domingo, 13 de abril de 2014

Black, el payaso / Pagliacci





Black el payaso
Opereta en un prólogo y tres actos de Francisco Serrano Anguita, basada en la novela La princesa de los clowns (1923) de Jean-José Frappa
Música de PABLO SOROZÁBAL

Estrenada en el Teatro coliseum de Barcelona, el 21 de abril de 1942

Pagliacci
Drama en un prólogo y dos actos de Ruggero Leoncavallo
Música de RUGGERO LEONCAVALLO
Estrenado en el Teatro dal Verme de Milán, el 21 de mayo de 1892
Nueva producción del Teatro de la Zarzuela

FICHA ARTÍSTICA
Dirección musical:
Donato Renzetti

Dirección de escena:
Ignacio García
Escenografía:
Miguel Ángel Coso y Juan Sanz
Figurines:
Pepe Corzo
Iluminación:
Francisco Ariza

Black el payaso (reparto)

LA PRINCESA SOFÍA DE SUREVIA: María José Moreno

LA CONDESA DE SARATOV: Trinidad Iglesias;

 BLACK: Fabián Veloz

 WHITE: Rubén Amoretti;

CARLOS DUPONT: Javier Galán;

GREGORIO ZINENKO: Miguel Palenzuela;

 HENRY MARAT: José Manuel Montero;

EL BARÓN DE ORSAVA: Miguel Sola;

BAYDAROV: Jorge Merino;

 EL DIRECTOR DE ESCENA: Emilio Gavira

Pagliacci (reparto)

NEDDA: María José Moreno

 CANIO: Jorge de León

TONIO:; Juan Jesús Rodríguez

BEPPE: Miguel Borrallo;

 SILVIO: David Menéndez

Orquesta de la Comunidad de Madrid
Coro del Teatro de La Zarzuela
Director: Antonio Fauró

Prólogo

De nuevo, el día 6 de este mes de Abril de 2014, volvimos a acercarnos al que en los dos últimos años ha sido el teatro más visitado: El Teatro de la Zarzuela. No es casualidad. Precios para todos los bolsillos, y una programación más que atractiva reclamaban nuestra presencia. En esta ocasión un brillante programa doble: "Black el payaso" y "Pagliacci", una novedosa combinación de Zarzuela + Ópera con un nexo común: el mundo del circo, o más bien, el teatro dentro del teatro.
Las historias que nos contaban ambas obras eran más bien dispares. Un argumento simple, en "Black el payaso" seguido de una historia dura: La de "Pagliacci" que termina muy mal. Historia que provocó en algún niño, que asistía al teatro, un grito de horror cuando Canio apuñala a Nedda: Es el triunfo del lenguaje universal del teatro y de todos los que lo hacen posible. Sin teatro, como medio de comunicación,  no existiría la ópera.

Y no deja de resultar irónico que en estos tiempos de efectos especiales en el cine que continuamente buscan meternos dentro de la historia que nos cuentan, a través de la vista, un niño nos demuestre que es posible, solo con un montaje inteligente, transportarnos allí donde el cine, con su mega-ultra-modernidad no llega: A respirar el mismo drama que los personajes: Tan fácil de decir, tan difícil de entender para la gran mayoría de los "registas" de nuevo cuño, prestos a destrozar la historia con sus absurdos montajes que no aportan nada.

Afortunadamente para los que asistimos al Teatro de la Zarzuela, nos encontramos con el trabajo, excelente trabajo de Ignacio García. En "Black el payaso" la escena, era un personaje más de la historia, tal era el dinamismo que aportaba.  Una escena viva que con personajes del circo que continuamente entraban y salían como si de una función se tratara, aportaba un diálogo no escrito, pero perfectamente audible, sin distraer, sin convertirse en protagonista, pero dando fluidez a la historia.

Para "Pagliacci" Ignacio García opta por un montaje más simple, pero tan sórdido como la historia: Solo con el vehículo que se supone traslada la "Troupe" y que al mismo tiempo hace de escenario, más la logradísima sensación nocturna, oscura,  no solo por la hora del día, sino por el retrato de las cataduras de los personajes que compiten entre sí por caer lo más bajo posible, solo con eso, que no es poco,  llena el escenario. No hay elementos superfluos.  El espectador respira esa atmósfera de miedo, de bajeza moral, que respiran los personajes.

Dramáticamente los personajes están muy trabajados y los cantantes consiguen retratos muy exactos de ellos. Canio es un personaje que "da miedo" y el espectador llega a percibir el peligro que emana del protagonista, acentuando ese contraste entre la "inocencia" del payaso vestido de un blanco puro, y la realidad del ser humano, de alma negra, que lo da vida.

