jueves, 4 de octubre de 2018



                                       Faust de Gounod
Ópera en cinco actos

Música de Charles Gounod (1818-1893)

Libreto de Jules Barbier y Michel Carré, basado en la obra Faust et Marguerite (1850) de Michel Carré y en la obra homónima (1808) de Johann Wolfgang Goethe

Estrenada en el Théâtre Lyrique de París el 19 de marzo de 1859
Estrenada en el Teatro Real el 18 de enero de 1865

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con De Nationale Opera & Ballet de Ámsterdam

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)

Dirección musical: Dan Ettinger
Dirección de escena: Àlex Ollé (La fura dels Baus) 

Dr. Faust: Piotr Beczala
Méphistophélès: Luca Pisaroni
Marguerite: Marina Rebeka
Valentin: Stéphane Degout
Wagner: Isaac Galán 







Después de un tiempo de inactividad, básicamente por motivos laborales o la falta de los mismos, volvemos a retomar la actividad de mi pobre blog, tan olvidado.
Ha costado quitarle las telarañas y el polvo acumulado. Pero merecía la pena retomar las crónicas, otrora tan numerosas con la presente, con motivo de la asistencia a nuestra primera ópera de la temporada: Faust de Gounod.

Aprovecho para comentar que las crónicas, van a tomar un giro diferente: más crudas, más sashimi, menos elaboradas… el objetivo es poder tener crónicas, sin que me cueste un mundo hacerlas, que cuando no hay tiempo para ellas sucede lo que hasta la fecha: que no salen crónicas.
El primer cambio de estilo cronista viene porque no siempre va a ser una crítica a los cantantes. En este caso será la puesta en escena la que va a centrar la crónica.

Si Ud. es seguidor habitual del blog, sabrá que las puestas en escena “modernas” rara vez han encontrado elogio en estas páginas, más bien al contrario: Bazofia ha sido lo más suave que he dicho de ellas. Y sin embargo de un tiempo a esta parte, no solo no me molestan, sino que, pásmense, hasta me gustan. Lo fácil sería decir que la culpa la tiene el que esto escribe que, como un buen vino, ha madurado adecuadamente. Es verdad que voy más abierto de mente, pero como le comentaba a la co-autora del blog (en la sombra) Zerlinetta, los registas se lo están currando bastante más. El ejemplo más fácil de esto es el primer acto de la ópera, donde un viejo doctor sale de una especie de urna con un traje casi espacial, y se sienta a cantar su desesperación que le quiere llevar al suicidio. 

Al viejo doctor Fausto; le da vida Piotr Beczala, tenor de voz bella que canta con gusto y legato adecuados. Sus mejores momentos vinieron en cuanto se liberó del primer acto que le obligaba a dar peso a la voz y pudo elevar la emisión. En su debe está la zona aguda y sobreaguda, con tendencia al falsete reforzado y abuso del golpe de glotis; Y como decía la puesta en escena aquí se nota: La historia que la música nos está contando encaja con lo que estamos viendo: música y escenografía van de la mano contándonos lo mismo. Gran trabajo de Àlex Ollé (La fura dels Baus), la Escenografía de Alfons Flores y los Figurines de Lluc Castells, sobresalientes todos ellos.

El vestuario tantas veces olvidado, merece un gran elogio: Como ejemplo la caracterización de Luca Pisaroni en su papel de “Mefistófeles”. Pisaroni compone un diablo bastante cabroncete, con la carga de comicidad que la interpretación elegida necesitaba, excepto en el cuarto acto en la escena de la iglesia, que sale disfrazado de Jesucristo crucificado, suplantando a este en la propia iglesia: suplantación que produce verdadero miedo pues aquí sí que está presente la naturaleza maligna del demonio. Vocalmente Pisaroni cumple, aunque se le echa en falta unos graves que no tiene: en “Le veau d'or” se nota demasiado esa falta de contundencia y en algunos momentos no se le oye. Sin embargo, me gustó mucho su trabajo, siendo uno de los triunfadores de la noche.

