivel interpretativo que a nivel técnico. Además del gusto innato cantando se une la facilidad que le proporciona poder jugar con su reserva de aire a su entero gusto. Las comparaciones son odiosas, pero reparen en la facilidad de Brownlee con las dificultades de Eglise que parece que canta a empujones, diríase que el vibrato de ella es un verdadero obstáculo para su canto.
Eglise Gutiérrez - Lawrence Brownlee - Caro elisir,sei mio - L'elisir d'amore
Fijémonos en otro detalle. ¿Dirían ustedes que Brownlee usa la garganta? (Tiene truco la pregunta) Naturalmente que la usa, pero parece que no lo hace, que el sonido toma forma en no se sabe donde. Es una voz que nace del interior del cantante, pero no es un sonido que habite en la gola. Mi maestro me decía que internamente yo tenía que sentir que la garganta no existía. Y se consigue. Y es otra de las características de la técnica de este tenor que hace parecer fácil lo difícil.
¿Y por qué pasan todas estas cosas? Por varios motivos: Y El primero de todo es una cabeza bien amueblada, que sabe escoger el repertorio adecuado a la voz. Por supuesto que su maestro se lo habrá indicado, pero el propio cantante sabe donde están los límites y de ellos no se sale. Es mas, explota sus virtudes. Todo lo contrario de algunos cantantes etiquetados de "super estrellas" que se meten en terrenos que no son suyos. Que parecen desconocer donde están sus límites, y lo que es peor, buscan con trucos tales como meter la voz hasta la gola, la nariz y lo que haga falta para "parecer" una voz oscura, entre otras cosas.
El segundo motivo es TRABAJO constante. Una voz necesita muchos cuidados. Nunca puedes decir que has dejado de estudiar. Si lo piensas, si piensas que no te hace falta nunca mas tu maestro, vas directo a la ruina.
¿Mas motivos? Los hay, pero cerrare esta entrada diciendo que muchas de las cualidades de este tenor se resumen en una cosa: Disfruta cantando, que es algo que transmite, que llega al espectador; y eso hace creíble su personaje construido sobre una voz, no sobre una aspecto físico.
lunes, 16 de agosto de 2010
Don Pasquale: Celso Albelo Y Alfredo Kraus. Dos Ernestos de categoría.
Hoy les presento dos vídeos, ambos de la misma Opera y de la misma escena: La salida de Ernesto en Don Pasquale para que el aficionado los paladee.
En el primero Celso Albelo nos ofrece una muestra mas de su evolución, su imparable ascenso, su categoría musical en esta escena de la ópera Don Pasquale: No voy a comentar evoluciones técnicas, por que no es el caso aquí. Lo que pretendo mostrar es cómo Celso Albelo puede convivir al lado de Don Alfredo y que en la obligada comparación Celso no sale perdiendo, ni mucho menos. No es poco decir.
Celso Albelo es "Ernesto" Don Pasquale from Donizetti's Don Pasquale Festival de Peralada, 2010
Don Pasquale : Carlo Colombara. (Mejor no escucharle mucho ;-) )
Ahora escuchemos a Don Alfredo. Y háganse la siguiente pregunta: ¿Cuantos tenores de hoy en día resisten una comparación con los "Monstruos sagrados"? Excepto Celso (Y quizás Ramón Vargas) , no conozco a ninguno. Y tengan en cuenta otro dato: Un cantante no se hace en cuatro días. Un cantante se hace en AÑOS.
Alfredo Kraus es "Ernesto" (Don Pasquale - NY - 1979)
Don Pasquale: Gabriel Bacquier. (Este un poco mejor) También decir que la puesta en escena y la dirección musical son mejores en este vídeo.
Pues nada. Que los disfruten.
En el primero Celso Albelo nos ofrece una muestra mas de su evolución, su imparable ascenso, su categoría musical en esta escena de la ópera Don Pasquale: No voy a comentar evoluciones técnicas, por que no es el caso aquí. Lo que pretendo mostrar es cómo Celso Albelo puede convivir al lado de Don Alfredo y que en la obligada comparación Celso no sale perdiendo, ni mucho menos. No es poco decir.
Celso Albelo es "Ernesto" Don Pasquale from Donizetti's Don Pasquale Festival de Peralada, 2010
Don Pasquale : Carlo Colombara. (Mejor no escucharle mucho ;-) )
Ahora escuchemos a Don Alfredo. Y háganse la siguiente pregunta: ¿Cuantos tenores de hoy en día resisten una comparación con los "Monstruos sagrados"? Excepto Celso (Y quizás Ramón Vargas) , no conozco a ninguno. Y tengan en cuenta otro dato: Un cantante no se hace en cuatro días. Un cantante se hace en AÑOS.
Alfredo Kraus es "Ernesto" (Don Pasquale - NY - 1979)
Don Pasquale: Gabriel Bacquier. (Este un poco mejor) También decir que la puesta en escena y la dirección musical son mejores en este vídeo.
Pues nada. Que los disfruten.
martes, 3 de agosto de 2010
Jonas Kaufmann: Una voz tirada a la basura. I Parte.
Esta entrada no pretende ser polémica pero lo será. La pretensión es mostrar como unas facultades excelentes son tiradas por la borda debido a una deficientísima formación técnica. Y no es solo que se esté desaprovechando. Es que este caótico estado vocal traerá consecuencias mas a corto que a largo plazo y mucho me temo que dichas consecuencias sean la pérdida de la voz, tal y como les ha pasado a tenores llamados a un mas largo recorrido, que hoy en día están casi acabados, como Rolando Villazón o Roberto Alagna.
Pero no es un problema solo de este cantante: Recién terminadas las audiciones del Festival de Bayreuth podemos constatar que el estado vocal en general es desastroso. Excepto Johan Botha como Siegmund o Andrew Shore como Alberich que han hecho un dignísimo papel, el resto es para olvidar. Ya no se canta. Se ladra o se grita. Y de esto no está exento tampoco Jonas Kaufmann, cuyo Lohengrin fue la absoluta antítesis de lo que querríamos escuchar.
Características actuales más sobresalientes:
La voz "duerme" en la nariz: Haga lo que haga la voz se acomoda en la nariz y cuanto menos volumen imprima mas nasal suena. No utiliza como resonadores la máscara, el pecho o la cabeza. No. Usa la nariz.
La emisión, algo más alta actualmente está absolutamente entubada. Engolada. No es una voz libre, despegada. Es una voz entubada que termina en la nariz, que es usada como resonador.
Ausencia total de cobertura. La voz en el paso cambia de color. No gira, no pasa, no está cubierta. Cuando llegan las zonas difíciles el recurso es el "falsettone" cambiando el color de la voz, absolutamente opaco en el centro, a un casi falsete en paso y agudos. Y lo mas triste de todo, es que un tenor profesional que ha cantado con él me cuenta que la voz, cuando la lleva al agudo, "pega".
Solo se libera un poco la voz cuando canta en "forte". Con el volumen normal y cuanto mas bajo pretende emitir mas se esconde en la cavidad nasal. Y como ultima mente se está dedicando a intentar supuestas medias voces y/o pianos.....
¿Siempre ha sido así? No. Escuchemos esta primera audición y nos sorprenderá encontrar quizá la verdadera voz de Jonas Kaufmann. Eso si, ya con graves defectos.
