Black, el payaso / Pagliacci

Black el payaso
Opereta en un prólogo y tres actos de Francisco Serrano Anguita, basada en la novela La princesa de los clowns (1923) de Jean-José Frappa
Música de PABLO SOROZÁBAL

Estrenada en el Teatro coliseum de Barcelona, el 21 de abril de 1942

Pagliacci
Drama en un prólogo y dos actos de Ruggero Leoncavallo
Música de RUGGERO LEONCAVALLO
Estrenado en el Teatro dal Verme de Milán, el 21 de mayo de 1892
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

FICHA ARTÍSTICA
Dirección musical:
Donato Renzetti

Dirección de escena:
Ignacio García
Escenografía:
Miguel Ángel Coso y Juan Sanz
Figurines:
Pepe Corzo
Iluminación:
Francisco Ariza

Black el payaso (reparto)

LA PRINCESA SOFÍA DE SUREVIA: María José Moreno

LA CONDESA DE SARATOV: Trinidad Iglesias;

 BLACK: Fabián Veloz

 WHITE: Rubén Amoretti;

CARLOS DUPONT: Javier Galán;

GREGORIO ZINENKO: Miguel Palenzuela;

 HENRY MARAT: José Manuel Montero;

EL BARÓN DE ORSAVA: Miguel Sola;

BAYDAROV: Jorge Merino;

 EL DIRECTOR DE ESCENA: Emilio Gavira

Pagliacci (reparto)

NEDDA: María José Moreno

 CANIO: Jorge de León

TONIO:; Juan Jesús Rodríguez

BEPPE: Miguel Borrallo;

 SILVIO: David Menéndez

Orquesta de la Comunidad de Madrid
Coro del Teatro de La Zarzuela
Director: Antonio Fauró

Prólogo

De nuevo, el día 6 de este mes de Abril de 2014, volvimos a acercarnos al que en los dos últimos años ha sido el teatro más visitado: El Teatro de la Zarzuela. No es casualidad. Precios para todos los bolsillos, y una programación más que atractiva reclamaban nuestra presencia. En esta ocasión un brillante programa doble: "Black el payaso" y "Pagliacci", una novedosa combinación de Zarzuela + Ópera con un nexo común: el mundo del circo, o más bien, el teatro dentro del teatro.
Las historias que nos contaban ambas obras eran más bien dispares. Un argumento simple, en "Black el payaso" seguido de una historia dura: La de "Pagliacci" que termina muy mal. Historia que provocó en algún niño, que asistía al teatro, un grito de horror cuando Canio apuñala a Nedda: Es el triunfo del lenguaje universal del teatro y de todos los que lo hacen posible. Sin teatro, como medio de comunicación,  no existiría la ópera.

Y no deja de resultar irónico que en estos tiempos de efectos especiales en el cine que continuamente buscan meternos dentro de la historia que nos cuentan, a través de la vista, un niño nos demuestre que es posible, solo con un montaje inteligente, transportarnos allí donde el cine, con su mega-ultra-modernidad no llega: A respirar el mismo drama que los personajes: Tan fácil de decir, tan difícil de entender para la gran mayoría de los "registas" de nuevo cuño, prestos a destrozar la historia con sus absurdos montajes que no aportan nada.

Afortunadamente para los que asistimos al Teatro de la Zarzuela, nos encontramos con el trabajo, excelente trabajo de Ignacio García. En "Black el payaso" la escena, era un personaje más de la historia, tal era el dinamismo que aportaba.  Una escena viva que con personajes del circo que continuamente entraban y salían como si de una función se tratara, aportaba un diálogo no escrito, pero perfectamente audible, sin distraer, sin convertirse en protagonista, pero dando fluidez a la historia.

Para "Pagliacci" Ignacio García opta por un montaje más simple, pero tan sórdido como la historia: Solo con el vehículo que se supone traslada la "Troupe" y que al mismo tiempo hace de escenario, más la logradísima sensación nocturna, oscura,  no solo por la hora del día, sino por el retrato de las cataduras de los personajes que compiten entre sí por caer lo más bajo posible, solo con eso, que no es poco,  llena el escenario. No hay elementos superfluos.  El espectador respira esa atmósfera de miedo, de bajeza moral, que respiran los personajes.

Dramáticamente los personajes están muy trabajados y los cantantes consiguen retratos muy exactos de ellos. Canio es un personaje que "da miedo" y el espectador llega a percibir el peligro que emana del protagonista, acentuando ese contraste entre la "inocencia" del payaso vestido de un blanco puro, y la realidad del ser humano, de alma negra, que lo da vida.

Acto I "Black el payaso"

A menudo ocurre, y esta es la grandeza de los compositores, que una historia simple, casi absurda, se vea contada por medio de una música bellísima. Música llena de aires eslavos, que me recordaban mucho a otra deliciosa obra del mismo compositor: "Katiuska", melancólica, sin ser triste, mas bien centrada en la realidad, y no en la ilusión que la profesión del protagonista debe repartir entre su público, "decid que amáis a Black el payaso" repite hasta la saciedad el protagonista, imponiéndose a si mismo no cegarse ante el lujo y el esplendor de la corte, donde de forma inesperada  ha sido llevado en calidad de rey. Hay pocos momentos cómicos, y los que salen sorprenden que pasaran la censura "Ya no quieren ser reyes ni los payasos" es una frase que a día de hoy tendría, por desgracia, más vigencia que en la época que fue escrita....No sé si entonces motivaría la risa del público. Pero hoy, desde luego que sí.

Para dar vida a los personajes de la obra, contamos con un reparto que por desgracia no estuvo a la altura. Ni siquiera el director musical estuvo a la altura de la obra, por mucho que elevara los decibelios de la orquesta. A pesar de su lectura plana, de un inusitado volumen orquestal, la música, solo ella, me hicieron terminar la obra con satisfacción. Pero al director musical lo hubiera deportado a Siberia, "a contar árboles" que parece ser la única tarea que hay por allí.

No puede ser excusa el desconocimiento de la partitura, ya que a lo largo de su vida se habrá enfrentado a muchas obras desconocidas. Y dudo que a todas le haya dado el mismo tratamiento plano y en "Mezzo-Forte" que le ha dado a "Black". Tampoco puede servir de excusa "El costumbrismo" por que la música tiene aires eslavos. No es una obra "castiza" que cueste trabajo asimilar la lectura adecuada...Todo parece apuntar a un "sacarse de encima" la Zarzuela, para atacar cuanto antes la ópera, obra más conocida. Suspenso en todo el compás, para Donato Renzetti.

EL DIRECTOR DE ESCENA: Emilio Gavira (actor)

El triunfador de la obra sin ninguna duda,  Hizo de narrador de la obra, de hilo conductor de enganche armónico entre la historia que la música contaba y la parte que la música callaba. Sin duda mucha parte de la responsabilidad de que la función fuera tan disfrutable la tiene Emilio Gavira. Gran ACTOR, y gran TRABAJO el suyo. No se echaron de menos los diálogos. Merece por este motivo la primera mención.

BLACK:  Fabián Veloz (barítono)

Fabián es un barítono lírico, de voz escasamente timbrada.que no destaca por un bello color baritonal, mas bien al contrario, exhibe un sonido áfono, con pocos graves y una subida al agudo abierta. Su canto es monótono  sin matices, El día que fuimos la  voz no le corría por la sala y que era fácilmente tapada en cuanto que la orquesta empezaba a sonar, sin que esta llegara a rendir al máximo.

WHITE:  Rubén Amoretti; (bajo)

Rubén Amoretti tuvo mas o menos los mismos problemas que su colega: Una voz pequeña, sin grandes graves, mejor timbrada, pero igualmente monótona en el canto Es otra voz que no corría por el teatro. Cumplió sin mas aunque me gustó mas que la de Black.

CARLOS DUPONT: Javier Galán; (tenor)

Pese a anunciarse como barítono, y haber cantado la parte de Black en alguna ocasión, en absoluto se le puede considerar barítono, ni por timbre, ni por color de la voz, ni por giro de la voz, Otra cosa es que acometa papeles de barítono en Zarzuela debido a la tesitura escrita para estos. A diferencia de sus otros dos compañeros antes mencionados, la voz de Galán si que corría bien por el teatro. Es una voz timbrada, aunque su timbre no sea bonito, mas bien lo contrario, y de fácil agudo. El problema, lo que hace que este cantante sea no apto para pisar un escenario, serio, como es el teatro de la Zarzuela, es su fraseo. Particular donde los haya. Javier Galán convertía en "e" y algunas "aes" a toda vocal tenida. En cuanto la partitura anunciaba una duración de la nota superior a la negra, la vocal escrita para esa nota se transformaba en "e", y esto es algo que me parece absolutamente impresentable.