La segunda gran triunfadora de la noche fue la Margarita de  Marina Rebeka .  Con unas facultades canoras generosas, de agudos tremendos en volumen y proyección, aunque con leve tendencia al exceso, y centro poderoso, siendo perfectamente audible tanto a media voz, como cuando dio la espalda a la boca del escenario. El problema que le veo es que prefiere el volumen a la intención: faltan matices, no consiguió transmitir ni inocencia, ni candor, ni la tristeza por el abandono de Fausto. También quedó feo la excesiva exhibición de medios en el  “Alerte Alerte! Del final, en el que ella sola tapó a sus dos compañeros de reparto. Debe corregir esto porque facultades para ello tiene.

Volviendo al vestuario: La caracterización de los soldados, con una equipación más que sobrecargada es motivo para pedir un aumento de sueldo. Pero dado el aire futurista con el que había comenzado la función no estaban fuera de contexto. Todo lo mencionado  no le impidió al barítono Stéphane Degout que encarnaba a Valentín cantar, y muy bien, su personaje. Buen gusto, excelente línea canora y una gran musicalidad son cualidades que lo adornan. La pena es que la voz la tiene aplastada contra la máscara. No está liberada y suena con un punto de guturalidad y nasalidad que la hacen perder proyección y brillo: Sin embargo cantó el “O sainte médaille... Avant de quitter ces lieux” a la altura, por gusto, línea, matiz e intención de un Galeffi, lo que le redime a mis (interesados) ojos de todos sus posibles pecados…

Haremos gracia al lector de más detalles de la puesta en escena, para que sean descubiertos por quienes asistan a la función, y les pueda sorprender y gustar tanto como a mí.

Para terminar, mencionar mi desagrado con la dirección del coro empeñada en hacer cantar a gritos a sus componentes, lo que se traduce en una difusión de la musicalidad en favor del estruendo. No hace falta. Pero el director del coro tiene sus propias y originales ideas…

Excelente la dirección musical de Dan Ettinger, que hizo sonar la orquesta a un nivel más alto de lo habitual.

Completaron el reparto, Isaac Galán como Wagner, Serena Malfi como Siebel y Sylvie Brunet-Grupposo como Marthe. Buenas prestaciones de todos ellos.

En definitiva: Excelente comienzo de la temporada.

Apertil







domingo, 19 de noviembre de 2017

Carmen de Bizet. Teatro Real 17 de Noviembre de 2017







Música de Georges Bizet (1838-1875)

Libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, basado en la obra homónima (1845) de Prosper Mérimée

Estrenada en la Opéra-Comique de París el 3 de marzo de 1875

Estrenada en el Teatro Real de Madrid el 14 de marzo de 1888

Producción de la Opéra national de Paris

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real
(Coro Intermezzo / Orquesta Sinfónica de Madrid)
Pequeños Cantores de la ORCAM

Ficha Artística

Dirección musical: Marc Piollet
Dirección de escena: Calixto Bieito
Responsable de la reposición: Yves Lenoir
Escenografía: Alfons Flores
Figurines: Mercè Paloma
Iluminación: Alberto Rodríguez Vega
Dirección del coro: Andrés Máspero
Dirección del coro de niños: Ana González
· - ·
Zuñiga: Jean Teitgen
Moralès: Isaac Galán
Don José: Leonardo Caimi
Escamillo: Kyle Ketelsen
Le Dancaïre: Borja Quiza
Le Remendado: Mikeldi Atxalandabaso
Frasquita: Olivia Doray
Mercédès: Lidia Vinyes Curtis
Carmen: Anna Goryachova
Micaëla: Olga Busuioc


La temporada comienza bien

Frente a la temporada del año pasado que comenzó absolutamente torcida por culpa mía, al adquirir un abono absolutamente ciego, esta tiene otro cariz. El nuevo abono funciona y la ópera que para nosotros abre la temporada resultó muy entretenida: Todo funcionó sin problemas y la verdad es que se disfrutó de la función. Detalles menos positivos, los hubo, pero no empañaron la impresión general de satisfacción de haber presenciado un espectáculo de calidad.
Lo primero que siempre gusta, o al menos a mi me gusta, es que el teatro esté lleno. Ya sé que llenar el teatro con "Carmen" está "chupao". Pero me gusta esa visión desde mi butaca de un teatro a rebosar. Luego la función discurrirá por donde sea, pero el ambiente "pre" función ya está conseguido.
Las primeras notas de la obertura son vitales, en mi impresión general, para mantener esa "magia" absolutamente personal y propia que vivo en los momentos previos. Y la celebérrima obertura mantiene el ambiente.