Año 1998
Cosi fan tutte. Milan
Lo primero que llama la atención es una pronunciación muy deficiente. Y no es motivo menor: Una buena pronunciación se apoya en una correcta emisión, absolutamente liberada. De otro modo es imposible. Pero es que hay mas: Todos los pasos están abiertos. Y los la3 igual. Solo en un par de ocasiones intenta "sujetar" la voz ¿cómo? Llevándola a la nariz. Tampoco el apoyo respiratorio es bueno. Y esta característica también influye negativamente en la pronunciación. Para terminar podemos decir que la voz está "un poco atrás"
Por lo demás resulta más que sorprendente la voz de lírico puro que nos ofrece. Es una voz clara, demasiado clara por cuanto ya se aprecia que no está todavía bien timbrada. Y tampoco se observa una proyección de la voz excesiva. Pero apuntaba el camino que debería seguir.
Y ahora comparenlo con este caballero:
Pavarotti - Un'aura amorosa
No hay color: Pavarotti cubre todas las zonas de paso, sin estrangular la voz, la voz gira libre. Al gran Luciano le bastaba con mover el velo del paladar para proteger sus cuerdas y dejar paso a la voz......Una voz proyectada hasta el infinito, perfectamente apoyada en la respiración, libre, sin buscar sonidos espúreos que afearan su interpretación. Una interpretación magistral. Y una técnica depuradísima.
Año 2008 Diciembre
En diez años nos vamos a encontrar una sorpresa, o quizá no tanto. La evolución de la voz de Kaufmann no ha sido la que se esperaba. Muy al contrario. La proyección de la voz deja mucho que desear, al igual que la pronunciación que sigue siendo bastante deficiente. Pero lo mas grave es que la voz ha encontrado "casita" en la cavidad nasal, y de momento la está acondicionando. La voz falsamente oscurecida, engolada, carece de ese timbre bello que hubiéramos esperado que evolucionara. La emisión, por mor del principio de entubamiento no es en absoluto libre. Y sin embargo no todo estaría perdido. Por que la voz trata de girar de forma natural, pero es el propio cantante el que se lo impide: Nunca cubrió una nota. Obsérvese la "E" de "Nöel". Solo bastaría un pequeño movimiento del velo del paladar para cubrirla. Igual que con la "O". Kaufmann ni se lo plantea; es más deja entrever cierta incomodidad. Curiosamente, entuba muchisimo mas la emisión en alemán que en Francés. Cosas Veredes.
Jonas Kaufmann Cantique de Noël (O Holy Night)
Vamos a ver las diferencias. Y lo vamos a ver con Roberto Alagna. No es elección casual por cuanto Alagna deja entrever cierta nasalidad y algo de engolamiento, pero la voz NUNCA le cambia de color; todo lo contrario que Kaufmann, cuyos acercamientos al paso se saldaron con voz cerca del falsete. Obsérvese en Alagna esa "O" redonda, cubierta, al igual que la "e" (No es casualidad por cuanto usa el mismo sitio para ambas vocales, cerca de la gola, pero con espacio) Alagna, no siendo el mejor proyectador de voz, si que usa la máscara como resonador (A veces incluso demasiado) Con todo y con eso la homogeneidad de la emisión, cálida, redonda ofrece una interpretación mucho mejor que la de Jonas
Roberto Alagna "Minuit, Chrétiens"
Y por supuesto escuchen a Don Luciano ;-) Así encontrarán fácilmente las diferencias entre los tres intérpretes. Esto como ejercicio práctico para el lector que lo desee.
Luciano Pavarotti - O Holy Night (Diciembre de 2007)
Por hoy es suficiente. En la próxima entrada profundizaremos en la casuística de este artista que debería acometer un urgente replanteamiento de su técnica, si es que todavía es posible.
Pero no es un problema solo de este cantante: Recién terminadas las audiciones del Festival de Bayreuth podemos constatar que el estado vocal en general es desastroso. Excepto Johan Botha como Siegmund o Andrew Shore como Alberich que han hecho un dignísimo papel, el resto es para olvidar. Ya no se canta. Se ladra o se grita. Y de esto no está exento tampoco Jonas Kaufmann, cuyo Lohengrin fue la absoluta antítesis de lo que querríamos escuchar.
Características actuales más sobresalientes:
La voz "duerme" en la nariz: Haga lo que haga la voz se acomoda en la nariz y cuanto menos volumen imprima mas nasal suena. No utiliza como resonadores la máscara, el pecho o la cabeza. No. Usa la nariz.
La emisión, algo más alta actualmente está absolutamente entubada. Engolada. No es una voz libre, despegada. Es una voz entubada que termina en la nariz, que es usada como resonador.
Ausencia total de cobertura. La voz en el paso cambia de color. No gira, no pasa, no está cubierta. Cuando llegan las zonas difíciles el recurso es el "falsettone" cambiando el color de la voz, absolutamente opaco en el centro, a un casi falsete en paso y agudos. Y lo mas triste de todo, es que un tenor profesional que ha cantado con él me cuenta que la voz, cuando la lleva al agudo, "pega".
Solo se libera un poco la voz cuando canta en "forte". Con el volumen normal y cuanto mas bajo pretende emitir mas se esconde en la cavidad nasal. Y como ultima mente se está dedicando a intentar supuestas medias voces y/o pianos.....
¿Siempre ha sido así? No. Escuchemos esta primera audición y nos sorprenderá encontrar quizá la verdadera voz de Jonas Kaufmann. Eso si, ya con graves defectos.
Año 1998
Cosi fan tutte. Milan
Lo primero que llama la atención es una pronunciación muy deficiente. Y no es motivo menor: Una buena pronunciación se apoya en una correcta emisión, absolutamente liberada. De otro modo es imposible. Pero es que hay mas: Todos los pasos están abiertos. Y los la3 igual. Solo en un par de ocasiones intenta "sujetar" la voz ¿cómo? Llevándola a la nariz. Tampoco el apoyo respiratorio es bueno. Y esta característica también influye negativamente en la pronunciación. Para terminar podemos decir que la voz está "un poco atrás"
Por lo demás resulta más que sorprendente la voz de lírico puro que nos ofrece. Es una voz clara, demasiado clara por cuanto ya se aprecia que no está todavía bien timbrada. Y tampoco se observa una proyección de la voz excesiva. Pero apuntaba el camino que debería seguir.
Y ahora comparenlo con este caballero:
Pavarotti - Un'aura amorosa
No hay color: Pavarotti cubre todas las zonas de paso, sin estrangular la voz, la voz gira libre. Al gran Luciano le bastaba con mover el velo del paladar para proteger sus cuerdas y dejar paso a la voz......Una voz proyectada hasta el infinito, perfectamente apoyada en la respiración, libre, sin buscar sonidos espúreos que afearan su interpretación. Una interpretación magistral. Y una técnica depuradísima.