Acto I "Black el payaso"





A menudo ocurre, y esta es la grandeza de los compositores, que una historia simple, casi absurda, se vea contada por medio de una música bellísima. Música llena de aires eslavos, que me recordaban mucho a otra deliciosa obra del mismo compositor: "Katiuska", melancólica, sin ser triste, mas bien centrada en la realidad, y no en la ilusión que la profesión del protagonista debe repartir entre su público, "decid que amáis a Black el payaso" repite hasta la saciedad el protagonista, imponiéndose a si mismo no cegarse ante el lujo y el esplendor de la corte, donde de forma inesperada  ha sido llevado en calidad de rey. Hay pocos momentos cómicos, y los que salen sorprenden que pasaran la censura "Ya no quieren ser reyes ni los payasos" es una frase que a día de hoy tendría, por desgracia, más vigencia que en la época que fue escrita....No sé si entonces motivaría la risa del público. Pero hoy, desde luego que sí.

Para dar vida a los personajes de la obra, contamos con un reparto que por desgracia no estuvo a la altura. Ni siquiera el director musical estuvo a la altura de la obra, por mucho que elevara los decibelios de la orquesta. A pesar de su lectura plana, de un inusitado volumen orquestal, la música, solo ella, me hicieron terminar la obra con satisfacción. Pero al director musical lo hubiera deportado a Siberia, "a contar árboles" que parece ser la única tarea que hay por allí.

No puede ser excusa el desconocimiento de la partitura, ya que a lo largo de su vida se habrá enfrentado a muchas obras desconocidas. Y dudo que a todas le haya dado el mismo tratamiento plano y en "Mezzo-Forte" que le ha dado a "Black". Tampoco puede servir de excusa "El costumbrismo" por que la música tiene aires eslavos. No es una obra "castiza" que cueste trabajo asimilar la lectura adecuada...Todo parece apuntar a un "sacarse de encima" la Zarzuela, para atacar cuanto antes la ópera, obra más conocida. Suspenso en todo el compás, para Donato Renzetti.

EL DIRECTOR DE ESCENA: Emilio Gavira (actor)

El triunfador de la obra sin ninguna duda,  Hizo de narrador de la obra, de hilo conductor de enganche armónico entre la historia que la música contaba y la parte que la música callaba. Sin duda mucha parte de la responsabilidad de que la función fuera tan disfrutable la tiene Emilio Gavira. Gran ACTOR, y gran TRABAJO el suyo. No se echaron de menos los diálogos. Merece por este motivo la primera mención.

BLACK:  Fabián Veloz (barítono)

Fabián es un barítono lírico, de voz escasamente timbrada.que no destaca por un bello color baritonal, mas bien al contrario, exhibe un sonido áfono, con pocos graves y una subida al agudo abierta. Su canto es monótono  sin matices, El día que fuimos la  voz no le corría por la sala y que era fácilmente tapada en cuanto que la orquesta empezaba a sonar, sin que esta llegara a rendir al máximo.

WHITE:  Rubén Amoretti; (bajo)

Rubén Amoretti tuvo mas o menos los mismos problemas que su colega: Una voz pequeña, sin grandes graves, mejor timbrada, pero igualmente monótona en el canto Es otra voz que no corría por el teatro. Cumplió sin mas aunque me gustó mas que la de Black.

CARLOS DUPONT: Javier Galán; (tenor)

Pese a anunciarse como barítono, y haber cantado la parte de Black en alguna ocasión, en absoluto se le puede considerar barítono, ni por timbre, ni por color de la voz, ni por giro de la voz, Otra cosa es que acometa papeles de barítono en Zarzuela debido a la tesitura escrita para estos. A diferencia de sus otros dos compañeros antes mencionados, la voz de Galán si que corría bien por el teatro. Es una voz timbrada, aunque su timbre no sea bonito, mas bien lo contrario, y de fácil agudo. El problema, lo que hace que este cantante sea no apto para pisar un escenario, serio, como es el teatro de la Zarzuela, es su fraseo. Particular donde los haya. Javier Galán convertía en "e" y algunas "aes" a toda vocal tenida. En cuanto la partitura anunciaba una duración de la nota superior a la negra, la vocal escrita para esa nota se transformaba en "e", y esto es algo que me parece absolutamente impresentable.

LA PRINCESA SOFÍA DE SUREVIA: María José Moreno. (Soprano)

Solo la voy a mencionar aquí. Y nada más que  para decir una cosa. El público paga por el espectáculo completo. No es de recibo que esta señora cante este papel a media voz, en modo "ensayo general" para luego darlo todo en el papel operístico. Si considera que los dos papeles son "Mucha tralla" que solo cante uno, pero que lo haga a plena voz. Decepcionante y muy enojosa la actuación de esta cantante.


LA CONDESA DE SARATOV: Trinidad Iglesias;(?¿)

Voy a ser sincero: No sé que clase de voz tiene, por que el 90% de su papel no se oyó. Sin sonar la orquesta era difícil oírla, así que imagínense cuando cantaba en conjunto o tocaba la orquesta. Absolutamente inaudible.


HENRY MARAT: José Manuel Montero; (Tenor)

Dentro de los comprimarios posiblemente el mas aprovechable. Sin ser una voz descomunal, al menos está timbrada, la voz corre, y creo que fue la única que logró pasar la orquesta cuando esta sonaba en todo su esplendor.