Se levanta el telón

Y aquí tengo que hacer la penitencia auto-impuesta: Nada más empezar la función ya noté que la "atravesada" puesta en escena (Ya la llevaba pre-juzgada y casi pre-despellejada) me gustaba. No tengo reparos en reconocer que me equivoqué de cabo a general. (se dice de cabo a rabo, pero yo también quiero innovar y que funcione) ¿Y por qué ese cambio? Trataré de explicarme sin enrollarme, que luego se me "enladrilla" la crónica.
 En mi opinión la mayoría de las puestas en escena modernas, no solo cambian la época de la acción ,que puede no ser malo, sino que además te cuentan otra historia que nada tiene que ver con la obra que se trata de representar. Y aquí no es el caso. Como bien señalaba la "Co-Autora"(en la sombra)  de este blog, Zerlina, en la época que se compone la obra había una "moda" por lo exótico. Y para nuestros queridos vecinos allende de los Pirineos, todo el folclore que va ser introducido en la obra, los toros, el flamenco, etc tenía mucho de exótico....y de bárbaro. Lo que sin duda ayudaba a contar el drama, sumergiéndolo en esa atmósfera tan distinta del mundo civilizado conocido.
  Pero hete aquí que el paso de los años ve como todos esos "clichés" se convierten en "Marca España". Ya no hay exotismo ni barbarie. Y es en este punto donde la puesta en escena aporta gran valor a la historia. La sola presencia en escena de la legión, devuelve el ambiente sórdido y truculento necesario. La llegada de Micaela al puesto de guardia rodeada del destacamento legionario ya pone en antecedentes del peligro que corre. Y no hace falta más. Por mucho que les pese a algunos, ha bastado un destacamento de la legión "en su salsa" para insuflar todo el aire dramático que la obra necesita.

El segundo gran mérito de la puesta en escena es darle valor a los contrabandistas, convertidos en las puestas en escena tradicionales en poco más de una versión cómica de "Curro Jiménez". La salida en el tercer acto de los "Mercedes" de los años 70, coches duros donde los haya, con todo el contrabando, al amparo del famoso toro de "Osborne" nos pone en la situación de su verdadera vida: "bajarse al moro" y como en el caso anterior no hace falta más para comprender que su vida no es un juego y que hay peligro de verdad. De verdad que esta parte me encantó, por lo bien lograda que estaba, por todo lo que transmitía, moviendo 5 o seis coches por la escena con las luces encendidas, mientras el resto del escenario estaba a oscuras.

Hay más detalles pero con lo expuesto basta. Y la penitencia está cumplida.




El elenco.

Hoy, excepcionalmente, voy a empezar por los personajes menos protagonistas: Dancairo (Borja Quizá), Remendado (Mikeldi Atxalandabaso) , Frasquita (Olivia Doray) y Mercedes ( Lidia Vinyes Curtis ). Su parte musical me gusta especialmente y no siempre se cuida en la elección de los cantantes para estos papeles. No es el caso de esta noche donde contamos con cuatro voces de primer nivel para estos papeles. Son cuatro voces perfectamente empastadas entre sí  y con la voz de la protagonista y gracias a eso la función no queda dividida en la parte de los protagonistas y la parte de los comprimarios, resultando un espectáculo sólido y bien ensamblado.

La parte de Micaela le correspondió esta noche a Olga Busuioc, una soprano sobrada de medios que exhibe con generosidad, vengan o no a cuento del papel que interpreta. Posee una voz ancha, con excelente volumen sin forzar excepto en la parte de los agudos, donde aprieta la emisión y como resultado la voz se torna incontrolable. Saca adelante su papel pero echamos en falta,  una matización, una caracterización del personaje mas acorde al libreto.