Año 2008 Diciembre
En diez años nos vamos a encontrar una sorpresa, o quizá no tanto. La evolución de la voz de Kaufmann no ha sido la que se esperaba. Muy al contrario. La proyección de la voz deja mucho que desear, al igual que la pronunciación que sigue siendo bastante deficiente. Pero lo mas grave es que la voz ha encontrado "casita" en la cavidad nasal, y de momento la está acondicionando. La voz falsamente oscurecida, engolada, carece de ese timbre bello que hubiéramos esperado que evolucionara. La emisión, por mor del principio de entubamiento no es en absoluto libre. Y sin embargo no todo estaría perdido. Por que la voz trata de girar de forma natural, pero es el propio cantante el que se lo impide: Nunca cubrió una nota. Obsérvese la "E" de "Nöel". Solo bastaría un pequeño movimiento del velo del paladar para cubrirla. Igual que con la "O". Kaufmann ni se lo plantea; es más deja entrever cierta incomodidad. Curiosamente, entuba muchisimo mas la emisión en alemán que en Francés. Cosas Veredes.
Jonas Kaufmann Cantique de Noël (O Holy Night)
Vamos a ver las diferencias. Y lo vamos a ver con Roberto Alagna. No es elección casual por cuanto Alagna deja entrever cierta nasalidad y algo de engolamiento, pero la voz NUNCA le cambia de color; todo lo contrario que Kaufmann, cuyos acercamientos al paso se saldaron con voz cerca del falsete. Obsérvese en Alagna esa "O" redonda, cubierta, al igual que la "e" (No es casualidad por cuanto usa el mismo sitio para ambas vocales, cerca de la gola, pero con espacio) Alagna, no siendo el mejor proyectador de voz, si que usa la máscara como resonador (A veces incluso demasiado) Con todo y con eso la homogeneidad de la emisión, cálida, redonda ofrece una interpretación mucho mejor que la de Jonas
Roberto Alagna "Minuit, Chrétiens"
Y por supuesto escuchen a Don Luciano ;-) Así encontrarán fácilmente las diferencias entre los tres intérpretes. Esto como ejercicio práctico para el lector que lo desee.
Luciano Pavarotti - O Holy Night (Diciembre de 2007)
Por hoy es suficiente. En la próxima entrada profundizaremos en la casuística de este artista que debería acometer un urgente replanteamiento de su técnica, si es que todavía es posible.
miércoles, 23 de junio de 2010
Celso Albelo , Mariella Devia "Gran noche de Belcanto" Pontevedra
El pasado Viernes 19/06/2010 Celso Albelo y Mariella Devia protagonizaron un concierto en Pontevedra, del que me han llegado algunos videos. (Bueno, en realidad audio con fotos :-))
Estos vídeos me van a servir para hablar de algo que con frecuencia muchos tenores Descuidan: La emisión. Cada papel requiere una emisión concreta. Una posición de la voz. Los profesionales cuando preparan un papel, por mucho que se lo sepan de memoria, necesitan "ponerlo en voz" Esto es; encontrar la colocación adecuada de la voz. De la emisión de la voz. Y no todos parece que lo hagan.
Una voz emitida muy alta llegará con más facilidad al agudo y podrá girar en el paso con mas facilidad que una voz emitida desde mas abajo. La sensación de que la voz "pesa" es absolutamente real. Por eso hay tenores que recurren al truco de usar dos posiciones distintas según la parte del aria que canten. El problema de este truco es que el color de la voz cambia. Mantener por tanto, la posición de la emisión elegida por ser la más adecuada al caracter del personaje, y resolver los problemas técnicos que tal emisión conllevan es una labor ardua de trabajo y estudio. Y esta labor, a todos aquellos que han trabajado con su voz, no les pasa desapercibida y la reconocen en aquellos artístas que la realizan.
"Parigi o cara" From La Traviata
En este primer video vamos a escuchar un fragmento de "La Traviata" ¿Con que nos vamos a encontrar? Lo primero una voz bellisima, impecable para este papel, en cuanto a linea de canto, gusto e intención. Algo que no es nuevo. Lo que si es mas novedoso es la posición de la emisión de la voz. Mas baja que para otras operas como "Puritanos", construye un centro asentado, fácil, con unos impecables ataques al pasaje, una voz recogida, pero brillante.
En mi humilde opinión "Alfredo" será un personaje que terminará cantando. No recuerdo si lo ha cantado ya, ni siquiera si lo tiene en repertorio. Y si no lo tiene, creo que lo tendrá.
Disfrutemos.
"Qui di sposa eterna fede" from Lucia di Lammermoor
De nuevo nos encontramos con una emisión asentada. En su sitio. Edgardo no es un papel fácil. Frente a partes muy líricas encontramos partes de mayor peso en el centro y para ello se necesita una emisión correcta que no desvirtue el centro, ni convierta el ataque al pasaje en un suplicio. Y esto es solo el principio. Edgardo será para Celso, entiendo, uno de sus personajes "fetiche" en la madurez vocal. Al igual que otro personaje que se me viene a la cabeza: Ferrando de "La Favorita". que es otro personaje que seguro terminará cantando. La evolución de su voz le llevará a él.
"Una parola, o Adina" from L'elisir d'amore,
Elixir es una ópera engañosa. Parece fácil, pero no lo es. De nuevo el tenor debe poseer una sólida técnica de emisión y ataque al paso para evitar tener problemas. No es tan "pesada" como Lucia, lo que permite a Celso subir un poco el centro de emisión. Esto se traduce en una evidente comodidad a la hora de cantar. La canta "sin despeinarse" Y "Nemorino" brota de su garganta sin ninguna dificultad:
Espero que os guste tanto como a mi.
Estos vídeos me van a servir para hablar de algo que con frecuencia muchos tenores Descuidan: La emisión. Cada papel requiere una emisión concreta. Una posición de la voz. Los profesionales cuando preparan un papel, por mucho que se lo sepan de memoria, necesitan "ponerlo en voz" Esto es; encontrar la colocación adecuada de la voz. De la emisión de la voz. Y no todos parece que lo hagan.
Una voz emitida muy alta llegará con más facilidad al agudo y podrá girar en el paso con mas facilidad que una voz emitida desde mas abajo. La sensación de que la voz "pesa" es absolutamente real. Por eso hay tenores que recurren al truco de usar dos posiciones distintas según la parte del aria que canten. El problema de este truco es que el color de la voz cambia. Mantener por tanto, la posición de la emisión elegida por ser la más adecuada al caracter del personaje, y resolver los problemas técnicos que tal emisión conllevan es una labor ardua de trabajo y estudio. Y esta labor, a todos aquellos que han trabajado con su voz, no les pasa desapercibida y la reconocen en aquellos artístas que la realizan.
"Parigi o cara" From La Traviata
En este primer video vamos a escuchar un fragmento de "La Traviata" ¿Con que nos vamos a encontrar? Lo primero una voz bellisima, impecable para este papel, en cuanto a linea de canto, gusto e intención. Algo que no es nuevo. Lo que si es mas novedoso es la posición de la emisión de la voz. Mas baja que para otras operas como "Puritanos", construye un centro asentado, fácil, con unos impecables ataques al pasaje, una voz recogida, pero brillante.
En mi humilde opinión "Alfredo" será un personaje que terminará cantando. No recuerdo si lo ha cantado ya, ni siquiera si lo tiene en repertorio. Y si no lo tiene, creo que lo tendrá.
Disfrutemos.