Coro del Teatro de La Zarzuela

Sobresaliente como nos tiene  acostumbrados. Lo único que no termino de averiguar es por que le hacen cantar en "Mezzo-Forte" todo el rato. Gran trabajo también del coro del teatro.

¿Y del resto de personajes? Mejor hacemos "Mutis por el foro"

Telón.

Para amenizar el entreacto, "Hacer de un mísero payaso" por Renato Cesari. versión que a mi, personalmente, me gusta mucho.


           


    Acto II "Pagliacci"




Uno de los grandes atractivos de este segundo título es, ¿Para que negarlo? la presencia del barítono Juan Jesús Rodríguez. Mucho más incluso que la presencia de Jorge de León, al que había escuchado por última vez en directo hacia dos años, en la "Tosca" del Real, y desde entonces sólo lo había escuchado por vídeo o por radio, con resultados bastante decepcionantes. Necesitaba volverlo a escuchar en directo y esta era la ocasión.

Pero antes estaba Juan Jesús Rodriguez. Su descomunal actuación en las "Marinas" de hace pocas fechas lo habían convertido en uno de los grandes reclamos de este título. Confieso que me llevé un chasco cuando anunció que no cantaría los dos papeles en la misma función: O hacía Black, o hacia Tonio, pero no los dos juntos. Me decepcionó, pero me pareció lo mas honrado si consideraba que era demasiada "Tralla" para la voz cantarse los dos papeles;  prefería hacer uno bien y a tope, decisión que considero no solo acertada para sí mismo, sino de respeto al público.

Y no decepcionó. El primer plato fuerte esperado es el famosísimo "prologo" que aquí traigo. No es el del día de la función, pero no hay diferencia alguna.

Juan Jesús Rodriguez "Si può" (Pagliacci)


                      

TONIO: Juan Jesús Rodríguez(barítono)

Una voz de barítono de verdad, por timbre, color, por técnica.... Un centro timbradísimo, ancho , cálido, que acaricia los oídos, es un centro que cautiva por la cantidad de matices que muestra. La zona alta del registro no tiene secretos para Juan Jesús: Una técnica sobresaliente que le permite cantar en esta zona sin que su voz pierda color ni brillo: El ataque al agudo es valiente, proyectando la voz hacia la última butaca del teatro. Su técnica es un curso en directo de cómo se pasa la voz, de cómo se deja paso al sonido, de cómo se cubre una voz, sin perder color, ni brillo, ni homogeneidad, de cómo se mantiene la belleza del color baritonal de la voz, esté en la parte de la partitura que esté.

Dramáticamente el personaje está muy bien trabajado. Como todos los personajes de la obra, cuando no están maquillados, son personajes de una bajeza humana sin límites. Enamorado de Nedda que se ríe de el, planea vengarse, y cuando descubre a Nedda poniéndole los cuernos a su marido con Silvio, no duda en avisar a Canio para que los pille "in fraganti". Cosa que consigue, y que provoca el drama que está por llegar. Si Canio no mata a Nedda en el momento es por que el propio Tonio le recomienda prudencia para que el amante se muestre y se pueda vengar de él y sobre todo que se prepare para la función. Canio se muestra conforme y no puede por menos que lamentarse: 

CANIO: Jorge de León (Tenor)


Recitar! Mentre preso dal delirio,
non so più quel che dico,
e quel che faccio!
Eppur è d'uopo, sforzati!
Bah! sei tu forse un uom?
Tu se' Pagliaccio!
Vesti la giubba....

Jorge de León es un tenor lírico ancho, en mi opinión. Hay quien le califica de "spinto" pero a mi no me lo parece. Son opiniones. En cualquier caso son minucias. Por que lo importante es que un cantante me ponga los pelos de punta, en el teatro. Y Jorge, en esta función, volvió a conseguirlo. 
El "Recitar! Vesti la giubba," que se marcó fue sencillamente de escándalo. Hubo quien pidió el "bis" y no era ninguna exageración. 
Técnicamente de dos años para acá ha experimentado una notable mejoría en el centro, más homogéneo, donde ya no hay esas diferencias que había entre las partes mas declamadas y las más ligadas. De ello se benefician la zona de paso y el agudo ya que el ataque  a estas zonas se produce con mas seguridad, y por supuesto, no le cambia el color de la voz en ninguna parte de su tesitura. 
Del agudo.. pues es verdadero placer encontrar un tenor que además de cantar en el centro meta esos "trallazos" arriba. Pero puede mejorarlo. Puede y debe, y para ello debe mejorar el paso. 
La voz está recogida, cierto, pero necesitaría más cobertura, por que de lo contrario terminará abriéndose. El problema es que tal como ataca el paso, donde no usa prácticamente el resonador de máscara, es muy difícil aplicar mayor cobertura. Jorge en mi opinión, debería llevar hacia adelante la voz en el paso, buscar la máscara, cubrir mas la voz, para evitar ciertas notas que tienden a irse para atrás, en particular con la "e" que no parece ser su mejor vocal. 
Dramáticamente compone un personaje que "da miedo" incluso sin abrir la boca. Cuando lo hace, se masca la tragedia. 
Yo lo que oí en el teatro me pareció excelente. No necesita mas que mejorar algo la técnica. He oído por radio cosas muy raras que no quiero volver a oír. Con lo que oí en el Teatro, tiene voz mas que de sobra, y carácter para atacar un "Radamés" o un "Manrico" sin buscar "mas carácter" que no le hace falta. Y lo que si debería evitar hasta dentro de un tiempo, que la voz no le ensanche un poco, los "Calaf" y los "Otello". 