El barítono Kyle Ketelsen compone un Escamillo eficaz, tosco, pero eficaz. Su timbre resulta algo pastoso, pero resuelve bien su famosa aria excepto cuando tiene que tirar de graves, que son inaudibles. Mucho mejor que en el aria de entrada estuvo en el dúo con Carmen donde mostró una delicadeza de enamorado muy convincente.




El papel de Don José le correspondió al tenor italiano Leonardo Caimi, de timbre  bonito y elegante linea de canto. La voz le corre sin problemas, pero desaprovecha unas cualidades que se adivinan pero que no están trabajadas. Canta exclusivamente en voz de cabeza excepto en algunas partes donde baja la emisión y pone en funcionamiento el resonador de pecho. Es en estas partes donde la voz gana y se enriquece con unos armónicos que en la mayoría de desempeño no usa. Y esto es así por que al bajar la emisión no puede con la voz. De normal, solo con el resonador de cabeza el paso no está muy controlado. Hay cobertura pero insuficiente y TODOS los agudos son en voz de cabeza a media voz. Que en algún momento resulte eficaz y hasta acorde con el personaje no quita para que se ponga de manifiesto una importante deficiencia técnica que en el caso que nos ocupa le resta intensidad dramática. 

La Carmen de esta noche le correspondió a la mezzo Anna Goryachova. Una mezzo de buenas condiciones vocales, timbre oscuro, buenas prestaciones en la zona alta y con los graves correctos. No podemos decir que su personaje esté bien perfilado mas bien lo contrario. Canta canónicamente bien, excepto en el aria de salida, donde sea por que no ha vocalizado suficiente, sea porque es de los cantantes "fríos" que tardan en poner a la voz en marcha, salió con la voz metida en la nariz y, algo inadmisible, respirando donde mejor le venía. Detalle este último que volvió a repetir en algún momento mas de la velada.  Es una cantante interesante y habría que escucharla en algún papel donde no se requiera tanto desgarro en la composición del personaje.




El coro estuvo excelente. Me parece que en ocasiones abusa de los decibelios, pero en esta función estuvo soberbio. Tanto el coro habitual como el coro infantil.


Buena dirección de Marc Piollet al frente de la orquesta Sinfónica de Madrid.

Apertil

lunes, 14 de agosto de 2017

Giuseppe Verdi  Aida

SALZBURG FESTIVAL 


© Salzburger Festspiele / Monika Rittershaus

Roberto Tagliavini, The King 
Ekaterina Semenchuk, Amneris
Anna Netrebko, Aida 
Francesco Meli, Radamès
Dmitry Belosselskiy, Ramfis 
Luca Salsi, Amonasro 
Bror Magnus Tødenes, A Messenger 
Benedetta Torre, The High Priestess 
Riccardo Muti, Conductor 

Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor
Ernst Raffelsberger, Choreinstudierung
Wiener Philharmoniker
Angelika-Prokopp-Sommerakademie der Wiener Philharmoniker, Bühnenmusik

Aburrimiento.

Suele suceder que las expectativas excesivas deriven en decepciones. Y en mi opinión es el caso de esta Aida de la que se esperaba bastante más a tenor de la expectación creada. 


Parte de la expectación venía de la mano de Anna Netrebko como Aida, de la que se ha escuchado/leído un buen número de opiniones; Y como no quiero que se pase el momento quiero dar la mía. Y como resumen diré: Aburrimiento. 

Falta tensión.


Riccardo Muti es un gran director, nadie lo duda, lo que no quita que sus lecturas de la partitura puedan adormecer al personal como en el caso que nos ocupa. Tempis excesivamente largos hacían caer la tensión del drama en casi toda la ópera. Y la culpa no era solo de Muti; la absurda puesta en escena, donde no se sabía si estaban cantando la "Flauta mágica".....