LA PRINCESA SOFÍA DE SUREVIA: María José Moreno. (Soprano)

Solo la voy a mencionar aquí. Y nada más que  para decir una cosa. El público paga por el espectáculo completo. No es de recibo que esta señora cante este papel a media voz, en modo "ensayo general" para luego darlo todo en el papel operístico. Si considera que los dos papeles son "Mucha tralla" que solo cante uno, pero que lo haga a plena voz. Decepcionante y muy enojosa la actuación de esta cantante.

LA CONDESA DE SARATOV: Trinidad Iglesias;(?¿)

Voy a ser sincero: No sé que clase de voz tiene, por que el 90% de su papel no se oyó. Sin sonar la orquesta era difícil oírla, así que imagínense cuando cantaba en conjunto o tocaba la orquesta. Absolutamente inaudible.

HENRY MARAT: José Manuel Montero; (Tenor)

Dentro de los comprimarios posiblemente el mas aprovechable. Sin ser una voz descomunal, al menos está timbrada, la voz corre, y creo que fue la única que logró pasar la orquesta cuando esta sonaba en todo su esplendor.

Coro del Teatro de La Zarzuela

Sobresaliente como nos tiene  acostumbrados. Lo único que no termino de averiguar es por que le hacen cantar en "Mezzo-Forte" todo el rato. Gran trabajo también del coro del teatro.

¿Y del resto de personajes? Mejor hacemos "Mutis por el foro"

Telón.

Para amenizar el entreacto, "Hacer de un mísero payaso" por Renato Cesari. versión que a mi, personalmente, me gusta mucho.


           


    Acto II "Pagliacci"

Uno de los grandes atractivos de este segundo título es, ¿Para que negarlo? la presencia del barítono Juan Jesús Rodríguez. Mucho más incluso que la presencia de Jorge de León, al que había escuchado por última vez en directo hacia dos años, en la "Tosca" del Real, y desde entonces sólo lo había escuchado por vídeo o por radio, con resultados bastante decepcionantes. Necesitaba volverlo a escuchar en directo y esta era la ocasión.

Pero antes estaba Juan Jesús Rodriguez. Su descomunal actuación en las "Marinas" de hace pocas fechas lo habían convertido en uno de los grandes reclamos de este título. Confieso que me llevé un chasco cuando anunció que no cantaría los dos papeles en la misma función: O hacía Black, o hacia Tonio, pero no los dos juntos. Me decepcionó, pero me pareció lo mas honrado si consideraba que era demasiada "Tralla" para la voz cantarse los dos papeles;  prefería hacer uno bien y a tope, decisión que considero no solo acertada para sí mismo, sino de respeto al público.

Y no decepcionó. El primer plato fuerte esperado es el famosísimo "prologo" que aquí traigo. No es el del día de la función, pero no hay diferencia alguna.

Juan Jesús Rodriguez "Si può" (Pagliacci)

                      

TONIO: Juan Jesús Rodríguez(barítono)

Una voz de barítono de verdad, por timbre, color, por técnica.... Un centro timbradísimo, ancho , cálido, que acaricia los oídos, es un centro que cautiva por la cantidad de matices que muestra. La zona alta del registro no tiene secretos para Juan Jesús: Una técnica sobresaliente que le permite cantar en esta zona sin que su voz pierda color ni brillo: El ataque al agudo es valiente, proyectando la voz hacia la última butaca del teatro. Su técnica es un curso en directo de cómo se pasa la voz, de cómo se deja paso al sonido, de cómo se cubre una voz, sin perder color, ni brillo, ni homogeneidad, de cómo se mantiene la belleza del color baritonal de la voz, esté en la parte de la partitura que esté.

Dramáticamente el personaje está muy bien trabajado. Como todos los personajes de la obra, cuando no están maquillados, son personajes de una bajeza humana sin límites. Enamorado de Nedda que se ríe de el, planea vengarse, y cuando descubre a Nedda poniéndole los cuernos a su marido con Silvio, no duda en avisar a Canio para que los pille "in fraganti". Cosa que consigue, y que provoca el drama que está por llegar. Si Canio no mata a Nedda en el momento es por que el propio Tonio le recomienda prudencia para que el amante se muestre y se pueda vengar de él y sobre todo que se prepare para la función. Canio se muestra conforme y no puede por menos que lamentarse: 

CANIO: Jorge de León (Tenor)

Recitar! Mentre preso dal delirio,
non so più quel che dico,
e quel che faccio!
Eppur è d'uopo, sforzati!
Bah! sei tu forse un uom?
Tu se' Pagliaccio!

Vesti la giubba....

Jorge de León es un tenor lírico ancho, en mi opinión. Hay quien le califica de "spinto" pero a mi no me lo parece. Son opiniones. En cualquier caso son minucias. Por que lo importante es que un cantante me ponga los pelos de punta, en el teatro. Y Jorge, en esta función, volvió a conseguirlo. 

El "Recitar! Vesti la giubba," que se marcó fue sencillamente de escándalo. Hubo quien pidió el "bis" y no era ninguna exageración. 

Técnicamente de dos años para acá ha experimentado una notable mejoría en el centro, más homogéneo, donde ya no hay esas diferencias que había entre las partes mas declamadas y las más ligadas. De ello se benefician la zona de paso y el agudo ya que el ataque  a estas zonas se produce con mas seguridad, y por supuesto, no le cambia el color de la voz en ninguna parte de su tesitura. 

Del agudo.. pues es verdadero placer encontrar un tenor que además de cantar en el centro meta esos "trallazos" arriba. Pero puede mejorarlo. Puede y debe, y para ello debe mejorar el paso. 

La voz está recogida, cierto, pero necesitaría más cobertura, por que de lo contrario terminará abriéndose. El problema es que tal como ataca el paso, donde no usa prácticamente el resonador de máscara, es muy difícil aplicar mayor cobertura. Jorge en mi opinión, debería llevar hacia adelante la voz en el paso, buscar la máscara, cubrir mas la voz, para evitar ciertas notas que tienden a irse para atrás, en particular con la "e" que no parece ser su mejor vocal. 

Dramáticamente compone un personaje que "da miedo" incluso sin abrir la boca. Cuando lo hace, se masca la tragedia. 

Yo lo que oí en el teatro me pareció excelente. No necesita mas que mejorar algo la técnica. He oído por radio cosas muy raras que no quiero volver a oír. Con lo que oí en el Teatro, tiene voz mas que de sobra, y carácter para atacar un "Radamés" o un "Manrico" sin buscar "mas carácter" que no le hace falta. Y lo que si debería evitar hasta dentro de un tiempo, que la voz no le ensanche un poco, los "Calaf" y los "Otello". 

 SILVIO: David Menéndez (Barítono)

Cumplió sin desentonar, lo que tiene su mérito, en el dúo con Nedda. Alguna nota "calada" pero nada importante. Bien.

BEPPE: Miguel Borrallo; (tenor)

La parte que le corresponde a este personaje, es de las mas afortunadas para un comprimario, tiene un aria para lucirse y poco más que hacer. Sin embargo pasó sin pena ni gloria, en una interpretación aburrida del aria. Si a ello unimos una tendencia molesta a "calar" las notas podemos decir, sin ningún temor a equivocarnos, que fué el más flojo del reparto.

Telón

Epílogo

Como en otras ocasiones he comentado, el trabajo de Paolo Pinamonti al frente del teatro de la Zarzuela es de notable alto. Le falta para llegar al sobresaliente cuidar más las voces que pisan el escenario. La diferencia entre la primera obra y la segunda es abismal. Y si en "Black el payaso" a pesar de todo disfruté, lo fué por la música, la maravillosa música del maestro Solozábal, por que las voces, lo siento mucho, no me parecieron dignas de este teatro.

Telón

* Fotos sacadas de la web del teatro de la Zarzuela. 

Jorge de Leon y Sondra Radvanovsky sublimes, en la Tosca del Teatro Real

Jueves 27 de Julio de 2011. Teatro Real de Madrid. Tosca.

Quizá sea Tosca, la ópera que más he visto en vivo, y fue la primera que vi representada en el Teatro de la Zarzuela. Lo que representó también mi primera decepción, pues el Cavaradossi encarnado por un reputadísimo tenor fue mediocre tirando a insulso. Recuerdo bien aquella función por que al llegar a mi casa no pude por menos de comentar la decepción que sentía. Allí acabó un mito para mi. La función de ayer jueves, en el Teatro Real, con Jorge de León y Sondra Radvanovsky ha representado el renacer de una esperanza. De pensar que la ópera no está muerta. Que es posible salir del teatro con los pelos de punta, con una sonrisa en la boca, sin pensar ni por asomo en la cantidad de dinero que te ha costado la entrada, por cuanto cualquier precio te hubiera parecido barato.