"Qui di sposa eterna fede" from Lucia di Lammermoor
De nuevo nos encontramos con una emisión asentada. En su sitio. Edgardo no es un papel fácil. Frente a partes muy líricas encontramos partes de mayor peso en el centro y para ello se necesita una emisión correcta que no desvirtue el centro, ni convierta el ataque al pasaje en un suplicio. Y esto es solo el principio. Edgardo será para Celso, entiendo, uno de sus personajes "fetiche" en la madurez vocal. Al igual que otro personaje que se me viene a la cabeza: Ferrando de "La Favorita". que es otro personaje que seguro terminará cantando. La evolución de su voz le llevará a él.
"Una parola, o Adina" from L'elisir d'amore,
Elixir es una ópera engañosa. Parece fácil, pero no lo es. De nuevo el tenor debe poseer una sólida técnica de emisión y ataque al paso para evitar tener problemas. No es tan "pesada" como Lucia, lo que permite a Celso subir un poco el centro de emisión. Esto se traduce en una evidente comodidad a la hora de cantar. La canta "sin despeinarse" Y "Nemorino" brota de su garganta sin ninguna dificultad:
Espero que os guste tanto como a mi.
viernes, 28 de mayo de 2010
Celso Albelo: Una Furtiva Lagrima
De mi red de espionaje me llegan noticias de este vídeo que ha subido cobrarealerm a Youtube y que pertenece a los ensayos generales del "elixir" que en estas fechas está cantando Celso en el "Teatro Municipale Giuseppe Verdi" de Salerno el 26-28-30 de Mayo de 2010.
Un fraseo impecable, un canto elegante, fácil, al servicio de la música y del personaje. El bel canto no es solo "pirotecnia vocal". Es mucho mas. Hay que "decir" el personaje en todas y cada una de las notas, componerle a través de la belleza musical que la partitura pone a nuestro servicio, y conseguirlo lleva mucho trabajo.
Notareis que Celso canta con una facilidad inmensa el aria, se le vé cómodo en cada una de las notas. Y os aseguro que pese a lo que algun atrevido dice, el aria no es fácil. Lástima que la orquesta "a piñon fijo" encorsete tanto a Celso. A "piñón fijo" y además con una lectura bastante plana. Capón debajo del pelo para el director musical.
Nemorino canta a través de Celso. Disfrutarlo
Y por gentileza de MusicSoprano85
El aria de la primera función. No os la perdais, ni la reacción del público tampoco.
Un fraseo impecable, un canto elegante, fácil, al servicio de la música y del personaje. El bel canto no es solo "pirotecnia vocal". Es mucho mas. Hay que "decir" el personaje en todas y cada una de las notas, componerle a través de la belleza musical que la partitura pone a nuestro servicio, y conseguirlo lleva mucho trabajo.
Notareis que Celso canta con una facilidad inmensa el aria, se le vé cómodo en cada una de las notas. Y os aseguro que pese a lo que algun atrevido dice, el aria no es fácil. Lástima que la orquesta "a piñon fijo" encorsete tanto a Celso. A "piñón fijo" y además con una lectura bastante plana. Capón debajo del pelo para el director musical.
Nemorino canta a través de Celso. Disfrutarlo
Y por gentileza de MusicSoprano85
El aria de la primera función. No os la perdais, ni la reacción del público tampoco.
jueves, 27 de mayo de 2010
Los Miserables.
Hoy quiero hacer un breve paréntesis para hablar de una de mis obras favoritas, no operísticas: El maravilloso musical "Los Miserables" adaptación musical de la obra del mismo título de Victor Hugo. Una obra que no ha perdido vigor ni fuerza, que me emociona como el primer día que la ví, casi por casualidad.
Gracias a Los Miserables, en Madrid se abrió una puerta al teatro musical que, hoy en día, alcanza una cota de mercado (dentro del panorama teatral) muy por encima de las mejores expectativas jamás soñadas. Es cierto que, antes, otros montajes (muy deslabazados en el tiempo) intentaron lo propio sin conseguirlo: Jesucristo Superstar, Evita, Barnum, El diluvio que viene... Pero, seamos francos, fue El 16 de Septiembre de 1992, en el teatro Nuevo Apolo, cuando comenzó la historia del teatro musical en España.
¿Cuantas veces la vi? No lo sé. 7, 8, 9....Pero lo más desesperante es que después de estar ¡¡DOS AÑOS!!! en cartel, nadie sacara la obra completa en vídeo. Demencial y triste, pero propio de este pais.
Difícil será encontrar una obra que nos emocione tanto, a seguidores y no seguidores de la ópera. "Los Miserables", el musical, es teatro puro. Una obra triste, tristísima, pero conmovedora. Difícil no enamorarse de los personajes que intervienen, difícil resistir el nudo en la garganta cuando Fantine canta "Soñé con ser otra mujer" O cuando Eponine canta al amor imposible en "Sola Yo", la desesperación de Marius cuando ve que sus amigos han muerto en "Sillas y mesas vacias" El dolor pintado de recompensa en la muerte de Jean Valjean, siendo recibido por el espíritu de Fantine... El emocionante "Un día más" o la patriótica "Canción del pueblo"
Tantos y tantos momentos conmovedores, intercalando alguna sonrisa con la divertida "Amo del mesón" magistral retrato de unos personajes menos secundarios de lo que en el musical son pintados. Los Mesoneros que tienen "cuidando" a Cosette, pero que en realidad la tienen semi esclavizada, en contraposición a la hija de ambos "Eponine". Años mas tarde las vidas de ambas se volverán a cruzar, con los papeles cambiados.
"Amo del mesón"
La música es maravillosa, y en la versión de Madrid eligieron a un elenco de cantantes que va a ser muy dificil repetir, en el caso de que la repongan tal y como se rumorea.
Reunir en una ópera las voces adecuadas a los personajes que interpretan y que además "empasten entre sí" es una tarea difícil. Y sin embargo en "Los Miserables" vamos a encontrar unas voces de primerísimo nivel que pintarán con mano maestra las inquietudes y sentimientos de los personajes que interpretan. ¿Quien es mi favorito? Carlos Marín: Sin duda. Su "Marius" es una mezcla de ingenuidad, romanticismo, amor a la patria, lealtad a sus amigos. Una voz de barítono que llega, que transmite, aun cuando en esta obra la mayoría siendo cantantes líricos, cantan "desimpostados". Y como muestra oigamoslé en su lamento por la muerte sus amigos. Carlos estremece con “sillas y mesas vacías”
Mi segundo personaje favorito es "Eponine" interpretado por la soprano Margarita Marban. Su personaje es un canto al dolor, a la tristeza, y al amor. Al amor imposible por Marius. Escuchemosla en "Sola Yo"
Mi tercer personaje es, sin embargo, el primero que te toca el corazón: La desgraciada Fantine, que va a dejar en el mundo una niña Cosette, que será recogida por Jean Valjean, el cual le ocultará todo lo relativo a su pasado. Escuchemosla en su maravilloso canto a la injusticia y a la resignación en la voz de Gemma Castaño, su interprete habitual: "Soñe con ser otra mujer"
El personaje sobre el que gira la historia es Jean Valjean, interpretado por Pedro Ruy Blas. Un hombre bueno maltratado por la vida y los caprichos del policia Javert (Miguel del Arco): un desgraciado convencido que él es la rectitud hecha hombre, que se derrumba cuando su enemigo Jean Valjean le perdona la vida y lo deja escapar.