 © Salzburger Festspiele / Monika Rittershaus

o cualquier otra cosa impedían relacionar la lectura musical, excesivamente lenta, con la historia que nos estaban contando. Solo en el primer acto el aria "Ritorna Vincitor" discurrió por los cauces de dramatismo que la música requería, o en el cuarto acto "Ahime! .. morir mi sento " con Amneris , Ramfis y el coro de sacerdotes. El resto de la ópera discurrió con cauces de excesivo control, sobre un elenco de cantantes correctos, pero sin brillo.

Aida y Amneris

Son las triunfadoras de la noche, aunque tampoco podamos hablar de un descubrimiento para la historia. Anna Netrebko cumplió dignamente con su papel, con una importante laguna en el tercer acto, donde la soprano quitó peso a la voz para poder atacar las dinámicas de la partitura: Medias voces, pianos, sfumaturas...El resultado en este tercer acto dejó que desear con una afinación mas que dudosa y una emisión apretada, forzada, hasta el punto de desfiatarse en el dúo con Amonasro.
Vamos a darla tiempo a ver si le resulta posible combinar todos los requerimientos que este personaje tiene. Por que, dejando de lado el tercer acto, el desempeño general fue bueno; intensidad, dramatismo, ataques valientes a la zona alta, expresión... pero el tercer acto tiene que mejorarlo. Eso sí. Que nadie espere que va a llegar a los límites de: 



Ekaterina Semenchuk 

Tuvo a su cargo el papel de Amneris. Desde el "streaming" donde escuchaba la ópera no puedo calibrar su volumen, que pareció justito. A cambio ofreció una actuación convincente, lastrada por ciertos "tempis" ya comentados, ofreciendo su cenit en la escena del cuarto acto en el juicio de Radamés. ya que, como comentaba al principio, al menos si parece una voz adecuada al rol. 

Luca Salsi 

En el papel de Amonasro, estuvo correcto. No me emocionó su interpretación del personaje que dejó escapar sin apenas matizarlo. A diferencia de Tagliavini, carece de una elegancia que se adivina necesaria en el personaje. También es rey a fin de cuentas  Y ya es pena que un personaje que es un regalo para cualquier cantante no sepa sacarle partido. Quizá su voz menos timbrada de lo que sería deseable no ayude en el cometido. Saca la partitura adelante sin más. Y si alguien quiere profundizar mas en esto que digo que escuche a este par...


                                                                           

Roberto Tagliavini 

Fué el encargado de dar vida al Rey. Canto elegante, timbrado, perfectamente ligado sacó adelante sin problemas su parte, siempre en estilo, y perfectamente matizado. Ya lo había escuchado en directo en los Puritanos del Real de hace un par de temporadas y no me decepcionó. Su parte es corta y quizá por eso no pueda considerarse un triunfador en toda la regla, pero fue un excelente rey. 

Dmitry Belosselskiy, Ramfis

La verdad es que el desempeño de Dmitry pasó como con Amonasro: Sin pena ni gloria. Como dije en el caso de Amneris, no soy capaz de cuantificar su volumen, que se me antoja escaso. Al igual que en el caso de Amonasro me queda el poso de un personaje que se escapa vivo. Casi lo dicho para Amonasro vale para este Ramfis bastante tosco. 

Francesco Meli, Radamès. 

Uno de mis personajes soñados. Si hay un papel que me gustaría cantar es este. Sin lugar a dudas. Quizá por eso haya pocos Radamés que me convenzan. Y el de Meli no está entre ellos: Ni por voz, ni por credibilidad del personaje.


© Salzburger Festspiele / Monika Rittershaus

Bror Magnus Tødenes, A Messenger y Benedetta Torre, The High Priestess Buenos comprimarios. No es corriente un "Mensajero" tan sólido, pero Bror Magnus lo ofreció.

Buen desempeño del coro.

Apertil.

viernes, 4 de noviembre de 2016

Norma




Norma

Tragedia lírica en dos actos.