Jorge De León

Su irrupción en el Teatro Real sustituyendo a Marcelo Alvarez en el "Chenier" del año pasado, encendió en el coliseo madrileño una excitación sin precedentes. No pude escucharle en vivo entonces, pero sí lo pude hacer ayer. Confieso que iba bien predispuesto y también confieso que superó todas mis expectativas.

Ante todo el canto, el buen canto, no son solo los agudos como campanas, no es solo un pasaje sólido como una roca, no es solo "canto sul fiato", no es solo fraseo, no es solo legato. El buen canto es transmitir emoción a raudales, ponerte un nudo en la garganta, entender al autor y contarte lo que el autor escribió. Todo esto, por supuesto, no es posible sin cualidades innatas y sin una técnica casi perfecta.

La técnica.

La técnica es el vehículo mediante el cual el artista puede desarrollar todo su arte. Hay cosas que uno lleva dentro y las apunta en los comienzos, para luego irla desarrollando según se va aprendiendo. El legato es una de ellas.

Legato no es sólo cantar ligado. Es sentir cada sílaba de las palabras que estas emitiendo, de manera que su unión sea perfecta. Es jugar con las dinámicas para que cada palabra tenga su intención exacta, para que cada palabra sea cómplice absoluta de la que le precede y de la que le sucede. Cantar ligado es unir entre si la emoción que cada palabra tenía en la mente del autor. Y esto es innato. La máxima del legato se alcanza cuando consigues dominar el "canto sul fiato" El canto sobre el aire. El ejemplo perfecto de todo esto fue cuando Jorge atacó el bellísimo pasaje del primer acto en el dúo con Tosca que tanto me gusta:

Quale occhio al mondo può star di paro
all'ardente occhio tuo nero?
È qui che l'esser mio s'affissa intero.
Occhio all'amor soave, all'ira fiero!
Qual altro al mondo può star di paro
all'occhio tuo nero!...

Si en algún momento tomó aire, yo no me enteré. Fue una maravilla. Por que el legato, el fiato, estaban al servicio de la música, de la obra.

Canto sul fiato.

Esta parte es técnica pura. Dominar el "canto sul fiato" es demostrar que te has doctorado en respiración, en apoyo respiratorio, en regulación del aire. Sin esto, no hay canto. Y Jorge de León, al igual que Sondra Radvanovsky, demostraron que esta asignatura del canto la llevan con Matrícula de honor.

El pasaje

En el tenor, esta parte es, literalmete, la diferencia entre una carrera longeva, o perder la voz antes de tiempo. Todo lo aprendido que he comentado antes puede echarse a rodar por un mala impostación del paso. Jorge de León tiene un paso sólido como una roca. No tiene miedo a esta zona, es mas , casi diría que las Fa3 a la3 forman parte de sus notas favoritas. Y lo mas importante: El espectador no nota en absoluto el pasaje, tal es la homogeneidad de la voz.

Y por supuesto, que nadie olvide que sin pasaje no hay agudos. Los agudos de Jorge, como campanas, no serían posibles sin lo comentado anteriormente. Es necesario recalcar esto: Que la técnica de Jorge de León, si bien siempre puede mejorar, es magnífica.

Donde debe mejorar

Esta es la parte que mas miedo me da escribir. No por nada, sino por que ya he tenido ocasión de comprobar que muchas de las cosas que escribo como "fallos" son inmediatamente utilizadas por los "chupones" de turno para copiarlas y pegarlas en los foros e ir de listos e ilustrados. Ya lo he podido comprobar en mas de una ocasión. Pero como la intención de esta parte es la de ayudar en la medida de lo posible, pues voy a ello.

Lo bueno en este caso es que son cosas que es posible que ya estén en la "cocina" preparándose para ser cocinadas.

La voz de Jorge de León, enorme, también es un tremendo obstáculo para el dueño de ella. Mover semejante chorro de voz no es fácil, y así sucede que cuando debe cantar partes largas no recitadas, como la comentada, o las arias, Jorge puede poner en marcha su voz normal. Lo que en el argot se define como "meter voz" y conseguir ese legato, ese sentimiento...todo lo comentado antes. Sin embargo frases cortas como "Vien via!" "Mia sirena, verrò!" La emisión es a empujones. Mas aún; el recitativo:

"Scarpia?
Bigotto satiro che affina
colle devote pratiche la foia
libertina e strumento
al lascivo talento!

(con forza crescente)

fa il confessore e il boia!"

Carece de ese legato que ya hemos comentado. Fue una emisión forzada, lo que hizo que el famoso "La vita mi costasse, vi salverò!" Fuera el agudo más artificial de la noche. Mucho menos "Squillante" que en, por ejemplo, otra página maravillosamente cantada:

"Amaro sol per te m'era morire,
da te la vita prende ogni splendore,
all'esser mio la gioia ed il desire
nascon di te, come di fiamma ardore.
Io folgorare i cieli e scolorire
vedrò nell'occhio tuo rivelatore,
e la beltà delle cose più mire
avrà sol da te voce e colore."

Donde sale un agudo como una campana.

Es en mi opinión donde debe poner énfasis: en desterrar todo esfuerzo al cantar en partes recitadas y frases cortas, por que si bien tiene recursos para conducir la voz hacia su destino, no es muy aconsejable que cada vez que salga a cantar "Tosca" o alguna otra, tenga el Handicap de tener que estar vigilando la voz en según que partes, donde sabes que estás incómodo. Y es en estas partes donde le detecté algún engolamiento.

De todas maneras como digo, puede que a estas alturas todo esto ya esté siendo "cocinado" para mejorarlo, por que una cosa es evidente, al menos por los audios que escuché; Del Chenier para acá ha mejorado mucho. Mejoría que se pone de manifiesto en una Opera en la que debutó en Valencia hace un mes escaso, una sola función, y luego viene a Madrid a sustituir a un compañero. Es decir que lleva mas o menos cinco funciones de Tosca y a la que yo asistí fue de escándalo. Así que tengo toda la confianza del mundo en que continúe por esta senda que le va a llevar a los altares de la ópera.

El futuro inmediato

Que pasa por la Scala en el papel de "Radamés" ¡Un verdadero sueño!!! ¿Demasiado Pronto? Quizá si, pero eso no significa que no esté en disposición de no sacar adelante el papel. Por lo que le escuché ayer, pese a que el papel es tremendo, creo que le va venir muy bien. También es un papel reciente en su repertorio, pero creo que el publico va a saber apreciar muchas de las cosas que aquí escribo. También le sacarán defectos que yo aquí he callado, pero creo, sinceramente, que puede hacer un gran papel en Milán.

Sondra Radvanovsky

La soprano Norteamericana, al igual que Jorge, no es una fina estilista. Pero.....Ese chorro de voz (También de difícil dominio) te arrebata en cuanto abre la boca. Tiene el problema de que no termina de sujetar toda esa fuerza de la naturaleza que tiene en la garganta y algunos agudos salen destimbrados. Destimbrados que no abiertos. Sondra a pesar de todo consigue una mas que aceptable homogeneidad en todos los registros lo que le permite esconder ese timbre un poco metálico en ocasiones.

Sondra no tiene ese legato tan perfecto de su compañero, pero su dominio de la respiración es impecable.

Sondra nos deja además de los agudos páginas memorables como:

Non la sospiri la nostra casetta
che tutta ascosa nel verde ci aspetta?
Nido a noi sacro, ignoto al mondo inter,
pien d'amore e di mister?
Al tuo fianco sentire
per le silenziose......

Cantada con dulzura arrebatadora

o la celeberrima

Vissi d'arte, vissi d'amore,

Donde consigue momentos desgarradores de dolor ante todo lo que la sucede a ella, que ha sido siempre buena cristiana. Cantada a media voz (aunque no lo pareciera) nos deleitó con un agudo final terminado en Pianísimo que puso los pelos de punta al teatro. Pianísimo exponente de la magnifica técnica y apoyo respiratorio que tiene la soprano Norteamericana.

Otro detalle importante de Sondra es que una artista de los pies a la cabeza por que no busca el lucimiento personal apabullando a sus compañeros con la voz; con lo que demuestra además ser una magnífica compañera. Esto es importante, por que al igual que Jorge lleva la obra dentro, está al servicio de la obra que canta, lo que proporciona muchos enteros a su interpretación.

El resto del Elenco

El mejor fue el Sacristán de Valeriano Lanchas. Voz timbrada, potente.
No cae en sonidos espúreos. Es una voz libre y bien proyectada que corre a sus anchas por el teatro. Un fraseo elegante,una actuación verdaderamente convincente: un verdadero lujo de Sacristán. Uno hubiera deseado que Scarpia lo hubiera hecho este hombre en vez del titular del papel: George Gagnidze.