Hoy en día sería difícil, para los que hemos visto la obra, separar al personaje del cantante: Una voz muy peculiar, para dar vida a un personaje bueno, humano y recto, que no duda en sacrificar su vida por su hija adoptada y "el hijo que quiso tener" Marius. Escuchémosle en "Sálvalo" pidiendo a Dios que salve la vida de Marius, que habia sido herido en la barricada.
Completan el elenco mas principal Luisa Torres como Cosette, una voz notable a la que no siempre se le hizo justicia. Quizá por que compone el personaje de forma menos convincente. No acaba de ser esa niña inocente, que requiere el personaje.
Escuchémosla junto a Carlos Marin y Margarita Marban en "Amor ¿Eres tú?"
Enrique R. Del Portal como Enjolras. El revolucionario, el mejor amigo de Marius, que morirá en la barricada junto al resto de componentes, incluida Eponine que morirá en los brazos de Marius. Escuchémosle en "La canción del pueblo"
Y como resumen a la tragedia que se avecina en el segundo acto, vaticinada por Javert, el deslumbrante, mágico, patriotico : "Un día mas"
Argumento:
En la Prisión de Toulon, el presidiario número 24601, Jean Valjean, recibe su pasaporte amarillo de libertad condicional tras 19 años de presidio de manos del policía Javert. Por su condición de ex-convicto se ve obligado a llevar una existencia miserable apartada de la sociedad. Tras un turbio episodio en casa del Obispo de Digne, éste gana para bien el alma de Jean Valjean, quien a partir de entonces, y tras una delirante y desgarrada reflexión, se convertirá en un hombre nuevo.Ocho años más tarde y muy lejos de Digne, en un pueblo llamado Montreuil-Sur-Mer, una joven madre soltera llamada Fantine trata de sacar adelante a su hijita Cosette, a quien ha dejado viviendo con unos mesoneros en Montfermeil. Para ello trabaja en una fábrica propiedad del alcalde. Cierto día, sale a la luz que mantiene escondida una niña y, dado que en numerosas ocasiones Fantine se ha negado a complacer los burdos deseos del capataz, es despedida de la fábrica quedándose en la calle sin dinero. Ve una salida vendiendo su pelo, un medallón y trabajando como prostituta, pero enferma irremediablemente. En una ocasión, agrede a un cliente que se había propasado con ella y acude el jefe de la policía, Javert, que ha sido destinado allí, con intención de encarcelarla. En ese momento aparece el alcalde, que no es otro que Jean Valjean reformado, y lo impide. Javert cree reconocer en él al preso 24601, del que no había vuelto a saberse nada y que está buscado por las autoridades por haber roto el pasaporte, y sus sospechas se confirman cuando Valjean confiesa su identidad para salvar a un hombre que iba a ser juzgado injustamente en su lugar. En su último día en Montreuil-Sur-Mer, le jura a la moribunda Fantine que recogerá y cuidará a su niñita y emprende la huida ocultándose de Javert. Una vez en Montfermeil, Valjean paga a los hipócritas mesoneros Thénardier por todos los gastos ocasionados y se lleva a la maltratada Cosette para iniciar otra nueva vida.
Diez años después, Valjean y Cosette viven en París, donde se está fraguando una revolución. Lamarque, el único político que defiende los derechos del pueblo, cae enfermo y muere. En ese momento se inicia la rebelión de la mano de los estudiantes, liderados por el apasionado Enjolras. Entre estos jóvenes revolucionarios se encuentra Marius, quien cierto día conoce a Cosette y se enamora perdidamente de ella para desgracia de Éponine, una mendiga hija de los Thénardier y que adora en silencio a Marius desde hace mucho tiempo. En las calles se levantan barricadas y Marius, quien piensa que Cosette va a marchar pronto a Inglaterra, le envía una nota con Éponine, que es interceptada por Valjean. Éste decide unirse a los revolucionarios, entre quienes también se ha infiltrado Javert, para poder velar por Marius. A partir de este momento, muchas vidas se pondrán en juego.
Los que la visteis, pedir que vuelvan a reponerla. Yo desde aquí, lo quiero hacer; Me gustaría dos cosas: La reposición, y además que se pusiera a la venta un DVD, junto con la primera.
A los que no la visteis, solo deciros que si la vuelven a reponer, será pecado perdérsela.
viernes, 30 de abril de 2010
Primeras impresiones de I Puritani: Flórez empieza a rondar el fracaso
Tras un pequeño paseo por Internet buscando información sobre los Puritanos de anoche solo encuentro esta:
Gonzalo Alonso en la Razón
Pero lo más alarmante es que en las "casas de vecinos" (Vease Foros) las críticas de personal nada dudoso en cuanto a la fidelidad al tenor hablan de problemas serios: "Flórez, con el limitador puesto" "pero habiéndole escuchado hace casi un año en el recital que dio en este mismo teatro, parecía otro cantante. Los agudos, que el año pasado salían brillantes, hoy eran inseguros, algunos con portamentos y la mayoría cortos y defectuosamente emitidos. Se le debe exigir más."
Otra mas : "Habrá que decir que ésta no era su noche; pero ha estado mediocre y algo más que reservón. Desde el "A te, o cara" al "Credeasi, misera!" ha sido para dormirse, estaba pero no estaba. Y esos agudos estratósfericos de los que está minada la partitura han sido, o emitidos de forma heterodoxa, o tan acortados, que nadie se diría que cantaba el Arturo, uno de sus supuestos caballos de batalla. A parte de que la voz venía más desde Liliput que nunca."
En otra casa de vecinos: "Yo también he estado... y parte de la culpa de que fuera una función decepcionante fue de la dirección SOPORIFERA de Ortega. Lenta, lenta y lenta... 20 minutos más de función de lo que decía el programa de mano.
El tempo del "A te o cara" fue de juzgado de guardia, pero no se yo si sería eso cosa de Flórez o de quién.
La Gutierrez empezó muy reservona, hizo una son vergin muy desdibujada, aunque mejoró con el tiempo. Fue a más hasta que le dio por calar el agudo de su escena del segundo Acto.
A mi me queda de verdad la duda de si después del descanso Ortega abroncó a la orquesta para que bajaran los decibelio o alguien subió el volumen de los altavoces o les dieron super vitaminas a los cantantes... porque la diferencia de proyección y volumen de las voces fue notable.
En resumen, algo que sobre el papel pintaba muy bien, fue bastante descepcionante."
Otra mas: "Independientemente de que JDF tuviera un mal dia, el papel le viene grande por todos sitios. Se requiere un tenor de mayor fuste y proyecccion, con un centro mas robusto y unos agudos percutientes. Las cualidades del peruano son otras y se notó. pero vaya, esto es la opera. Los a prioris no existen y cada funcion es un mundo. Seguro que el bueno de juandi renacerá en su especialidad que es Rossini"
Mas aún: En Nueva York suspendió alguna "Hija" y en Madrid en el ensayo general del dia 27 no estuvo ¿Causas?
Aparte de numerosas referencias a la "incomodidad" del tenor dentro del escenario: Que si agua a mansalva, que si el cuello de la camisa, que si........