Música de Vincenzo Bellini (1801-1835)

Libreto de Felice Romani, basado en la obra de teatro Norma, ou l'infanticide (1831) de Alexandre Soumet

Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán, el 26 de diciembre de 1831
Estrenada en el Teatro Real el 14 de noviembre de 1851

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Palau de les Arts de Valencia y la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO)

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real

Ficha Técnica:


Dirección musical: Roberto Abbado
Dirección de escena: Davide Livermore
Escenografía: GIÒ FORMA
Figurines: Mariana Fracasso
Iluminación: Antonio Castro
Vídeo: D-WOK
Dirección del coro: Andrés Máspero

Personajes principales e intérpretes.

Pollione: Gregory Kunde
Oroveso: Fernando Radó
Norma: Maria Agresta
Adalgisa: Karine Deshayes
Clotilde: Maria Miró
Flavio: Antonio Lozano.

Una ópera para paladear.


Martes 1 de Noviembre de 2016, día de todos los santos, fue el día elegido para asistir a nuestro segundo título de la temporada. Segunda ÓPERA con mayúsculas a la que asistimos esta temporada repleta de títulos que cualquier teatro elegiría encantado. Parece que las cosas finalmente se están haciendo bien y hemos abandonado pasados experimentos extraños, como el de pretender llenar un teatro con una oferta que no comulgaba con el público. No es el caso de esta obra que está registrando llenos por representación, incluso en un día festivo, final de puente, que quizá en principio hubiera restado público. Pero para la calidad Madrid está siempre disponible y el martes se demostró.



No es solo "Casta Diva".

Cuando escuché por primera vez la ópera, en una grabación de la RCA con Caballé, Domingo, Cossoto, Milnes. recuerdo que la celebérrima aria no me produjo la sensación que yo creía que me iba a producir, tanto se hablaba de ella, más aún me dejó un poco frío por que la salida de Oroveso "Ite sul colle, o Druidi", "Dell'aura tua profetica" ya se había convertido en una mis partes favoritas.
A continuación sin tiempo para recordar lo escuchado, la salida de Pollione y su no menos célebre "meco al altar di venere" me habían hecho olvidarme completamente de la salida de Norma.....

Naturalmente no quedó ahí la cosa, podría hablar del terceto final del primer acto, el dúo de Pollione y Adalgisa....probablemente sea Norma de las pocas óperas que tienen tantos números esperados por este que escribe.




La calidad tiene un precio.

Y hay que pagarlo: Se necesita una adecuada dirección orquestal y en este apartado a la dirección de Roberto Abbado le faltó algo de tensión, sobre todo en el segundo acto donde el dramatismo musical decayó un tanto. En el primer acto la dirección lenta y soporífera que había mostrado en la función que fue retransmitida en directo por televisión, había tomado más brío y se agradeció. La orquesta sonó bien, otras ocasiones he tenido más reparos con ella, pera la verdad es que la calidad de la orquesta va mejorando lentamente.

El coro, sin embargo, me gustó bastante menos. Desconozco los motivos por los cuales el coro tiene ultimamente una tendencia a cantar todo en "forte" o "fortissimo" sobre todo el coro masculino y eso redunda en una peor musicalidad. Sin ser un desastre, si podemos hablar de que fue la parte artística más floja de la noche.

Antes de seguir querría hacer un pequeño inciso. No sé como continuará la temporada, en el horizonte tenemos "La Clemenza", pero hasta ahora, entre el final de la temporada pasado y el principio de esta podemos apreciar que la calidad de las voces ha aumentado considerablemente. Me imagino que la dirección del teatro está haciendo un esfuerzo considerable por traer voces de calidad. ¿En qué se traduce esto? En mi caso aparte de disfrutar de la música, en no padecer. No pocas veces lo he pasado mal escuchando al artista en escena, sabiendo lo que iba a pasar en no pocas ocasiones, y por desgracia acertando. De momento tocaré madera, son solo detalles mínimos a comentar. Poca cosa.

Y ahora sí, vayamos con los intérpretes.