Lo peor de todo, lo mas desesperante es que TIENE material. Y como viene siendo desesperante costumbre, con graves defectos técnicos. Si este hombre fuera capaz de sacar la voz del tubo, desengolar la voz y liberarla, tendríamos una interesante voz de barítono. Es una verdadera lástima que la entrada de Scarpia "Un tal baccano in chiesa!" que a la mayoría de los barítonos que he oído se les atraganta, la resolvió pasando la voz de forma impecable..excepto que se le va para atrás. La voz no le corre y al contrario que algún cantante que logra liberar la voz cantando en "Forte" no es el caso de Gagnidze. La consecuencia de sus limitaciones la paga el personaje que no convence.

Queda por mencionar el "Angelotti" de Felipe Bou, que discurrió sin pena ni gloria.

Pero Palumbo no se va sin su merecido

El director musical Renato Palumbo consiguió desesperar al respetable con una orquestación desmesuradamente alta de volumen. ¿Tenía alguna apuesta hecha a ver si tapaba a Sondra? Si es así no lo consiguió. Aunque el redoble de timbales en el final del "Vissi d'arte" intentando dar un protagonismo a la orquesta, absolutamente injustificado, estuviera a punto de impedirnos escuchar la maravilla que Sondra nos regaló. Si Jorge y Sondra estuvieron al servicio de la música, Renato Palumbo parece que estaba al servicio de si mismo, buscando el aplauso. Quiso ser el niño en la comuión, el muerto en el entierro y el novio en la boda...y casi lo consigue. ¿No hay nadie que pueda decirle al director de orquesta que baje el volumen? Para una vez que hay cantantes de verdad el director trata de evitar que los escuchemos. Háganos un favor Señor Palumbo: No vuelva por Madrid ni de visita.

Rigoletto o el arte de aburrir al público

Pues ayer me tocó la primera de mis dos sesiones de Rigoletto, y me la podia haber ahorrado, sinceramente.

Por primera vez en mi vida me he aburrido en el Teatro. Y es que el ¿espectáculo? ha sido de los peores que he visto. Para comenzar (¡Cómo no!) con la puesta en escena. La foto que abre esta entrada es de este Rigoletto. Al absurdo decorado, una plataforma cuadrada e inclinada con planos cambiantes y de efectos, multiusos que podía ser tanto la casa de Rigoletto, como un cuadrilatero de boxeo, como una casa de putas, se unía lo que es verdaderamente una novedad: Consiguieron cargarse la maravillosa acústica del Real. En efecto, recubrieron las paredes que delimitaban el cuadrilátero de una especie de gasa que entubaba el sonido y lo mataba. Cuando en el Rapto de Gilda parte del coro canta fuera del cuadrilátero y oyes la voz real, que se expande por la sala como es costumbre en el teatro, es cuando te das cuenta de que hay algo que mata el sonido. Al inicio del tercer acto retiran la gasa de las paredes y el sonido de los que cantan dentro mejora. Al menos ya se les oye, porque hay momentos en que a José Bros (qué desastre de Duca el suyo)no se le oye. Se le adivina.

Para completar este primer padecimiento para el espectador, la orquesta. Suena penosa, lo que es ya habitual, con sus desafinaciones habituales, y además contó con la inestimable ayuda del director: Roberto Abaddo, que es malo como la carne de pescuezo. Despues de escucharle me imagino que Mortier le habrá incluido en nómina. Para empezar no sabe sacar el mas mínimo jugo a la partitura. No hay intensidad dramática, no hay colores, matices, nervio. Nada. Plano, plano, plano. Y para colmo en no pocas ocasiones el nivel de afinación de la orquesta alcanzaba limites de orquesta wagneriana, tapando a cantantes, coro, y todo lo que se pusiera por delante. Cuando le entra la vena asesina acelera el ritmo de la musica me imagino que a ver si acaba con el cantante. Mal, muy mal lo pasó FRONTALI en el "corteggiani vil razza"

Los cantantes

José Bros Su linea de GALLEO solo la puede superar el famoso gallo de Gedda en "La donna e mobile" del Liceo hace ya unos años. José Bros hace del gallo, un intento lastimoso de alcanzar el si bemol3, que acaba convirtiendose en un balido desafinado que destroza los oidos por que todavia tiene el humor de sostenerlo durante varios segundos. La voz de Bros se acaba en el sol3. De ahí para arriba es una suerte de desafinos de todos los colores. El Duca de Jose Bros es una ESTAFA. Porque lo poco que le queda, el centro, no dice nada. Plano, soso, sin intención. Y del Re bemol4 del "Possente" no hablamos. Duró menos de un milisegundo, tapado ademas por la orquesta a todo trapo, solo se oyó el intento, que se quebró, y para adentro. Desastroso.



Y aquí tengo que mencionar al tonto de los cojones que existe en este mundo de la ópera. ¿Cuando desaparecerá el imbecil que tanto abunda por las casas de vecinos, por cierto, de no permitir que nadie opine distinto como el? Cuando llegó el turno de los saludos hubo quien gritó "fuera" y abucheos varios a José Bros. Bueno pues cada vez que gritaba un espectador "fuera", el tonto de los cojones gritaba más alto "bravo" y ademas se volvia al que gritaba como retandole a que volviera a gritar "fuera" para el gritar más alto todavia. Si se hubiera limitado a Bravear, pues muy bien, es tu opinión, pero volverse hacia el que gritaba "fuera" retándole es propio de un IMBÉCIL, del típico fascista que tanto abunda, sobre todo, por los foros de ópera. Pero claro, se ve que era fanático de Bros y además de fanático, fascista, e imbécil, estaba sordo.

Frontali Declamó el papel. No transmitió ni un gramo de emocion. Duerme a las ovejas. Flojo, flojo, flojisimo.

Patricia Ciofi La mejor, de lejos. Su voz no es bonita, pero da todas las notas en su sitio, TODAS. Construye un personaje débil psicológicamente, muy logrado. Una linea de canto excepcional. Una gran profesional que hace bien su trabajo. Y el público lo reconoció y aplaudió como merecia.

M.SPOTTI, como Sparafucille, mal; entubado y sin proyeción. Declamó más que cantó.

LUIZ OTTAVIO FARIA, como Monterone, pésimo y apenas se le escuchaba, con unas intervenciones que asustaban de lo poco que se oian.

N.SURGULADZE, como Maddalena, Desafianando, que es Gerundio.

David Rubiera como Marullo. Bastante bien.

El Coro Intermezzo, muy digno y bastante bien.

Y para quitarnos el mal sabor de boca os dejo esto.

Don Giovanni En DIRECT de l’Opéra de Rennes

El día 02 de Junio el canal tematico Mezzo nos ofrecio en directo desde la opera de Rennes "Don Giovanni" con el siguiente reparto artistico:

Orchestre de Bretagne
Direction musicale Antony Hermus
Choeur de l’Opéra de Rennes (direction Gildas Pungier)

Avec :

Don Giovanni: Stephen Gadd

Le Commandeur: Jean-Loup Pagésy

Donna Anna: Angelina Ruzzafante

Don Ottavio: Xavier Moreno

Donna Elvira: Anna Maria Panzarella

Leporello: David Bizic

Zerlina: Bénédicte Tauran

Masetto: Pierrick Boisseau

Figurants Yann Sylvere Legall et Germain Nayl


Mise en scène Achim Freyer, reprise par Frans De Haas. Décors Achim Frayer.

Costumes: Maria Elena Amos.

Después de los últimos Don Giovannis que se habían perpetrado, este ha sido, con diferencia, el más decente en el apartado vocal y musical. De la puesta en escena, verdadera BAZOFIA, MIERDA, BASURA, es mejor no hablar. Solo a un paralitico mental se le puede ocurrir vestir a los personajes de marionetas buscando una suerte de teatro de guiñol, donde ni la mejor buena voluntad puede hacer encajar música con escena. Lo siento, pero los espectadores tenemos que hacer algo para acabar con esta MIERDA que son las puestas en escena absurdas y sin sentido.

Musicalmente hablando: Digno. Un espectaculo digno, con luces y sombras como todo en esta vida, pero teniendo presente que lo positivo se impone.

La direccion musical plana. Suena a Mozart, sospecho que se intentó una version historicista, pero la interpretación es plana y sosa con varios momentos donde el metronomo del director se acelera en algunos casos y en otros se para sin saber por qué: En el "Il mio tesoro" le metió el turbo y yo en mi casa no era capaz de seguirle tarareandola, nada de a plena voz. (Si lo hago a plena voz, muero) En fin, como digo positivo que la esencia de la musica de Mozart estaba allí, al menos.

Los cantantes

Don Giovanni: Stephen Gadd

Lo positivo: Es bajo. No es baritono engolando u oscureciendo la voz. No. Es bajo de verdad. Es una voz muy metálica, poco redonda, pero agil: salvó con nota el "Finch´han dal vino" que es una parte que a cantantes de la talla de George London, por ejemplo, les costó sudar tinta china. Por contra es un poco basto cantando y no tiene el personaje muy bien definido. De todas maneras creo que con el tiempo puede pulir su linea de canto. Bien.