Pero es que esto no es nuevo: En las funciones de "La hija" en Barcelona, ya empezaron a haber referencias a que el tenor peruano no estaba en su mejor momento.
¿Cúal es el problema de todo esto? Los talifanismos, los Chauvinismos mal entendidos, y el no dar crédito y el beneficio de la duda a personas que sabemos de voces por que hemos estudiado. Y hemos estudiado sobre NUESTRA propia voz; tenor. Si cuando el que esto escribe, que dió la voz de alarma hace ya tiempo cuando JDF anunció que quería cantar Rigoletto, se le hubiera escuchado y no insultado, a lo mejor, hoy, la voz de JDF no estaría destrozada. No son medallas. Son realidades.
Pero seguro que a día de hoy todavía saldrá alguno a insultar y a decir que todos los que señalan que no tuvo su noche, no tienen ni idea.
Y a la vista de lo sucedido, no sería muy extraño que Florez pudiera llegar a cancelar el domingo. Veremos
Gonzalo Alonso en la Razón
Pero lo más alarmante es que en las "casas de vecinos" (Vease Foros) las críticas de personal nada dudoso en cuanto a la fidelidad al tenor hablan de problemas serios: "Flórez, con el limitador puesto" "pero habiéndole escuchado hace casi un año en el recital que dio en este mismo teatro, parecía otro cantante. Los agudos, que el año pasado salían brillantes, hoy eran inseguros, algunos con portamentos y la mayoría cortos y defectuosamente emitidos. Se le debe exigir más."
Otra mas : "Habrá que decir que ésta no era su noche; pero ha estado mediocre y algo más que reservón. Desde el "A te, o cara" al "Credeasi, misera!" ha sido para dormirse, estaba pero no estaba. Y esos agudos estratósfericos de los que está minada la partitura han sido, o emitidos de forma heterodoxa, o tan acortados, que nadie se diría que cantaba el Arturo, uno de sus supuestos caballos de batalla. A parte de que la voz venía más desde Liliput que nunca."
En otra casa de vecinos: "Yo también he estado... y parte de la culpa de que fuera una función decepcionante fue de la dirección SOPORIFERA de Ortega. Lenta, lenta y lenta... 20 minutos más de función de lo que decía el programa de mano.
El tempo del "A te o cara" fue de juzgado de guardia, pero no se yo si sería eso cosa de Flórez o de quién.
La Gutierrez empezó muy reservona, hizo una son vergin muy desdibujada, aunque mejoró con el tiempo. Fue a más hasta que le dio por calar el agudo de su escena del segundo Acto.
A mi me queda de verdad la duda de si después del descanso Ortega abroncó a la orquesta para que bajaran los decibelio o alguien subió el volumen de los altavoces o les dieron super vitaminas a los cantantes... porque la diferencia de proyección y volumen de las voces fue notable.
En resumen, algo que sobre el papel pintaba muy bien, fue bastante descepcionante."
Otra mas: "Independientemente de que JDF tuviera un mal dia, el papel le viene grande por todos sitios. Se requiere un tenor de mayor fuste y proyecccion, con un centro mas robusto y unos agudos percutientes. Las cualidades del peruano son otras y se notó. pero vaya, esto es la opera. Los a prioris no existen y cada funcion es un mundo. Seguro que el bueno de juandi renacerá en su especialidad que es Rossini"
Mas aún: En Nueva York suspendió alguna "Hija" y en Madrid en el ensayo general del dia 27 no estuvo ¿Causas?
Aparte de numerosas referencias a la "incomodidad" del tenor dentro del escenario: Que si agua a mansalva, que si el cuello de la camisa, que si........
Pero es que esto no es nuevo: En las funciones de "La hija" en Barcelona, ya empezaron a haber referencias a que el tenor peruano no estaba en su mejor momento.
¿Cúal es el problema de todo esto? Los talifanismos, los Chauvinismos mal entendidos, y el no dar crédito y el beneficio de la duda a personas que sabemos de voces por que hemos estudiado. Y hemos estudiado sobre NUESTRA propia voz; tenor. Si cuando el que esto escribe, que dió la voz de alarma hace ya tiempo cuando JDF anunció que quería cantar Rigoletto, se le hubiera escuchado y no insultado, a lo mejor, hoy, la voz de JDF no estaría destrozada. No son medallas. Son realidades.
Pero seguro que a día de hoy todavía saldrá alguno a insultar y a decir que todos los que señalan que no tuvo su noche, no tienen ni idea.
Y a la vista de lo sucedido, no sería muy extraño que Florez pudiera llegar a cancelar el domingo. Veremos
jueves, 29 de abril de 2010
I Puritani en el Real. ¿Por qué no hay retransmisión por la radio?
Hay tufo a podrido en el ambiente. ¿Hay algo que se quiera ocultar?
1º de todo: El tema de la amplificación del Chenier, sigue sin tener respuesta clara. Se ha intentado tapar, pero no se ha explicado que en el escenario supieran que era la amplificación lo que motivó la bronca.
2º ¿No se está seguro de JDF? Recordemos que en "La hija del regimiento" de Barcelona empezó bisandolo todo....y terminó cantando como podía, retardando el tempo hasta extremos antimusicales la segunda aria....que a pesar de todo llegaba "calada" al agudo y a punto de romperse la voz. Y por supuesto dejó de bisar las arias cuando quedaban la mitad de las funciones.
Resulta sorprendente, muy sorprendente. Parece que todo se prepara para narrar un triunfo memorable de JDF....del que no quedará registro sonoro. Y como quiera que el público del Real serán "Florecidos" irredentes, se cuidarán muy mucho de decir ni la mas mínima crítica.
Estaremos atentos a la jugada.
1º de todo: El tema de la amplificación del Chenier, sigue sin tener respuesta clara. Se ha intentado tapar, pero no se ha explicado que en el escenario supieran que era la amplificación lo que motivó la bronca.
2º ¿No se está seguro de JDF? Recordemos que en "La hija del regimiento" de Barcelona empezó bisandolo todo....y terminó cantando como podía, retardando el tempo hasta extremos antimusicales la segunda aria....que a pesar de todo llegaba "calada" al agudo y a punto de romperse la voz. Y por supuesto dejó de bisar las arias cuando quedaban la mitad de las funciones.
Resulta sorprendente, muy sorprendente. Parece que todo se prepara para narrar un triunfo memorable de JDF....del que no quedará registro sonoro. Y como quiera que el público del Real serán "Florecidos" irredentes, se cuidarán muy mucho de decir ni la mas mínima crítica.
Estaremos atentos a la jugada.
sábado, 17 de abril de 2010
La Sonnambula: Celso Albelo en las Palmas. Para disfrutar
Solo tengo un corte de esta "Sonambula" que se ofreció en el Teatro Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria, para fortuna de los que pudieron asistir.
Ya os lo adelanto: Sabe a poco. Y sabe a poco por que es un pasaje difícil, pero precioso de esta Sonambula, que está cantado de forma magistral: Completamente dentro del estilo, elegante en el fraseo, una linea impecable, son algunas de las cualidades "de natura" que nos ofrece el tenor canario.