Norma: Maria Agresta

Antes de empezar el Teatro nos avisó que padecía un proceso gripal, pero que sin embargo cantaría la función. Este proceso gripal no sé si la influyó en algo, es la primera vez que la escucho en directo, y por eso la concederé el beneficio de la duda. Soprano de indudable musicalidad y buen gusto, pero  creo que Norma no es personaje para ella. Su interpretación pecó de frialdad, no solo en la interpretación del "Casta Diva" sino en buena parte de la ópera. Nunca consiguió transmitir ese fuego que creo la sacerdotisa lleva dentro. Ni siquiera sonó convincente el "Ah, no ! sonfigli miei ! — miei figli " del segundo acto cuando está a punto de matar a sus hijos. Brilló mucho más en los dúos con Adalgisa,  o en el Terceto final del primer acto, pasajes sin el dramatismo de la parte final de la ópera. Técnicamente tiene serios problemas de "entubamiento" sobre todo a media voz con demasiados cambios de color cuando se mueve por esta zona. De volumen anda justita y el agudo debería recogerlo un poco por que va camino de abrir demasiado el sonido en ese punto.

Adalgisa: Karine Deshayes

La "mezzo" francesa dispone de un instrumento vocal anunciado como "mezzo" pero de sospechoso timbre "sopranil" en muchas partes de su registro. Posee una voz de volumen excelente, capaz de tapar por completo a su compañera de reparto y casi a su "Amante" el romano "Pollione". La voz está proyectada sin esfuerzo y perfectamente recogida incluso en las notas más agudas y eso es un plus añadido a la hora de cantar, por cuanto le permite centrarse en la parte artística al tener su instrumento bien educado. En su debe, quizá, recomendarle que en las subidas no empuje tanto la voz, no le hace falta. Para mi gusto su mejor parte fue el dúo con "Pollione" del primer acto: convincente en la composición del personaje y excelente línea de canto, brillando también en los dúos con Norma.




Pollione: Gregory Kunde

Gregory Kunde ofreció un "Pollione" de calidad. En la retransmisión televisada del otro día su voz no parecía sonar como acostumbra. El martes sin embargo estuvimos ante la mejor versión de Kunde: una voz robusta, algo leñosa cuando está fría, pero densa cuando ya la ha calentado. Una voz bien trabajada en el pasaje y en los agudos, con un "pero" importante del que luego hablaré, una voz que corre libre por el teatro y que el dueño maneja a su antojo. Dramáticamente el personaje es convincente y sus intervenciones (Meco all’altar di Venere), el  dúo con Adalgisa,  el terceto del primer acto o la escena final fueron partes cantadas con calidad. Para este personaje, que no requiere un centro tan ancho como en el Otello, el tenor puede resolver su parte sin dificultades extremas. Hay un detalle para mi gusto muy molesto que no advertí en el Otelo precedente, y es quizá el único defecto técnico que le he notado: Si el agudo cae en una "i" o una "a" Kunde lo transforma en "e" y eso no es admisible. Al menos no para mí. El ejemplo más claro lo encontramos en el  "Meco all’altar di Venere" cuando canta "Vedea fumar gl' incensi, Eran rapiti i sensi " que lo convierte en "Eran rapiti i sense" La "i" cuesta, pero hay que trabajarla. Y la "a" igual. En su descargo hay que decir que este "truco" no lo emplea en el pasaje, solo en las notas mas altas. Pero igualmente hay que trabajar esas vocales, en particular la "i".


Oroveso: Fernando Radó. 

Buen Oroveso nos ofreció Fernando Radó. Ya de entrada en una de mis partes favoritas como ya comenté "Dell'aura tua profetica", estuvo seguro, afinado y convincente; es una voz que corre por el teatro sin problemas. Da la sensación de encontrarse a gusto cantando el personaje y la representación gana mucho con ello. Excelente actuación.


Flavio: Antonio Lozano.

Cumplió bien su cometido. Su voz se oye perfectamente aunque no parece ser una voz excesivamente musical. Buen desempeño.

Clotilde: María Miró

Otra buena actuación. Da gusto tener comprimarios, que tan importantes son, de calidad. Y María Miró cantó excelentemente su parte.

La puesta en escena no me disgustó. Las proyecciones contra un telón blanco proporcionaban un ambiente tétrico al bosque y en ocasiones servían como apoyo a la historia que se contaba en ese momento. Es de las pocas veces que, en mi opinión,  la puesta en escena ayuda a la historia, y no al contrario.