Leporello David Bizic

Baritono de voz mas oscura que la de su "amo", redonda, bien timbrada. Un Leporello esplendido, cantó el aria del catalogo con soltura y desenfado completando un personaje convincente vocal y dramaticamente en adecuado contrapunto a Don Giovanni. Sobresaliente. Uno de los triunfadores de la noche

Le Commandeur: Jean-Loup Pagésy

Bajo dramatico. No me impresiono especialmente, pero no desentonó. Habria que pedirle mas, mucho mas, a su interpretacion del Commendador, pero bueno. Correcto

Donna Elvira: Anna Maria Panzarella

Demasiado gritona, no se si para resaltar su personaje, y con algún que otro pasaje desafinado. Se les olvida que el cabreo del personaje es por amor y deben alternar la furia con la paz del alma. Poco sutil, no terminó de "dar con la tecla" de su personaje. Necesita mejorar

Donna Anna: Angelina Ruzzafante

Es una soprano normal, su mayor virtud fué mejorar a Don ottavio: En efecto, este último mejoraba sus prestaciones cuando cantaba con Donna Anna. Sin embargo su interpretacion, por poner un ejemplo, del aria "Non mi dir, bell' idol mio" fue plana, carente de emoción, como el resto de su personaje. Simplemente podriamos decir que la solfeó, mas que la cantó. Suficiente.

Don Ottavio: Xavier Moreno

Suspenso sin paliativos, rozando el muy deficiente. Tiene voz, vaya por delante, e incluso la adecuada para el personaje, pero le falla la técnica de forma alarmante. Durante el "Dalla sua pace" Ofreció tres colores distintos de voz según le parecía bien. El ataque al sol3 lo hizo o de medio falsete, o medio apretado sin pasar la voz, pero en cualquiera de los casos sin encontrar el apoyo respiratorio adecuado. Y bien por culpa suya, o bien por la del director, se pasó la metrica del aria por el arco del triunfo......Si esto hubiera servido para dar credibilidad al personaje, aun, pero es que este hombre no canta Mozart. Solfea Mozart y lo solfea mal. Además en la escena de las máscaras estuvo desafinado todo el rato.....No me extiendo mas. Muy mal

Zerlina: Bénédicte Tauran

La segunda triunfadora de la noche. Soprano lirico-ligera, cantó con gusto, con intención sin caer en la cursileria o la ñoñeria de otras sopranos. Formó un personaje convincente y por todo ello le perdonamos algún pasaje desafinado, que lo tuvo, por falta de apoyo respiratorio basicamente. Sobresaliente

Masetto: Pierrick Boisseau

Es un baritono "ligerito" pero con la voz timbrada redonda y no tan oscura como la de Leporello. Además me dio la sensación de disfrutar componiendo su personaje y fue de los pocos, por no decir el unico, que dió credibilidad a su disfraz de "marioneta". Muy bien tambien.

Con todo fue un don Giovanni para la esperanza, en el apartado vocal. Son cantantes jovenes algunos, otros ya no tanto, y merecen una oportunidad de demostrar que pueden hacer una buena carrera. De momento demosles tiempo.

Qué Suerte tienen en Valencia!!!!

Que se lo digan al Ministerio de cultura!!!!!!

¡¡¡NO QUEREMOS A MORTIER!!!!!!

¡¡¡QUEREMOS UNA PROGRAMACION COMO LA OPERA DE PARIS!!!!

¡¡¡DELENDA EST MORTIER!!!!!

No hace falta que lo maten. Que no venga. Por favor......

Y ahora a lo que vamos:

Lorin Maazel renueva como director musical del Palau de les Arts dos temporadas más

Valencia (27-4-09).- El Maestro Lorin Maazel ha renovado hoy su contrato como director musical del Palau de les Arts Reina Sofía dos temporadas más.

Lorin Maazel dirigirá a la Orquestra de la Comunitat Valenciana (OCV) un total de 24 funciones por temporada, en las que se incluyen dos nuevas óperas, las reposiciones de los títulos del repertorio del Palau de les Arts que ya estrenó en su momento y los conciertos sinfónicos previstos en la temporada del centro de artes valenciano.

Así lo ha anunciado hoy la Intendente del Palau de les Arts Reina Sofía, Helga Schmidt, en una conferencia de prensa en la que también han estado presentes la Consellera de Cultura i Esport, Trini Miró, y el propio Maestro Lorin Maazel.

“Todo el mundo se congratula de la continuidad del Maestro Lorin Maazel, que en tres años ha conseguido que la Orquestra de la Comunitat Valenciana sea uno de los conjuntos más dinámicos y admirados del panorama internacional”, ha destacado la Intendente del Palau de les Arts.

Lorin Maazel ha apuntado que el componente emocional ha pesado especialmente en su decisión de continuar al frente de la formación titular del Palau de les Arts:

“No soy una persona de origen latino, pero los sentimientos me afectan muchísimo y cuando dije que abandonaba el Palau de les Arts lo hice con mucho pesar. Por un lado por el gran nivel de la Orquestra y el Cor de la Generalitat, la gran calidad artística de la programación y, por otro, por el gran equipo humano que ha formado la Intendente Helga Schmidt. Estas tres temporadas me he sentido muy a gusto y he hecho muy buenos amigos”.

El Maestro Maazel, que ha subrayado además el gran apoyo estos años del President de la Generalitat, Francisco Camps, y la Consellera de Cultura, Trini Miró, ha explicado que en el momento de prorrogar su relación con el Palau de les Arts, “me dije a mí mismo que tenía que revisar mi calendario, no podía dejar a una formación de este nivel sin guía y protector. Ahora que finalizo mi labor como director musical de la Filarmónica de Nueva York, compatibilizaré la dirección musical del Palau de les Arts con la del Festival de Virginia y con la composición”.

Por su parte, la Consellera de Cultura, Trini Miró, ha agradecido en nombre de la Generalitat al Maestro su sensibilidad con los músicos, el Palau de les Arts y el público valenciano e internacional. “Gracias a Lorin Maazel tenemos una de las mejores orquestas del mundo. En tres años hemos batido récords de calidad y con su renovación vamos a seguir por el mismo camino, hacer de la Orquestra de la Comunitat Valenciana nuestra mejor embajadora y que el Palau de les Arts siga siendo un referente dentro del circuito operístico internacional”.

Esta noticia se ha publicado en http://www.beckmesser.com/articulos.php?seccion=Articulos&autor=Beckmesser

Y yo la he aprovechado para seguir mi campaña particular de gritar en la red a los cuatro vientos ¡¡¡NO QUEREMOS A MORTIER!!!

¿Y lo contentos que estaban los franceses con la nueva programacion de Opera que ya se comentó en estas paginas? ¿No les dice nada esto a los responsables?

Ahora que Riccardo Chailly ha quedado libre ¿Por qué no hacen algo útil y le contratan????? Saldria mas barato que Mortier seguro.

Que suerte tienen en Valencia.

Tannhäuser

Parafraseando a Caton DELENDA EST MORTIER
(No hace falta que lo maten, con que no pise el Real es mas que suficiente)

Wagner ha sido un autor reciente en mi vida. Odiado o despreciado por mi publicamente en no pocas ocasiones, ha sabido esperar su momento y, como toda conquista, ésta se ha hecho fuerte en la plaza y ya no la abandona. La primera opera que escuché fué "Lohengrin". Me lanzó al mundo Wagner, me lo abrió, me lo descubrió, pero hoy en dia es quizá la opera que menos aprecio. Tras Lohengrin, cayó en mis manos "El Holandés errante" y "Tannhäuser", obra maestra como pocas habia escuchado, que me enganchó de principio a fin. Si "Lohengrin" me abrió la puerta a Wagner, "Tannhäuser" me llevó "hasta la cocina".

Ya desde la obertura "Tannhäuser" me transporta a un mundo de sueños de irrealidad, mezclado con el despertar al mundo real, un querer despertar y no poder, una pesadilla de dulzura que sin embargo me empalaga y me fuerza a abandonarla.....Así pués, con toda mi ilusión me planté en el Teatro Real el Viernes 27 Marzo dispuesto a escuchar y paladear a mi primer Wagner en directo.