Pero no es solo eso: Celso Albelo ha mejorado de forma sobresaliente la técnica de canto. No hay NI UNA nota abierta. NI UNA. Da igual la parte del partitura donde se mueva. La voz siempre recogida, pero libre. Cuando puede cubrirla, la cubre, algo que en esta parte es complicado, pero la cubre sin oscurecerla, sin llevarla para atras, sin aplastarla contra la máscara. LIBRE, que es como se canta.
Pero aún hay más. No hay cambios de color en la voz. Da igual que se mueva por el centro el paso o el sobreagudo: Las notas son brillantes. Y les aseguro que no es nada fácil.
Hay una cosa más: La menciono por que uds lo van a notar: Cada día recuerda más a Don Alfredo. Lo he mencionado muchas veces, pero cada vez es más notorio. Pero no quiero hacer mucho hincapié en esto. No por que no sea un orgullo, sino por que creo que hay que escuchar a Celso Albelo, por sus propias cualidades y trabajo. No por que recuerde a otro querido tenor, por mas que sea cierto, No sé si me explico.
No divaguemos mas. Disfrutar:
domingo, 11 de abril de 2010
Francisco Corujo (II parte)
Ya estaba tardando. Confieso que esta entrada me quemaba, sentía que la debía, más aun despues de la irrupción, por sorpresa, de Jorge de Leon.
Con Pancho, Canarias, ofrece al mundo de la lírica tres tipos de tenores distintos entre si. Si Celso Albelo puede ser considerado un Tenor Lírico-ligero Y Jorge de Leon un Tenor Spinto-Dramático, Pancho viene a ocupar precisamente la cuerda intermedia entre ambos.
Pancho es Tenor lírico pleno. Su voz no posee la belleza de la voz de Celso, pero tiene un timbre aterciopelado, acariciante, sedoso; Acaricia el oído con una homogeneidad en el registro que pocos tenores tienen hoy en día. Frente a voces oscuras, engoladas y mal emitidas, la voz de Pancho es natural.
La técnica
Ella mi fu rapita! Parmi veder le lagrime
Quizá este video puede servir como compendio de una técnica bien trabajada. A lo largo de los videos que voy a ofrecer podremos observar que Pancho NUNCA cambia la emisión. Siempre a la altura adecuada. Esto beneficia su canto por cuanto la columna de apoyo respiratorio siempre es la misma. Pudiendo regular el apoyo dependiendo de su paso o giro al registro de máscara.
Pancho canta como los tenores de toda la vida: Suave en el centro, "squillante" en el agudo, que proyecta con suma facilidad, llenando el teatro de sonido.
El pasaje practicamente no se detecta; suave bien apoyado, para emitir con más volumen o menos según le convenga. En este video, además de un pasaje bien trabajado, podemos observar uno de los tesoros de Pancho: Una línea de canto elegante como pocas.
La donna è mobile
Con el tiempo, Pancho, seguramente dotará a su "Duca" de más "mala leche" que es lo único que le falta. De todas maneras se le escucha sin temor. Como curiosidad en este video termina con un "pensier" donde hace hincapié en la "i" mas que en la "e" algo curioso, por cuanto no es lo normal, pero que a nivel de técnica es buenisimo: La salud vocal la determina la "i"
Don Carlos
Encontrar un duo De Don Carlos bien cantado es como encontrar la fuente dela eterna juventud. Sin embargo este duo, a pesar de no ser de los mejores, si nos deja cosas muy interesantes. Pancho puede ser el "Carlo" del futuro. Es más, creo que su línea de canto le viene al pelo para pintar al desquiciado infante.
Javier Franco, del que hablaré en otra entrada me parece una de las voces mas interesantes de barítono de los últimos tiempos. El único problema de este video es que ambas voces no terminan de "empastar" bien entre ellas.
Y para terminar el video que incluí en la primera ocasión que escribí sobre Pancho
Resumiendo: Otro gran tenor Canario como Celso Albelo, Jorge de León, y como EL MAESTRO: Alfredo Kraus.
¡¡¡Vivan las Islas Canarias!!!
Con Pancho, Canarias, ofrece al mundo de la lírica tres tipos de tenores distintos entre si. Si Celso Albelo puede ser considerado un Tenor Lírico-ligero Y Jorge de Leon un Tenor Spinto-Dramático, Pancho viene a ocupar precisamente la cuerda intermedia entre ambos.
Pancho es Tenor lírico pleno. Su voz no posee la belleza de la voz de Celso, pero tiene un timbre aterciopelado, acariciante, sedoso; Acaricia el oído con una homogeneidad en el registro que pocos tenores tienen hoy en día. Frente a voces oscuras, engoladas y mal emitidas, la voz de Pancho es natural.
La técnica
Ella mi fu rapita! Parmi veder le lagrime
Quizá este video puede servir como compendio de una técnica bien trabajada. A lo largo de los videos que voy a ofrecer podremos observar que Pancho NUNCA cambia la emisión. Siempre a la altura adecuada. Esto beneficia su canto por cuanto la columna de apoyo respiratorio siempre es la misma. Pudiendo regular el apoyo dependiendo de su paso o giro al registro de máscara.
Pancho canta como los tenores de toda la vida: Suave en el centro, "squillante" en el agudo, que proyecta con suma facilidad, llenando el teatro de sonido.
El pasaje practicamente no se detecta; suave bien apoyado, para emitir con más volumen o menos según le convenga. En este video, además de un pasaje bien trabajado, podemos observar uno de los tesoros de Pancho: Una línea de canto elegante como pocas.
La donna è mobile
Con el tiempo, Pancho, seguramente dotará a su "Duca" de más "mala leche" que es lo único que le falta. De todas maneras se le escucha sin temor. Como curiosidad en este video termina con un "pensier" donde hace hincapié en la "i" mas que en la "e" algo curioso, por cuanto no es lo normal, pero que a nivel de técnica es buenisimo: La salud vocal la determina la "i"
Don Carlos
Encontrar un duo De Don Carlos bien cantado es como encontrar la fuente dela eterna juventud. Sin embargo este duo, a pesar de no ser de los mejores, si nos deja cosas muy interesantes. Pancho puede ser el "Carlo" del futuro. Es más, creo que su línea de canto le viene al pelo para pintar al desquiciado infante.
Javier Franco, del que hablaré en otra entrada me parece una de las voces mas interesantes de barítono de los últimos tiempos. El único problema de este video es que ambas voces no terminan de "empastar" bien entre ellas.
Y para terminar el video que incluí en la primera ocasión que escribí sobre Pancho
Resumiendo: Otro gran tenor Canario como Celso Albelo, Jorge de León, y como EL MAESTRO: Alfredo Kraus.
¡¡¡Vivan las Islas Canarias!!!
martes, 6 de abril de 2010
Lawrence Brownlee. Otro tenor con futuro.
De vez en cuando, y sin hacer ruido, te encuentras cantantes no mediaticos con una calidad muy superior a otros que se han instalado en el Marketing (Cómo bisar arias, para dar que hablar, hasta que la voz dice "Se acabó")
Nada de esto le sucede a este tenor. Lawrence Brownlee. Una voz joven, fresca, de timbre agradable, inusualmente oscuro para ser un tenor lirico-ligero. Una voz con cuerpo que sin embargo hace gala de una facilidad para el agudo realmente sorprendente.