 SILVIO: David Menéndez (Barítono)
Cumplió sin desentonar, lo que tiene su mérito, en el dúo con Nedda. Alguna nota "calada" pero nada importante. Bien.

BEPPE: Miguel Borrallo; (tenor)
La parte que le corresponde a este personaje, es de las mas afortunadas para un comprimario, tiene un aria para lucirse y poco más que hacer. Sin embargo pasó sin pena ni gloria, en una interpretación aburrida del aria. Si a ello unimos una tendencia molesta a "calar" las notas podemos decir, sin ningún temor a equivocarnos, que fué el más flojo del reparto.
Telón
Epílogo
Como en otras ocasiones he comentado, el trabajo de Paolo Pinamonti al frente del teatro de la Zarzuela es de notable alto. Le falta para llegar al sobresaliente cuidar más las voces que pisan el escenario. La diferencia entre la primera obra y la segunda es abismal. Y si en "Black el payaso" a pesar de todo disfruté, lo fué por la música, la maravillosa música del maestro Solozábal, por que las voces, lo siento mucho, no me parecieron dignas de este teatro.
Telón
* Fotos sacadas de la web del teatro de la Zarzuela. 








sábado, 1 de febrero de 2014

La Sonámbula y Celso Albelo en el Liceo de Barcelona.

La Sonámbula

Opera semiseria en dos actos. Libreto de Felice Romani basado en La Somnambule de Eugène Scribe y Germain Delavigne, y La Somnambule ou L’arrivée d’un nouveau seigneur de Eugène Scribe y Pierre Aumer. Música de Vincenzo Bellini. Estrenada el 6 de marzo de 1831 en el Teatro Carcano de Milán.
Una coproducción de la Ópera de Viena y el Covent Garden.




DIRECCIÓN MUSICAL
Daniel Oren

DIRECCIÓN DE ESCENA
Marco Arturo Marelli

ESCENOGRAFÍA E ILUMINACIÓN
Marco Arturo Marelli

VESTUARIO
Dagmar Niefind

ILUMINACIÓN
Friedrich Eggert

COPRODUCCIÓN
Wiener Staatsoper (Viena) / Royal Opera House Covent Garden (Londres)

Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu

REPARTO

Amina Patrizia Ciofi 27 y 30 Ene, 2, 5, 8, 11, 14 y 17 Feb
        Annick Massis 28 Ene, 1, 4 y 9 Feb

Elvino Juan Diego Flórez 27 y 30 Ene, 2, 5, 8, 11, 14 y 17 Feb
       Celso Albelo 28 Ene, 1, 4 y 9 Feb

Comte Rodolfo  Nicola Ulivieri 27 y 30 Ene, 2, 5, 8, 11, 14 y 17 Feb
               Michele Pertusi 28 Ene, 1, 4 y 9 Feb

Lisa Eleonora Buratto 27 y 30 Ene, 2, 5, 8, 11, 14 y 17 Feb
Sabina Puértolas 28 Ene, 1, 4 y 9 Feb

Teresa Gemma Coma-Alabert

Alessio Alex Sanmartí

Un notari Jordi Casanova

Una obra que no necesita regalar entradas.

No. Para llenar un teatro de ópera solo es necesario dar al público lo que pide. Atraerle al teatro con propuestas que no le hagan dudar de gastarse el dinero.Que es un bien escaso y más hoy en día. Gestionar un teatro de ópera es más fácil de lo que parece, si se trabaja para el público. Cuando se hace para satisfacer egos propios mal curados sucede lo que en Madrid: Que para evitar 1/3 del aforo vacío en un anunciado a bombo y platillo estreno mundial de algo que cuesta trabajo llamar ópera, haya que regalar las entradas, prácticamente.

Y es que la ópera es un espectáculo que resiste agónicamente los ataques de tantos mal llamados aficionados, que solo lo son de ellos mismos, dispuestos a ocupar un teatro y convertirlo en su coto particular. En tal acción los grandes perjudicados son los aficionados de verdad, que disfrutan, pese a lo que pueda parecer, de una diversidad de estilos y títulos que abarcan 4 siglos repletos de obras maestras.

Y la ópera resiste por que todavía quedan voces, muy pocas, pero quedan, de verdad. Voces que no necesitan mas que de si mismas y del talento de su dueño para salir adelante y hacer disfrutar de este espectáculo, como el caso que nos ocupa.