Si la musica de la obertura ya te dice que el peso de la Orquesta debe ser importante, la mala noticia es que para esta velada contabamos con una orquesta de tercera categoria, con una dirección musical, que si bien logra obtener de ésta un resultado decoroso, no es menos cierto que hace una lectura muy plana de la partitura, con el grave defecto de permitir a los metales un predominio que afean el resultado final. Por si esto fuera poco, en el famosisimo "coro de los peregrinos" permite que el coro "tape" a la orquesta. Gravisimo error que resta un 60% de la belleza de este pasaje tan famoso. Suspenso "cum laude". Nominados

Muy deficiente: Robert Gambill. También Nominado

No es posible, o no parece sensato, buscar un elenco equilibrado, dentro de un cierto nivel, aceptable, y que la parte principal se la encarguen a un tenor que de ninguna manera puede cantar "Tannhäuser". Mientras la voz se mantenía en el centro, aún podia ser pasable. Volumen y timbre aceptables, aunque yo echaba de menos mas "peso" en la voz. Pero cuando se acercaba al territorio del "pasaje" (donde está el 90% de la parte del tenor) la voz cambiaba de color. Un sonido lloroso, (a lo Windgansenn, para que se me entienda) pero engolado y atornillado a la nariz. El timbre se tornaba opaco, y el canto se hacia dificultoso. Daba pena oirle. Mucha pena.

Y antes de cerrar esta parte, aclarar que a mi me gusta mucho Windgansenn. Que las comparaciones son odiosas y alguien podria pensar que le criticaba. En absoluto.

A partir de ahora "Los aprobados" aunque mas de uno "necesita mejorar"

Venus: Anna Katharina Behnke. Le falta volumen para acometer operas Wagnerianas. Interpretación sosa, sin ofrecer nada al personaje de Venus. Calante en no pocas ocasiones.

Elisabeth: Edith Haller. Una voz de un volumen considerable. Yo no habia oido a nadie con semejante volumen....pero un vibratto acusadisimo en el centro y una mala resolución en la zona alta donde se destimbraba. Grandes medios. Pobre técnica.

Wolfram: Roman Trekel. No es Baritono para Wagner. No tiene el volumen adecuado, ni mucho menos. La voz es bonita y canta bien, con un fraseo elegante, pero le falta peso a la voz.

Walther, Biterolf, Heinrich der Schreiber, Reinmar von Zweter, correctos.

Landgrave Hermann: Günther Groissböck. Nada especial. Cantó bien su parte. Correcto como los anteriores.

Y el coro??? Pues tras la amenaza de Huelga, curiosidad tenía yo de escuchar al coro, y la verdad es que cantó con un volumen desacostumbrado, gritando bastante la parte femenina del coro. No sé si es que estaban haciendo huelga "a la japonesa" o se estaban reivindicando, pero el caso es que hicieron gala de un volumen excesivo a todas luces, tapando a la orquesta en alguna que otra ocaion con el consentimiento del director musical, que venia a poner su granito de arena en esa especie de "jaula de grillos" en el que se ha convertido el Teatro Real

Y como Este blog no es el sitio adecuado para hablar del servicio municipal de basuras, no comentaré nada de la puesta en escena.

Y como despedida:

Celso Albelo: El triunfador de los Puritanos de Bologna

Celso Albelo está llamado a ser uno de los grandes tenores de este siglo. Condiciones no le faltan para triunfar. Voz bella de timbre, con cuerpo, con volumen. Linea de canto adecuada, con el apasionamiento que merece la obra que interpreta, con cierta gallardia "Krausiana" y no por que sea canario como el admirado maestro, sino por que su forma de cantar, en no pocos momentos, recuerda por su forma de "ir a por las notas" al inolvidable Alfredo Kraus.

Celso Albelo es tenor lírico. No es un contraltino, ni por voz ni por técnica. Esto quiere decir que Rossini es terreno vedado, excepto quizá Guillermo Tell, pero para dentro de unos años, y su repertorio natural es el repertorio del propio Kraus. Donizetti, Bellini, el romanticismo Francés, (será un Wherter referencial creo) Hoffman, Rigoletto y La traviata aunque estos roles verdianos, para dentro de unos años mejor. Y en cuanto a Puccini.....Mejor que no.

Dicho esto pasemos a aquello que, en mi opinion y de manera inexcusable debe mejorar: La cobertura. La técnica de Celso es la adecuada: Un pasaje perfecto en voz natural, no se le nota ni un solo cambio en la voz desde el do2 al si3, lo que le confiere una homogeneidad al canto pocas veces oida....pero falta cobertura. Y esto es mortal si no se corrige.

Escuchemos el primer fragmento "A te o cara"



Si nos fijamos en el Reb4 nos vamos a dar cuenta que es una nota abierta, esparramada sobre la vocal "e", le va a salvar del gallo la vocal "o" que es la que le va a recoger la voz. Celso Albelo tiene dos vocales de emision casi perfecta: la "o" y la "u". son vocales cerradas que se le colocan de manera perfecta en la garganta y son las vocales que mejor conectan con la columna de aire. Por contra la "e" y la "a", sobre todo si no la "oscurece" con un poco de "o", son abiertas y no conectan, de ninguna manera con la columna de aire. El ejemplo del "A te o cara" es palmario y notorio. Y la "i" la emite muy débil, muy poco clara. Y esto también es grave. La "i" no es abierta ni cerrada, pero recoge la voz de manera admirable. La "i" como bien sabía el admirado Kraus, es salud vocal. Observemos parte de lo que he dicho de las vocales en el siguiente fragmento. Observar la "o" (en notas sostenidas) la "i" y la "e" (en notas sostenidas)

Son gia Lontano



Alguien me podría objetar, con toda la razón, que los sobreagudos no se pueden cubrir. Cierto. Pero no es lo mismo atacar el sobreagudo, teniendo como apoyo las notas anteriores con su correspondiente cobertura que no tenerlo. En el primer caso, al girar la voz a voz de cabeza, entran en acción todos los resonadores del cuerpo, pecho mascara y cabeza, apoyados de manera firme en la columna de aire de la respiración. En este caso el cantante no nota la garganta, podría jurar que canta sin garganta. En el segundo caso se ve obligado a "tirar de garganta" (y se nota la tensión en las cuerdas, dolorosa en según que casos) para sostener la nota. (el sobreagudo).

Vamos con otro ejemplo. Aquí tenemos dos sobreagudos abiertos y uno recogido. Os dejo que los detecteis por vosotros mismos ;-)

Vieni fra Queste braccia



Y llegamos al ejemplo final. "Credeasi misera" En el se puede ver un ejemplo de todo lo comentado hasta ahora, junto a una mala ocurrencia: el Fa4. Aunque podemos alabar su valentía, tenemos que censurarle muchas cosas: Lo primero: es un berrido. Lo segundo, es un falsete, y para "volver" a voz real, debe ir en falsete hasta que sale del territorio del sobreagudo. No es falsete reforzado. Es falsete. Y tercero: es absolutamente antimusical. Nota feisima donde las haya. No hacía falta. Un falsete hace mucho daño a la voz, sobre todo cuando no se canta en falsete en ningún momento. Sus maravillosas condiciones ya las ha demostrado con creces mostrando un sobreagudo envidiable, una facilidad endiablada para ir al territorio del do4 re4.....Este tipo de lujos debe evitarlos. Aunque es absolutamente desaconsejable el uso de notas extremas si lo quiere dar, que lo de en voz real. Pero para eso, necesita de forma impepinable resolver el problema principal: La cobertura desde el fa#3 al si3. Y en paralelo a esto, debe conseguir una "i" perfecta. Con esto se asegurará una voz recogida, evitará peligros de abertura y conectará con la respiración. Todo ello en beneficio de su canto y de sus cuerdas vocales. Escuchemos el "Credeasi Misera":



Y poco mas que añadir. Estamos ante un grandísimo tenor. Que lo sea por muchos, muchos años. (Y que nosotros lo disfrutemos ;-))

I Pescatori di Perle

Alfredo Kraus (Tenor - Nadir)
Giuseppe Taddei (Barítono - Zurga)
Pina Margarini (Soprano - Léïla)
Carlo Cava (Bajo - Nourabad)
Italian Radio Chorus Milan

Director:Armando La Rosa Parodi

11/03/1960

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Beverly Sills. La Reina Americana de la Opera

Quizá, junto con Sutherland, mi Soprano favorita. Sentí mucho su muerte y hoy presento mi pequeño homenaje a esta maravillosa cantante.

Beverly Sills (Belle Miriam Silverman, nació el 25 de mayo de 1929 en Brooklyn y fallecio el 2 de julio de 2007 en Nueva York), de origen ucraniano, es quizás la cantante americana más conocida de la ópera de los años 60 y de los años 70.


A la temprana edad de tres años ganó "Miss Beautiful Baby", en la que cantó "The Wedding of Jack and Jill". A los cuatro años apareció en programas de radio por la mañana como "burbujas Silverman". En 1938, apareció en un corto "Uncle Sol Solves it" y comenzó a tomar lecciones de canto con Estelle Liebling. Liebling la animó a que se presentara a una audición para aficionados de la CBS Radio's Major Bowes, y el 26 de octubre de 1939, a la edad de 10 años, Sills fue la ganadora de esa semana.

Beverly con 8 años




Bowes entonces pidió que apareciese en su Capital Family Hour, un programa semanal de variedades. Su primera aparición fue el 19 de noviembre de 1939, en el 17 aniversario del programa, apareciendo con frecuencia en posteriores ocasiones.