Otras características que acompañan a este tenor es un fraseo fácil, aunque el tempo sea rápido; es decir no le tiene que pedir al director que baje el tempo, a ver si no se ahoga, como les pasa a otros de injusta fama, que parecen vivir de las rentas.
La hija del Regimiento
Como vemos en el video este tenor tuvo que sustituir a Juan Diego Florez en las funciones que canceló en el Met este mismo año.
¿Que es lo primero que llama la atención? Facilidad de la emision en el centro: La voz no está excesivamente alta y usa un giro perfecto en el paso usando el resonador de máscara, sin aplastar la voz contra ella.
Otra característica que llama la atención muy agradablemente es una "i" clara, perfectamente emitida en la zona peligrosa: Fa3. Esta colocación de la "i" en su sitio redunda en el beneficio de poder recoger y girar el sonido usando vocales tan peligrosas como la "a".
El sobreagudo transmite seguridad, girando la voz a registro de cabeza sin abandonar los resonadores de pecho y máscara, lo que le permite "pasar" y "despasar" sin perder la colocación ni el brillo. Tan solo sería deseable una mayor proyeccion hacia delante: la tentación de mantener la voz en el fondo de la garganta la debe desechar.
Pour me rapprocher de Marie
La segunda aria de "La hija del Regimiento" Considerablemente mas difícil que la primera, es resuelta con seguridad y limpieza. El tempo es correcto, muy alejado del soporifero "tempo" impuesto en la reciente "Hija" de Barcelona, con paradas alargadas hasta extremos antimusicales. La dificultad de este aria es que obliga a una emisión mas baja que en el resto de la obra debido al caracter mas dramático de la situación en la que se encuentra la historia. Esto se nota en algunos momentos en los que falta el apoyo respiratorio en el centro. Por contra los pasajes son seguros y la subida al sobreagudo limpia, aun con el defecto de algo "metida hacia atrás" que debe corregir so pena de estrangular la voz.
Lawrence Brownlee - La Cenerentola - Si, ritrovarla io giuro - 2009
La difícil aria de "Don Ramiro" en la Cenerentola.
Lo primero que se observa en la interpretacion de Brownlee es la emisión de la voz: En ningún caso la voz se abre aun cuando la partitura obliga al cantante al paso al sobreagudo sin tiempo casi ni para respirar. La consecuencia es una homogeneidad en toda la interpretación muy de agradecer frente a otros cantantes, que ya no son lo que eran, y abren el sonido hasta hacerlo desagradable al oido; si una voz blanca no es muy bonita, abierta en casi todos los sonidos es una tortura.
Nada de esto le ocurre a Brownlee. Su voz es agradablemente oscura, con cuerpo, con técnica para fluir por la partitura de forma homogenea, sin vibratos insufribles ni agudos abiertos.
Otra página estupenda. Nada que añadir a lo ya expuesto.
Lawrence BROWNLEE ~ 2008 DONIZETTI L'AMOR FUNESTO Mélodie Live
Y para terminar una página del siempre difícil Donizetti: Lo primero en que tenemos que fijarnos es que la evolucion de este tenor será hacia el repertorio romantico, de forma natural, dentro de poco se tendrá que olvidar de Rossini y centrarse en Donizetti, Bellini, Opera Francesa....etc. Y digo esto por que la evolución de este tenor desde el 2008 al 2009 es mas que notable. Un paso inseguro ha mejorado para darlo con la voz girada y pasada. Quizá algo mas de cobertura en determinados momentos.
Verdi para dentro de unos añitos.....
Nada de esto le sucede a este tenor. Lawrence Brownlee. Una voz joven, fresca, de timbre agradable, inusualmente oscuro para ser un tenor lirico-ligero. Una voz con cuerpo que sin embargo hace gala de una facilidad para el agudo realmente sorprendente.
Otras características que acompañan a este tenor es un fraseo fácil, aunque el tempo sea rápido; es decir no le tiene que pedir al director que baje el tempo, a ver si no se ahoga, como les pasa a otros de injusta fama, que parecen vivir de las rentas.
La hija del Regimiento
Como vemos en el video este tenor tuvo que sustituir a Juan Diego Florez en las funciones que canceló en el Met este mismo año.
¿Que es lo primero que llama la atención? Facilidad de la emision en el centro: La voz no está excesivamente alta y usa un giro perfecto en el paso usando el resonador de máscara, sin aplastar la voz contra ella.
Otra característica que llama la atención muy agradablemente es una "i" clara, perfectamente emitida en la zona peligrosa: Fa3. Esta colocación de la "i" en su sitio redunda en el beneficio de poder recoger y girar el sonido usando vocales tan peligrosas como la "a".
El sobreagudo transmite seguridad, girando la voz a registro de cabeza sin abandonar los resonadores de pecho y máscara, lo que le permite "pasar" y "despasar" sin perder la colocación ni el brillo. Tan solo sería deseable una mayor proyeccion hacia delante: la tentación de mantener la voz en el fondo de la garganta la debe desechar.
Pour me rapprocher de Marie
La segunda aria de "La hija del Regimiento" Considerablemente mas difícil que la primera, es resuelta con seguridad y limpieza. El tempo es correcto, muy alejado del soporifero "tempo" impuesto en la reciente "Hija" de Barcelona, con paradas alargadas hasta extremos antimusicales. La dificultad de este aria es que obliga a una emisión mas baja que en el resto de la obra debido al caracter mas dramático de la situación en la que se encuentra la historia. Esto se nota en algunos momentos en los que falta el apoyo respiratorio en el centro. Por contra los pasajes son seguros y la subida al sobreagudo limpia, aun con el defecto de algo "metida hacia atrás" que debe corregir so pena de estrangular la voz.
Lawrence Brownlee - La Cenerentola - Si, ritrovarla io giuro - 2009
La difícil aria de "Don Ramiro" en la Cenerentola.
Lo primero que se observa en la interpretacion de Brownlee es la emisión de la voz: En ningún caso la voz se abre aun cuando la partitura obliga al cantante al paso al sobreagudo sin tiempo casi ni para respirar. La consecuencia es una homogeneidad en toda la interpretación muy de agradecer frente a otros cantantes, que ya no son lo que eran, y abren el sonido hasta hacerlo desagradable al oido; si una voz blanca no es muy bonita, abierta en casi todos los sonidos es una tortura.
Nada de esto le ocurre a Brownlee. Su voz es agradablemente oscura, con cuerpo, con técnica para fluir por la partitura de forma homogenea, sin vibratos insufribles ni agudos abiertos.
Otra página estupenda. Nada que añadir a lo ya expuesto.
Lawrence BROWNLEE ~ 2008 DONIZETTI L'AMOR FUNESTO Mélodie Live
Y para terminar una página del siempre difícil Donizetti: Lo primero en que tenemos que fijarnos es que la evolucion de este tenor será hacia el repertorio romantico, de forma natural, dentro de poco se tendrá que olvidar de Rossini y centrarse en Donizetti, Bellini, Opera Francesa....etc. Y digo esto por que la evolución de este tenor desde el 2008 al 2009 es mas que notable. Un paso inseguro ha mejorado para darlo con la voz girada y pasada. Quizá algo mas de cobertura en determinados momentos.
Verdi para dentro de unos añitos.....
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