Una obra que necesita cantantes.

Necesita virtuosos. Pero es una obra generosa que devuelve con creces el buen trabajo del artista. Trabajo incansable de horas de ensayo, vocalización, estudio y mejora. La opera se trabaja con la partitura, el piano, el maestro de toda la vida, la sensatez de elegir lo que conviene al cantante y el conocimiento de los propios límites. La ópera necesita divos del trabajo, no de la pasarela, de la pose, del Marketing. El trabajo crea ídolos de granito. El marketing los crea con pies de barro...

Y la Opera no necesita de estos.

Y digo esto, por que en el mundo de la ópera existe una ignorancia galopante en cuanto a lo que cuesta ser cantante. Nadie dice que no se elijan los ídolos que se deseen. Nadie dice que no se opine. Pero si el único argumento es "me gusta/no me gusta" o como en alguno en los foros, la calidad de las sopranos se mide en función de la talla del sujetador, que no se pretenda pasar por ilustrado. Ni se mienta, como cada día que pasa y según quien esté en escena, ocurre.

Pero los tiempos modernos han creado verdaderos "barras bravas" de la ópera, dispuestos a morir por el cantante que han elegido como si de su equipo de fútbol se tratara. Tal forofismo no solo es dañino para quienes no comparten el gusto por el cantante, también lo es para el propio cantante, que abducido por los aplausos,  el "Maestro!!! que bien estuvo anoche", que tanto se lee en Facebook, pierde la realidad y la verdadera noción de las cosas. Por perder pierde hasta el oído, ya que no se da cuenta del deterioro que sufre....El forofismo que crea hasta grupos universales, está dispuesto a mentir lo que haga falta para despejar el camino a su ídolo. Si por ellos fuera no habría otro cantando por el mundo.

Y es esta una aberración que amenaza seriamente a la ópera, por que mantiene en activo verdaderos desechos de la ópera. Y conste que no me estoy refiriendo a solo un cantante. Por que si solo hubiera un cantante en estas condiciones no sería malo. El problema es que hay mas de los que la ópera puede aguantar, por que cada vez somos menos los que nos gustan los buenos cantantes, sean quienes sean y el aspecto que tengan y crecen los forofos del solo uno.......Y entretanto las voces jóvenes muriéndose de asco en un rincón........

Ni tampoco de estos.

Si grave son los ignorantes metidos a críticos en los foros, todavía es peor los mismos ignorantes, sacados de estos foros, como "críticos de nuevo cuño" en recientes publicaciones digitales. Observen lo que escribe este "crítico guay" acerca del desempeño de Celso Albelo:

Su emisión sigue deparando más fortuna en el sobreagudo, brillantísimo y descollante (espléndidos re y si bemol), que en la zona media, menos asentada y homogénea en algunas notas de transición. Domina el canto a media voz y ofreció un precioso 'Prendi, l'anel ti dono', jugando a placer con las dinámicas aquí.

¿Se puede decir un sinsentido mayor? Se puede, pero ya resulta casi imposible, hasta para el firmante de la crónica.

El problema de estos tipos es que quieren parecer críticos de ópera. Un buen critico normalmente sabe sacar lo bueno y lo menos bueno. Y para eso hay que saber. Tener conocimientos. En el caso que nos ocupa, la ignorancia galopa a sus anchas.

Claro que peor fué una crónica anterior donde el firmante no solo muestra que no tiene ni idea. Como manifiesta públicamente un desprecio sin límites hacia el tenor canario, firmó una crónica mintiendo a placer. Que es el juego habitual que se trae en los foros, por cierto.

Señor "critico guay": Un sobreagudo descollante, un dominio de la media voz, un juego "a placer de las dinámicas" pasa sin posibilidad de engaño por una zona media y pasaje a prueba de bombas. Por que el centro y el pasaje, ES DONDE CANTA EL TENOR. La media voz requiere el uso impecable del apoyo respiratorio, de la proyección de la voz. El agudo necesita de un pasaje sólido como una roca. Un pasaje apretado o mal resuelto condena al agudo. El agudo no puede vivir sin un pasaje espléndidamente resuelto. Y el pasaje vive de una zona central homogénea en emisión, proyección, y uso de la respiración.

Por lo tanto, señor "critico guay", si quiere buscar el lado negativo del canto de Celso Albelo tendrá que estudiar un poco. Y a lo mejor, si la inteligencia le acompaña, puede que se dé cuenta que no encontrar nada negativo y reconocerlo, no significa ser un mal crítico. Al revés.

Los ejemplos musicales

Decía Pavarotti que el papel de Elvino era más difícil que el de Arturo, porque con La Sonámbula no se puede engañar al público. Elvino requiere un excelente fraseo en el registro medio y alto. Y añadía que si consiguiera cantarla tal y como debe ser cantada, dominaría el belcanto. Y por lo que vamos a escuchar, el artista canario ha tomado buena nota de esto. 