En 1945, Sills hizo su debut profesional en una gira de la compañía Gilbert and Sullivan cantando opereta durante varios años. En 1947, hace su debut en la ópera, interpretando a Frasquita, en Carmen de Bizet con la Philadelphia Civic Opera.

Viajó por toda Norteamérica con la Charles Wagner Opera Company, a finales de 1951 canta Violetta en La Traviata y, a finales de 1952, canta Micaëla en Carmen.

Beverly Sills- Sempre Libera- La Traviata



Sills & E. Bastianini "Madamigella Valery?" La Traviata



El 15 de setiembre de 1953 hizo su debut con la San Francisco Opera como Elena de Troya en Mefistofele de Boito y también cantó doña Elvira en Don Giovanni. El 29 de octubre de 1955 hace su primera aparición con la New York City Opera como Rosalinda en El murciélago, cosechando excelentes críticas. Su reputación se amplió con su actuación en la premier de Douglas Stuart Moore, The Ballad of Baby Doe, en 1958.

Beverly Sills as Baby Doe



El 17 de noviembre de 1956 se casó con el periodista Peter Greenough, que tenía tres hijos de una unión anterior, y se trasladó a Cleveland. Tuvo dos hijos con Greenough, Meredith ("Muffy") en 1959 y Peter, Jr. ("Bucky") en 1961. La niña padecia una enfermedad que le conducía a la sordera inevitablemente y Peter era deficiente mental.Como consecuencia de esto Beverly restringió sus actuaciones para poder cuidar de sus hijos.

En 1960, los Greenoughs se mudan a Milton, Massachusetts. En 1962, Sills canta en Manon de Massenet para la Opera Company of Boston, el primero de muchos papeles con Sarah Caldwell. En enero de 1964, canta su primera Reina de la Noche en La Flauta Mágica de Mozart por Caldwell. Aunque la crítica la alabó, Sills no incluyó nunca este papel entre sus favoritos

Beverly Sills as "The Queen of the Night" Die Zauberflote



En 1966, la New York City Opera (NYCO) puso en escena la obra maestra desconocida de Haendel, Julio César (con Norman Treigle como César), y la interpretación de Sills como Cleopatra la lanzó al estrellato internacional.

Beverly as Cleopatra "Da tempeste il legno infranto"



Y de la citada grabación una verdadera maravilla

Va adoro pupile

En temporadas posteriores con la NYCO, Sills tendría grandes éxitos en los papeles de la Reina de Shemakha en Le Coq d'Or de Rimsky-Korsakov, el papel principal en Manon, Lucia di Lammermoor de Donizetti, y las tres mujeres, Sor Angélica, Giorgetta, y Lauretta en la trilogía de Puccini, Il Trittico. Ella también comenzó a hacer las grabaciones de sus óperas, primero Julio César, después Roberto Devereux, Lucia di Lammermoor, Manon, los Cuentos de Hoffman y otros.

Beverly Sills "Spargi d'amaro pianto" Lucia di Lammermoor




"Verrano a te" Con Alfredo Kraus


En 1969, Sills cantó Zerbinetta en el estreno americano de la versión de 1912 de Ariana auf Naxos de Richard Strauss con la Sinfónica de Boston. Su actuación, sobre todo la aria de Zerbinetta, " Grossmächtige Prinzessin" que ella cantó en tono más alto que el original provoco una ovación de mas de 18 minutos. El segundo acontecimiento del año fue su estreno como Pamira en el Sitio de Corinto de Rossini en La Scala, En 1971 consiguió la portada de la revista Time, etiquetándola como " la Reina de América de Ópera ". El título era apropiado porque Sills deliberadamente había limitado sus contratos de ultramar debido a su familia. Sus apariciones principales de ultramar incluyen estrenos en el Covent Garden de Londres, La Scala de Milán y en Nápoles, el Vienna State Opera, Lausana en Suiza, y conciertos en París.

En Sudamérica, ella cantó en las casas de ópera de Buenos Aires y Santiago, y apareció en varias producciones en Ciudad de México, incluyendo a Lucia di Lammermoor con Luciano Pavarotti.


Aunque el tipo de voz de Sills fuera caracterizado como " una coloratura lírica ", ella canto papeles más pesados, más asociados con sopranos spinto cuando ella fue avanzando en edad, (las Reinas Tudor de Donizetti - Anna Bolena, María Stuarda, y Roberto Devereux.) Esta adaptacion de su voz a papeles mas dramticos pudo
tener un coste; Sills más tarde comentó que Roberto Devereux " acortó su carrera al menos cuatro años ".

Beverly Sills as Queen Elizabeth




Beverly Sills - Roberto Devereux - 1971



Al final de su carrera cantó en muchas ciudades pequeñas y en numerosas series de conciertos de colegio, llevado su arte a muchos que nunca podrían verla sobre el escenario en una ópera .Cantó tambien en conciertos con numerosas orquestas sinfónicas. Sills hizo un gran esfuerzo por popularizar la ópera mas que cualquier otro cantante de su epoca por sus muchas apariciones en programas de entrevistas, incluyendo aquellos con Johnny Carson, Dick Cavett, Miguel Douglas y Dinah Shore. Sills aún tuvo su propio programa de entrevistas, " Modos de vivir con Beverly Sills " en la NBC.

Beverly Sills - Una Voce Poco Fa!! (1971)




Beverly Sills - Dunque io son! - Il Barbiere Di Siviglia



En 1978, Sills anunció que se retiraría el 27 de octubre de 1980, en una fiesta de despedida en la New York City Opera. En la primavera de 1979, comenzó como codirectora de la NYCO, y pasó a ser su directora general exclusiva desde finales de aquel año, un puesto que mantuvo hasta 1989, aunque ella permaneciera en el consejo de la NYCO hasta 1991. Durante su tiempo como directora general, Sills también se dedicó a varias causas de las artes y organizaciones benéficas.






A partir de 1994 hasta 2002, Sills fue la presidenta del Lincoln Center. En octubre de 2002, acordó servir como presidenta de la Ópera Metropolitana, de la cual ella había sido miembro del consejo desde 1991. Dimitió como presidenta en enero de 2005, citando la familia como la razón principal (ella finalmente tuvo que ingresar a su marido, a quien se había dedicado durante más de 8 años, en una clínica de ancianos). Se quedó bastante tiempo para supervisar los nombramientos de Peter Gelb, anteriormente jefe de Sony Classical Records, como Gerente general del MET (The Metropolitan Opera of New York), quién sucedió a Joseph Volpe en agosto de 2006.

Peter Greenough, el marido de Sills, murió el 6 de septiembre de 2006, a la edad de 89 años. Fue invitada al programa The View en la Best Friends´Week el 9 de noviembre de 2006, como mejor amiga de Barbara Walter. Ella dijo que ya no cantaria más, ni en la ducha, para conservar el recuerdo de su voz.

Intentar dar una idea de la magnitud de su carrera en una pagina de Blog es imposible. Los videos que he elegido no se si son los mejores, pero ante todo son una maravilla. La voz de Beverly era la voz del cielo. Y su sensibilidad y su arte en pocas sopranos las encontraremos. En las actuales ninguna. Y llama la atención, por lo penoso, que hoy en dia una Mediocridad como Ana Netrebko esté en los altares de la Opera.

Regalo para los oidos

A disfrutar!!!!

La Favorita "Una Vergine"



Duo de pescadores de Perlas.



Alfredo Kraus "Je crois entende" Les Pecheurs des perles



Alfredo Kraus "Com'e gentil" Don Pascuale 1958 (De la Pelicula Gayarre)



Alfredo Kraus "La donna e mobile" Rigoletto 1958(De la Pelicula Gayarre)



Kraus canta el "Ave Maria" de Gounod



Ah, mes amis - Fille Contest - Alfredo Kraus



Don Alfredo y otra de mis debilidades: Francesco Paolo Tosti canta "Aprile"



No hace falta decir que siento algo de debilidad por Don Alfredo....

Y para terminar otra perla:

TITO SCHIPA PRINCESITA 1928 (spanish)

La Opera que me enganchó a la Opera.

Pues sí, parece un topicazo, pero esta fue la Opera que me descubrió este fascinante mundo. No es que antes no hubiera escuchado nada...recuerdo que mi madre me hizo escuchar, libreto en mano, "Marina" con Alfredo Kraus, Francisco Kraus, Pilarin Alvarez....pero no se puede decir que aquel intento prosperara. No me aburrí, pero tampoco me enganchó.