 "Prendi: l'anel ti dono": Este precioso dúo requiere del tenor un verdadero arsenal de recursos: Comenzando por la dulzura en el canto a media voz sin caer en el empalago,el generoso uso de la sfumatura para crear esa pintura de claroscuros tan sugerente y tan bella.

¿Ustedes creen que sin un dominio absoluto de la zona central de su voz se puede cantar así? Ya les digo yo que no.





"Ah! perchè non posso odiarti " Segundo ejemplo, que como no podía ser menos, vuelve a dejar con sus miserias al aire al "critico guay" que reconoce los bellisimos y brillantísimos ataques al agudo. Ataques directos desde el centro, valientes y rotundos añado yo. Al señor critico se le olvida comentar que, además de la valentía, la voz presenta el mismo color en todas las notas que acomete, cosa que solo es posible si el pasaje esta resuelto y la voz recogida. El paso al sobreagudo requiere un segundo giro al resonador de cabeza, segundo giro que sería imposible ejecutar careciendo de un control absoluto de la emisión y la respiración en la zona central, o zona media que dice aquí el amigo.





Acto I, final: 

Normalmente el último corte que suelo poner sólo sirve como refrendo de lo ya expuesto, y este no iba a ser una excepción. Pero no es un ejemplo inútil, como no suelen ser los ejemplos para refrendar lo expuesto. Sirve para comprobar que los dos anteriores ejemplos no son fruto de la casualidad, que el cantante estaba inspirado y me he aprovechado de ello.





Conclusiones: 

 En la ópera se recoge lo que se siembra. Y las malas elecciones de repertorio y/o la falta de trabajo se pagan caros. Aunque detrás del cantante haya miles de fanáticos dispuestos a aclamarle. Al final el que sale a escena es el cantante, y la garganta que debe responder es la suya. No la del representante ni la de los seguidores .El que se queda sin voz es el cantante, pero esto parece que a muchos se les olvida.

En el lado opuesto, y en Celso Albelo tenemos el ejemplo, lo que otorga reconocimiento al artista es el trabajo. El trabajo constante. La entrada de hoy es buen ejemplo de ello. Y la evolución desde aquella primera Sonámbula de Londres es notoria. En este Blog están los Audios. Quien quiera compararlos comprenderá que lo que escribo es simple y llanamente cierto: Con el trabajo se llega a todos los sitios. Los atajos de Marketing son peligrosos.

Apertil





miércoles, 22 de enero de 2014

Salvemos el festival de Opera de las Palmas



A día de hoy, gracias a personas como Carlos Martinez, el festival de Opera de las Palmas, se mantiene vivo. La amenaza de desaparición ha cesado. Esperemos que el año que viene no tengamos que volver a poner el grito en el cielo. Que el festival de Opera, este y cualquiera que exista, tengan larga vida.

Gracias a todos los que han prestado su apoyo a la causa.


Carlos Martinez, a través de Change.Org ha lanzado la siguiente petición:

"La Constitución establece que "los poderes públicos promoverán el acceso a la cultura, a la que todos tienen derecho". La cultura siempre es necesaria, pero más aún en tiempos de crisis y todavía más cuando esa crisis no es solo económica, sino también ética y de valores. La cultura enriquece a las personas, ensancha sus horizontes intelectuales y su sensibilidad, promueve la reflexión y favorece el espíritu crítico. La cultura ayuda a dar respuesta a los problemas, sirve de inspiración, favorece modelos de conducta, hace mejores ciudadanos. Es por eso que los poderes públicos -todos- tienen la obligación de promoverla.
En Las Palmas de Gran Canaria, el director general de la Fundación Canaria Auditorio-Teatro, Don Luis Acosta Ramírez, dependiente del Ayuntamiento, y la Concejal de Cultura Dña. María Isabel García Volta, han propuesto que el Ayuntamiento reduzca drásticamente su apoyo al Festival de Ópera y que la Asociación de Amigos Canarios de la Ópera (ACO) comience a pagar por el uso del teatro la suma de 300.000€.
Esta propuesta hace totalmente inviable que siga existiendo una temporada de ópera en Las Palmas de Gran Canaria y, de hecho, puede incluso suponer la suspensión de la temporada actual, que tiene previsto comenzar en febrero. ACO ha convocado a sus socios en junta para decidir próximamente si continúan o no con la temporada que vienen organizando de forma totalmente altruista desde 1967.
El Festival de Ópera de Las Palmas “Alfredo Kraus” es uno de los más consolidados de España -esta sería su edición 47-, a él acuden desde sus inicios los más importantes cantantes de ópera del mundo (desde Mario del Mónaco y Alfredo Kraus hasta Juan Diego Flórez), sus representaciones atraen a críticos y amantes del género desde todos los lugares del planeta y, sobre todo, cuenta con un público fiel y sólido que responde siempre con un lleno total a todas sus representaciones.
Cada año, ACO pone a la venta 16.000 entradas para las funciones del festival, que cualquier persona puede adquirir en venta libre por taquilla o en calidad de socio de ACO. Es un Festival creado por y para los ciudadanos, supliendo así las carencias que por diferentes motivos arrastra la actividad artística canaria. No hablamos, por tanto, de un proyecto artístico cualquiera, sino de un proyecto consolidado y que cuenta con el apoyo de los ciudadanos.
La desaparición de este festival supondrá un varapalo para la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, la Comunidad Autónoma de Canarias y para la sociedad en su conjunto. Significará que uno de sus estandartes culturales perecerá empobreciendo aún más la oferta artística de la ciudad y de la Comunidad Autónoma. Es ahora cuando hacen falta más actividades culturales, no menos.
Resulta paradójico que esta situación se esté planteando en la ciudad de Alfredo Kraus, uno de los más grandes cantantes de ópera que han existido, y de Benito Pérez Galdós, uno de los mejores escritores que ha dado España y que más contribuyó a reflexionar sobre los duros tiempos que entonces vivía este país.
Todos sabemos cuáles son los programas más vistos de la televisión y cuáles los libros más vendidos. Esa es una decisión personal de cada uno, pero es deber de las Administraciones públicas garantizar la existencia de propuestas culturales que contribuyan a subir el nivel intelectual y educativo, que inviten a la reflexión, que promuevan unos valores de convivencia y unos ideales cívicos que inspiren una sociedad de ciudadanos mejores. Si quienes están al frente de las Administraciones no entienden esto, entonces no saben para qué fueron elegidos.
Por todas estas razones queremos pedir al Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria y a la “Fundación Canaria Auditorio y Teatro de Las Palmas de Gran Canaria”, que apoyen el Festival de Ópera de Las Palmas organizado por ACO y no exijan el abono por el uso del teatro que, no olvidemos, pertenece a los ciudadanos."
A lo que yo voy a añadir lo siguiente: 
La famosa crisis solo está sirviendo para que los ciudadanos de a pié paguemos impuestos para nada. Se supone que tenemos que hacer frente a nuestras obligaciones con el país, y a cambio tenemos unos derechos que son pisoteados un día si y otro también. El ciudadano de a pié asiste atónito a todo tipo de mangarrufas, que empiezan desde la misma Casa Real y concluyen...no se sabe donde, sin que NADIE le dé su merecido a todos aquellos que están empobreciendo cada día mas a los ciudadanos de este país. Todavía no nos han quitado, aunque no por falta de ganas, nuestra libertad de expresión. Y debemos hacer uso de ella, cuanto más mejor. Y una buena manera de hacerlo es firmar la petición que os pongo a continuación. No te arrepentirás







sábado, 11 de enero de 2014

Kate Lindsey: Mezzo-Soprano. Una estrella en ciernes




Nacida en Richmond ,Virginia, Kate Lindsey se licenció en Música por la Universidad de Indiana. Como ella misma confiesa, llegó a la ópera casi por casualidad, pero por fortuna no la abandonó. Destaca en su formación  un  graduado en el Programa de Desarrollo de Jóvenes Artistas de la Opera.

Sus numerosos premios incluyen una prestigiosa beca de 2011 del Festival de Musique et Vin au Clos Vougeot, El Richard F. Oro Career Grant, o el Premio George de Londres en 2007 en memoria de Lloyd Rigler, entre otros.

Pese a su juventud, ya ha trabajado con directores de prestigio como James Levine en el "Metropolitan" o  Lorin Maazel , por poner dos ejemplos. Además del "Metropolitan" también ha visitado el "Royal Opera House"  o el "Covent Garden" entre otros.

Su repertorio incluye papeles como; Rosina en Il Barbiere di Siviglia , Cherubino en Le nozze di Figaro , Zerlina en Don Giovanni, Idamante en Idomeneo , Hansel de Hansel und Gretel ,  Nicklausse en Les Contes d' Hoffmann,  Annio en "La Clemenza de Tito" o The Composer en  Ariadne auf Naxos de Richard Strauss.

Debutó el papel protagonista en el estreno de Amelia de Daron Hagen en la Ópera de Seattle.

En 2013 destacamos su vuelta al Metropolitan Opera como Annio en Clemenza di Tito y  al Teatro de Opera de Los Ángeles como Angelina en La Cenerentola. También el debut en el Festival de Glyndebourne Opera como "The Composer" en Ariadne auf Naxos.

Para 2014 la esperamos el 24/02 en el Auditorio Nacional de Madrid.

CNDM. Balthasar-Neumann-Ensemble

Una voz natural.

Kate Lindsay es una Mezzo-soprano Lirica que se desenvuelve bien en algunos papeles de coloratura. Su timbre es típicamente de Mezzo-Soprano: Aterciopelado, cálido, sin cambios de color, sea cual sea la nota que esté emitiendo.

Técnicamente la voz siempre está recogida; El pasaje lo tiene bien resuelto y posee un agudo con cierto "squillo" muy fácil, muy bien trabajado con el resto de la tesitura, que es lo que proporciona esa frescura en el canto, en la técnica, que tanto se echa de menos en otros cantantes, ya sean masculinos o femeninos.

Siendo una Mezzo-Lírica no posee unos graves espectaculares. Tampoco intenta notas que no tiene, por el contrario le saca muy buen partido a su tesitura, que es lo que se agradece en un cantante: que cante donde sus cualidades son naturales porque es ahí donde luce su voz.

Dramáticamente es mejor actriz en comedia, que en drama, donde se la nota mas forzada, teniendo en el personaje de "Nicklausse" de "Los cuentos de Hoffman" uno de sus mejores roles.

En la parte negativa debe cuidar una pequeña tendencia a engolar en algunos momentos, por que no lo necesita.

La música.

Pero quizá lo mejor es que escuchemos a la protagonista. Empezaremos por la ópera que me hizo conocerla, una ópera que me encanta : "Los cuentos de Hoffmann". El personaje de la musa, además de su importancia  en la trama, tiene un papel complicado pero agradecido. Se necesita una cantante de altura para sacarlo adelante.





El aria es preciosa y está magníficamente cantada, lo único que le echo en falta es un poco mas de dulzura en la interpretación, algo que sin duda con el tiempo añadirá, por que es un personaje que le viene como anillo al dedo. En este vídeo podemos observar algo de su tendencia a hacer el gamberro en escena, dicho sea como elogio, cuando se ríe del protagonista y su anterior fallida conquista.

En este segundo vídeo volvemos a ver a la "Nicklausse" irónica. Cronológicamente en la ópera, este vídeo es anterior, cuando Hoffmann se ha prendado del autómata.





En este vídeo se nota que está mas a gusto en su parte cantada. Observamos como la subida a la zona alta no presenta ningún problema para la cantante, que coloca la voz en el registro de cabeza, pasando la voz sin ningún apuro para llegar a un agudo rotundo y bien colocado

Cambiamos de registro. Aquí vamos a ver y escuchar a Lindsay en otro de sus papeles estelares, tanto en la música como la parte dramática: el "Cherubino" de "Le Nozze di Figaro". La producción es un horror, es un espanto, algo para vomitar, pero bueno, la interpretación de la mezzo es de sobresaliente. 




En este vídeo observamos una pequeña tendencia a engolar al principio del aria. Que es el único defecto que podemos observarla. Por lo demás, está en su salsa. :-D


Seguimos con Mozart,un autor, y un papel, el de Annio, que la favorecen mucho. 





Continuamos con un precioso dúo: "Ah perdona al primo affeto" de la "Clemenza". Corresponde al debut de la mezzo en el "Metropolitan"




Como hemos podido escuchar, Mozart es un autor que la favorece especialmente. Mozart es un autor que hay que cantar. En estilo, como pide la música. Un buen cantante Mozartiano destaca por su legatto y su fraseo. Se necesita cantar con gusto, con belleza y hemos podido escuchar tres ejemplos de cómo se debe cantar Mozart. 

Cambiamos de tercio y como contraste, escuchemos el Duetto de Ariadne Aud Naxos, bellísima ópera, donde Lindsay debuta en un papel bastante más difícil: el "Composer". Esta producción corresponde al Festival de Glyndebourne en 2013. Zerbinetta es Laura Claycomb. 

Otra vez un papel mas humoristico y la mezzo, a la que le gusta moverse y hacer cosas en escena, de nuevo vuelve a estar como pez en el agua. Vocal y dramáticamente.

 Añadir que Laura Claycomb hace una descomunal Zerbinetta. Esta producción del  Festival de Glyndebourne es sobresaliente en todos los sentidos. Si no la han podio ver, hagan lo posible por verla y escucharla. Merece la pena en todos los aspectos. 




Esta ópera no tiene un aria específica para el personaje de Lindsay, está constantemente entrando y saliendo a escena con estancias largas, y después de escuchar el primer acto he sacado otro corte de Lindsay en su excelente creación del "Composer"





Hasta ahora no me había decidido a analizar y presentar una voz femenina en mi blog, casi dedicado a la cuerda de tenor. Aparte de que mi especialidad, y mi cuerda, es la de tenor, y que es la voz que tengo más estudiada, está el hecho de que cuesta encontrar buenas voces. En todas las cuerdas. En la anterior entrada la voz de la soprano que cantaba "La del manojo de rosas" es una voz ya en decadencia. Hoy hemos escuchado la retransmisión por radio, y por desgracia lo que escuchamos en directo no fué un problema puntual. Mi análisis en directo de la voz de la soprano había sido correcto. Es por esto que, después de llevar esta entrada "durmiendo" en el "borrador" de mi cuenta de Blogger bastante tiempo, ya me he decidido a publicarla. Mi oído me es fiel y puedo confiar en su desempeño y que lo que había escuchado a la Mezzo Kate Lindsay, a través de los vídeos me permiten "mojarme" en el sentido de considerar a Kate Lindsay una estrella de la ópera en ciernes.

Espero que les guste y se queden con su nombre.

Apertil