Pero un buen día, yendo en coche a mi casa, mi padre, poco aficionado a la opera pero que le encantaba el aria de Radamés, vaya ud a saber por qué, puso un casette en el coche y me dijo: mira como canta este tío....

http://media.putfile.com/Celeste-Aida-84-46

El aria no me enganchó, de hecho sigue sin hacerme mucha gracia, pero todo cambió cuando llegó esto...

http://media.putfile.com/Su-del-Nilo-al-Sacro-lido

Una parte de la Opera que me gusta especialmente, más incluso que la hiper famosa marcha triunfal del 2 Acto. Así, durante el resto del viaje llegamos a la marcha triunfal, ya comentada, y una vez en mi casa terminé de escuchar la opera completa. Aquellos casettes pasaron a mi propiedad y fueron literalmente borrados de tantas veces que escuché la Opera. De tanto escucharla me acabe aprendiendo la parte del tenor, con letra y todo, no crean, y no pocas veces me la cantaba entera. Mis padres nada decían, así que o no me oian, o se tapaban los oidos, o muy mal no lo debía de hacer.....

Aquella opera no solo me descubrió la opera sino me descubrió la voz de tenor. Fué mi primer tenor favorito, y hoy en día, muchas grabaciones de cuando era mas joven, me siguen gustando. De hecho, la primera opera que vi en teatro fue "Tosca" en el Teatro de la Zarzuela, aquel año que perdimos la Eurocopa de Francia. Fuí a la ópera el día de las Semifinales y recuerdo el larguísimo segundo descanso....que coincidió con la tanda de penaltis que dio el triunfo a España. Cantaba Placido, por supuesto,......y me decepcionó un poco, dicho sea de paso.





Pero volvamos a esta Opera. En aquellos días fue mi ópera favorita indiscutible,hoy en dia es "Don Carlos" sin discusión, dentro de la opera Italiana. Dentro del mundo Wagneriano Parsifal y la Walkirya luchan duramente con el Tristan para ocupar el primer puesto....

Por aquel entonces ya era capaz de descartar algunas partes, e incluso saltármelas. Me aburría un poco el primer aria de Aida "ritorna vincitor" y el comienzo del segundo acto entre Amneris y Aida.

Recuerdo tambien que la famosa escena triunfal, no me dejaba un poso espectacular. La famosa marcha dejaba paso a una escena donde la aparicion de Amonasro era lo único destacable. Para mi gusto, claro está.

http://media.putfile.com/Ma-tu-re


Y llegamos al que a mi me parece el mejor acto de toda la obra. El tercero, una verdadera obra maestra, que se abre con esa estremecedora aria "Oh patria mia" seguida del no menos dramatico "Ciel!! mio padre!!" Aquí os dejo dos versiones: una de ellas, la que he extraido de aquella primera Aida que escuché, en la version de Leinsdorf con Placido Domingo, Leontyne Price, Sherril Milnes, Ruggero Raimondi, Hans Sotin. Y la segunda versión en vivo con George London como Amonasro y Aida - Zinka Milanov en una grabación del año 53 en el Metropolitan. Esta versión me gusta bastante, y no por la Aida, gritona hasta mas no poder, sino por el inmenso Amonasro de London..

http://media.putfile.com/O-patria-mia


http://media.putfile.com/Ciel-Mio-padre


http://media.putfile.com/Ciel-mio-Padre-London





El tercer acto continúa con la salida de Radamés, incauto e inocente a mas no poder, que se deja seducir, como un Amfortas cualquiera :-)) , por una mujer, lo que le va a costar su espada, su libertad...y una profunda herida de arrepentimiento que le va a llevar a depositar su destino en manos de los dioses....que lo condenan a muerte como no podía ser menos. Y eso que tuvo la oportunidad de redimirse, puesto que una mujer, otra, Amneris, le dio la oportunidad de evitar el castigo, por amor hacia el....Y aquí Radames no imita a Tanhaüser...mas bien con la muerte de Aida y Radamés podriamos estar asistiendo al final del "Tristán" ya que el amor de Aida y Radamés solo podia ser posible en la noche; una esclava, con el futuro faraón, era un amor fuera de todas las miradas.....que solo era posible en la noche, en la oscuridad....en la muerte a fin de cuentas.

http://media.putfile.com/La-Fatal-piedra

Mis tenores favoritos: Aureliano Pertile

Inaguro esta serie dedicada a voces inimitables, con la legendaria voz de uno de los mejores tenores de la epoca grabada. Quizá no sea un tenor muy conocido, sea por la distancia en el tiempo, sea por que ha sido eclipsado por colegas suyos de la talla de Miguel Fleta, o Enrico Caruso, pero quien no le conozca podra escucharle a traves de los ejemplos que dejo en esta serie y disfrutar con una voz única, por timbre, por emoción, por musicalidad.......por muchas cosas que nos recuerdan que, posiblemente, las voces del pasado nunca volverán.


El tenor Aureliano Pertile nació en Montagnana, el 9 de noviembre de 1885. En esta ciudad cercana a Padua, vendría también al mundo, pocos días antes, otro futuro colega suyo, Giovanni Martinelli.
Dicen los expertos que la voz de Pertile no era especialmente agradable. Como contrapartida, aseguran, "el cantante era músico, expresivo, mesurado, dotado de una magnífica condición escénica y, además, un verdadero profesional. Inutil decir que es una de mis debilidades, por cuanto pocos cantantes me logran transmitir una emocion sin limite. Y como muestra:

Ah! non v´avvicinate (Manon Lescaut)

Debutó Pertile en el Teatro Eretenio de Vicenza, hoy desaparecido, en el rol de Lionello en 'Martha', en febrero de 1911. Participa poco después en el estreno italiano de 'Quo Vadis', de Nogues. Canta en el Dal Verme de Milán (1912, 'I Pagliacci' y 'Andrea Chénier') y se embarca en 1913 en su primera gira por América del Sur (Chile, Argentina y Uruguay).
Sus siguientes presentaciones serán en el Massimo de Palermo, San Carlo de Nápoles, Costanzi de Roma (hoy Teatro de la Ópera), Regio de Turín... (1915), Comunale de Bolonia... (1916).
Su debut en La Scala tiene lugar el 22 de febrero de 1916, con 'Francesca da Rimini', de Riccardo Zandonai.





G.Puccini - MANON LESCAUT






Aureliano Pertile canta "I Pagliacci"

En el Teatro Real de Madrid se le admiró al año siguiente, durante la temporada de 1917: 'Aida' (13, 14, 15, 21, 25, 29 de enero; 1, 4, 12 de febrero), 'Tosca' (20, 23, 28 de enero), 'Un ballo in maschera' (18 de febrero), 'Madama Butterfly' (22, 25, 27 de febrero; 3 de marzo) y 'Carmen' (15, 18, 24, 25 de marzo). Ese mismo año fue designado por Puccini para funciones de 'La rondine' en Génova.
En 1918, gran éxito en el Colón de Buenos Aires con 'Carmen', 'Aida' (en la foto) y 'Pagliacci', coliseo al que regresará en 1923 (con 'Aida' y 'Lucia de Lammermoor') y 1926 ('Nerone' de Boito, 'Iris' y 'El Trovador').
Cantó también en Estados Unidos ('Louise' en Filadelfia, diciembre de 1921, junto a Geraldine Farrar; y doce funciones en el Metropolitan ese mismo año con 'Tosca', 'Manon Lescaut', 'Louise', 'Cavalleria rusticana', 'Boris Godunov', 'Aida' e 'I Pagliacci'), pero sus mayores éxitos los cosecharía en Italia.

Amor ti vieta (Fedora)

Regresa Pertile a La Scala, reclamado por Toscanini, el 22 de marzo de 1922, como Fausto en 'Mefistofele'. En este coliseo interpretará treinta y cinco óperas durante catorce temporadas consecutivas. Entre ellas, el estreno del 'Nerone' de Boito, en 1924, y del de Mascagni, en 1935. Fue primer tenor de La Scala hasta 1940.



Cigno Fedel (Lohengrin)

Se despidió de los escenarios en Roma, 1946, con el 'Nerone'de Boito. A partir de ese momento, se dedicó a la enseñanza en el Conservatorio de Milán y en la Escuela de Perfeccionamiento de La Scala. Falleció en Milán, el 11 de enero de 1952.



P. Mascagni Iris

Hoy en dia, por desgracia, ya no hay tenores así. Con una voz de lirico spinto, rozando el dramatico, Pertile lograba transmitirnos el alma del personaje. Su mejor interpretación sin duda, la tenemos en Manon Lescaut, de la que solo tenemos pocos fragmentos cantados. Operas completas suyas, que yo recuerde, Carmen, Aida, y "El Trovador" Esta última es la que se os ofrece aquí.





Giuseppe Verdi: Il Trovatore

Aureliano Pertile (Manrico)
Maria Carena (Leonora)
Apollo Granforte (Il Conte di Luna)
Irene Minghini-Cattaneo (Azucena)
Bruno Carmassi (Ferrando)
Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano
Carlo Sabajno (cond.)
Recorded 1930.

Primera parte

Segunda parte